The Pains of Being Pure at Heart EP

Como para estirar un poquito más la felicidad de escucharlos, los neoyorkinos The Pains of Being Pure at Heart editaron un EP en este mismo 2009, año de su excelente debut homónimo (y candidato personal en la lista de mejores discos del año).

El EP se llama Higher than the Stars. Son cuatro temas nuevos en la misma veta áurica/ guitarrera/ noise pop y un bonito remix a cargo de Saint Etienne.

Salud, música, felicidad.

Discos: Album (Girls, 2009)

Album es el debut del dúo de San Francisco Girls (vaya nombre tan feo). El último hype con reviews de cinco estrellas o diez puntos en cuanto blog de música se precie de tal.

Pop urgente y low fi en lo musical, en doce canciones aún mucho más directas en lo confesional: una colección de postales sinceras (casi descarnadas) sobre los momentos de felicidad perdidos e imposibles de repetir.

Grabado en varios dormitorios y salas de ensayo, Album tiene un par de buenos momentos y una producción concientemente borrosa que, o bien puede elevar todo o echarlo a perder, depende los momentos.

Yo escucho un primer momento del disco entre los tracks 1-3, y luego la cosa se va para otros lados. Lust for life es una canción pegadiza y up que por debajo encubre unos coros de pa pa pas y dum dums realmente encantadores. Laura es la canción que hubiera escrito Elvis Costello de haber nacido en los 70´s y formar parte del Brit Pop de los 90´s. Ghost mouth es otro ejercicio a alla Costello (el tono nasal- reventado del cantante Christopher Owens termina resultando bastante denso) y ahí termina una primera parte pop y hitera del disco.

Entre God damned (low fi de AM) y Big Bad Mean Motherfucker (rock and roll clásico) la cosa se ensucia, pero (o por eso mismo) sorprende. Hellhole ratrace es un trip de 7 minutos con misterioso ambiente casi gospel detrás y una construcción melódica que por momentos recuerda a los Jesus and Mary Chain más folks (los de Stoned & dethroned). A la altura de Headache (track 7) nos damos cuenta que Album es más bien una colección de temas sueltos, sin demasiada cohesión, que se bambolean de aquí para allá. Su encanto puede ser también su Talón de Aquiles.

Sin embargo, sobrevuela el aire un tufillo a buenas ideas y chispazos de energía bien canalizada.

Discos cercanos a "Album": 

The Pains of Being Pure at Heart (09) por lo urgente, y Popular songs, el último de Yo La Tengo (09 también) por la cosa "free" con la que se pasean de un estilo a otro.

Canciones: It's gonna take an airplane (Destroyer, 2004)

Desde algún lugar remoto de la memoria vino volando esta hermosa canción de Destroyer, que alguna vez me acompañó durante todo un verano 

* * *
 Hubo un enero- el de 2005- que pasé prácticamente solo en una Buenos Aires desierta. Mis actividades se limitaban a salir de mi trabajo en el centro, caminar durante mucho tiempo sin rumbo y leer El Pasado, de Alan Pauls.

Por algún capricho de la memoria asimilo dos discos a aquel enero: The slow wonder, de A.C. Newman y Your blues, de Destroyer. Sólo la casualidad quiso que ambos discos fueran, a su vez, de artistas del colectivo pop The New Pornographers. 

Tu tristeza 

Y es en el disco de Destroyer, ahí, como segundo track, que está la canción que originó este post. It´s gonna take an airplane es mucho más de lo que una canción puede ofrecer. Se trata en realidad de una pequeña maravilla de cámara, un microuniverso pop completo y autoabastecido que se sostiene como una estrella propia en el firmamento. Todo pasa ahí adentro, y al escucharla nos damos cuenta que ya no necesitamos nada más para ser felices. 

Canciones para cantar (y aplaudir) 

Ya desde el primer compás el órgano marca la melodía que acompañará al tema, montado sobre un ritmo delicado. Enseguida entra la rogerwateriana (aunque sin la carga de teatralismo pavote del gran Roger) voz de Dan Bejar, que queda ahí solita con un bajo y una cálida acústica. Así, intimista, Dan nos anuncia: "it´s gonna take an airplane/ to get me off the ground", para agregar "i don't blame anyone who isn't sticking around/ cause when you stick around (when you stick around!)/ people like to put things in the ground".  

Si bien se trata de una temática clásica (el artista que exige para sí un modo de "transporte" espiritual propio y elevado, lejos de la mediocridad de la tierra que lo tira para abajo), bueno, no recuerdo a nadie que lo haya cantado tan lindo como Bejar aquí.

Luego de una pequeña segunda estrofa se largan las palmas (esas palmas irresistibles que ahora queremos seguir) y se repite la melodía del comienzo, amplificada, maravillosa, flotando en el aire. Ahí empezamos a darnos cuenta que el juego de la canción -en parte- está en ese "ida y vuelta" entre secciones a cual más hermosas, en una dinámica imposible de abandonar.

Como parte C del tema, Bejar flota en otra melodía brillante, donde por primera vez le habla a una segunda persona: "dressed like a dream dreamt by Lola magazine/ baby you were born to be seen/ and art's just the start!/now step inside the Widowmaker/ and listen to your heart!/ always 'the play', never 'the thing'...". Esta última frase vuelve a darle pie a la melodía inicial, para repetir el juego circular de las partes.

Pero no todo concluye allí...Quedan mas trucos en la manga del songwriter canadiense. La voz de Dan se superpone a sí misma para que todos cantemos el último motivo del tema: "submarines don't mind spending their time in the ocean...". Con todos los elementos en la batidora, el manual de la buena canción pop aconseja mezclar todas las marvillas para un final a toda orquesta. ¡Y eso es lo que sucede aquí! ¡A cantar y aplaudir!

Discos: The pleasure principle (1979)

Pop sintético

Alrededor de 1979-1980 el synht pop dominaba gran parte de la escena pop en base a teclados fantasmales, voces gélidas, ritmos maquinales y climas mayormente europeizantes. Una escena dominada por Japan, Ultravox, Human League y por supuesto, el inglés Gary Numan.

The pleasure principle fue el segundo disco de Gary (el primero si descontamos que "Replicas" fue firmado como Tubeway Army) y el que lo catapultó al éxito gracias al single "Cars". Lo que escuchamos aquí no es otra cosa que un artista bastándose a sí mismo con un puñado de elementos muy básicos como estructura general. Sobre una base de batería orgánica, tocada, se montan las bases y melodías de teclados. ¡Sin una sola guitarra! Hay manejo de climas, también (la herencia fantasmática de Eno sobrevuela momentos del álbum) y la voz de Numan entrega un registro entre irónico, freak y robótico.

Y eso es todo. El resto son temas, adictivos temas que podemos poner una y otra vez sin cansarnos.

El playlist

El instrumental Airlane sienta las bases del álbum: acá está todo lo que escucharemos después. Sobre unas bases ondulantes, la melodía se va presentando en distintas tonalidades y enfoques. Da la impresión de haber surgido de una zapada (sintética!). Una base de herencia glam rock le da comienzo a uno de los momentos altos del álbum: Metal. Gran tema! Un clima ominoso sobrevuela la canción por arriba como marco para una especie de conversación entre seres inanimados.

La cita a Eno es directa en la introducción de Complex, un bello mid tempo de caracter meditativo, que nuevamente trae la imagen de una intimidad entre dos que peligra por el ataque de esos "otros". El disco vuelve a levantar su pulso con Films y su poderosa base de batería. Quizás lo adictivo y novedoso y siempre fresco de esta música provenga de esa mezcla tan bien armada entre el sonido orgánico y las frías capas de teclados que sobrevuelan por arriba, a la manera de Heroes (1977).

La segunda parte del álbum comienza con Tracks, una trémola pieza con piano y la voz de Numan que enseguida se abre como un tema de tintes progresivos. Acá probablemente estemos escuchando a los Ultravox de Viena (1980) en su entusiamsmo y su concepto cinético de la música. Gran sucesión de dinámicas, en otro buen momento del álbum.

Conversation continúa abrevando en imágenes fragmentadas, minimalistas y bastante crípticas:

There are no faces
This is my complex
You are my picture
I call you "mirrorrs"

Para el final llega el ya mencionado single Cars, donde se aprecia el gancho más pop y "tontón" de Numan, Claro que esa inocencia siempre está puesta en duda por los sutiles maquillajes de siniestralidad que tiñen todo el disco. El cierre, ahora sí, es con Engineers, especie de marcha futurista desde la perspectiva omnipontente de estos "ingenieros totales":

We are your heartbeat
We are your night life
We are your `low-line'
We keep you alive for now
We're engineers

Bonus 

* La reedición en CD de The pleasure principle de 1992 agrega la suculenta cantidad de siete bonus tracks, entre ellos versiones en vivo y outtakes instrumentales.

* Para la grabación de TPP se utilizaron sintetizadores alimentados por pedales de efectos de guitarra.

* El éxito de Numan a principios de los 80´s generó una corriente de fans denominados Numanoids.  

Jazz nights: Polka dots and moonbeams (1992)

I

Hay discos de jazz para fiestas, otros para mostrarle a los amigos, o para momentos de relax.

Polka dots and moonbeams contiene un set, para mi gusto, ideal para degustar en soledad, brandy en mano, luego de que todos se hayan ido de la fiesta y nos quedamos con los vasos vacíos y los ceniceros llenos de colillas. O en cualquier tarde noche contemplativa, sin apuro para llegar a ningún lugar.

II
Este pequeño álbum de poco más de 30 minutos recoge grabaciones del elegante Paul Desmond entre 1963 y 1965. Lo acompañan Connie Kay en drums, Jimmy Hall en guitarra y tres contrabajistas según la sesión: Eugene Wright, Percy Hath y Eugene Cherico.

III
Se trata de una serie de grabaciones relajadas, bien al estilo cansino y "sin despeinarse" de Desmond. Se destaca el delicado interplay que generan Paul y Jimmy Hall, primos, ambos, del buen gusto y la delicadeza.

No hablaremos del setlist en detalle, ya que se trata de un álbum homogéneo y de alto nivel de principio a fin. Sin embargo, a la altura de los últimos dos tracks, I´ve grown accustomed to your face y Bewitched (original de Rodgers/ Hart) es donde el disco mejor logra engranar. En ese momento, sobre el final, dan ganas de volver a poner "play" y servir otro brandy.

Un álbum que respira, además, urbanísimos aires newyorkinos.

Soundtrack de hoy: Out of noise (2009)

Ya hicimos una pequeña review preliminar de este nuevo disco de Ryuichi Sakamoto en Ultravivido. Pero al parecer, se trata de uno de esos discos que tras una primera oída relativamente intrascendente, comienzan a crecer y a llamarnos nuevamente a abrevar de su fuente.

Que este disco sea el soundtrack de hoy tiene que ver con una intención de descontaminamiento del ruido urbano. Ante el caos, la violencia del tráfico y la velocidad indolente, Out of noise (aún en sus falencias y algo remanidas escenas ambient) trae un remanso de belleza y calma que se hace insoslayable.

Fuera del ruido.

Soundtrack de hoy

Everything that happens will happen today (Brian Eno- David Byrne, 2008)

Cine: Inglorious basterds

Algo sobre Inglorious Basterds y el cine de Tarantino en general

* * *
1.- Está más que claro que el cine de Tarantino fue y es de Forma sobre Sustancia. A nadie medianamente sensato le pueden interesar demasiado sus historias, ni las justificaciones morales y/o psicológicas de sus personajes. Tampoco sus "lecturas" del contexto o su crítica social.

Siempre pareció quedar claro que lo suyo es la versión pos-pos moderna de L´art pour l´art (en este caso, el cine por el cine mismo). Sucede que esta vez se metió con un tema un tanto más espinoso, de esos de "dominio público" y "patrimonio de la humanidad". Daría la impresión que cruzó una raya. Para algunos, claro.

2.- La experiencia de Hacer y Ver Cine

Para nuestra generación no hubo nada semejante a esperar un estreno de Q.T. Durante todos estos años hemos ido a las salas de cine con la excitación de un show de rock (o más aún). La construcción de esa sensación, de esa excitación vital por VER cine, es mérito pura y exclusivamente de Tarantino y lo que su cine provoca. Por eso, no puedo entender a los críticos "tibios" de sus películas. A los frígidos que ven su cine con una máquina de disección analítica.

El cine de T. -con sus altibajos, sus ups y sus fallidos incluidos- redondea una de las experiencias mas excitantes de esta primera parte del siglo.

3.- Nada nuevo: Tarantino es un director que no puede dejar de hablar ni de citar el cine que lo desvela. Ahora es el turno (como lo fue en su momento con el Blaxploitation, el film noir, el cine de artes marciales) de las películas bélicas de la Segunda Guerra Mundial. A veces, es cierto, satura un poco con ese submensaje tan suyo de mostrar "todo lo que se de cine"/ "todo lo que soy capaz de hacer en una película". Pero como sucedió con aquellos géneros, es altamente probable que T. genere una oleada de "secuelas", corrimientos y actualizaciones en las películas bélicas, una vez colocado su mojón.

4.-Fuck real life!
Luego de ver Inglorious...terminé pensando que en definitiva, en el cine de Tarantino jamás aparece algo parecido a "la vida real". No hay personas "comunes". No hay un relato "realista" que lo sustente de forma sostenida. Y si en algún momento lo hay (como en varios pasajes de esta Inglorious...) el propio Tarantino se encarga- apenas 20 segundos después- de volver a romper la identificación con ese "real". ¡No queremos lo real! parece decirnos. ¡Queremos CINE!

5- No es cierto que Inglorious basterds sea "más de lo mismo" en el cine de T. Parecen haber nuevos registros, nuevas búsquedas, como en la larga y magistral obertura de la película, en la que el caza judíos interpretado por Cristoph Waltz (EL actor de la película, claro) visita una granja donde hay judíos refugiados. En ese registro dramático, inmensamente rico en suspense y en tensión, hay un nuevo Q. T. Lo mismo con la desbordada escena de desenlace del film, a todo trapo mientras el fuego devora a los nazis en el cine parisino. Los larguísimos diálogos marca registrada de la casa, ahora parecen tener una función netamente dramática.

6- Los amantes del soul y el funk de Jackie Brown y Pulp Fiction deberemos esperar a que Q. se digne a volver a sus fuentes 70´s. En Inglorious.. todo está dominado por los climas de Morricone. En ese sentido, es la menos "rockera" (uf, que feo suena dicho así, pero no se me ocurre nada mejor) de todas sus películas.

7- Y para el final ¿Cuántas veces más nos vamos a ir del cine con la sensación de que todo es un gran capricho de Quentin? ¿Cuántas veces más vamos a irnos con la certeza de que TODO es una gran excusa para meter esa música, para filmar esas escenas que siempre lo desvelaron? De una forma u otra, sigue saliéndose con la suya, desde adentro mismo del corazón de Hollywood.

Discos: Cabin in the sky (2004)

Algo general

Hay buenos y malos grupos. Grupos regulares, discretos o apenas aceptables. Los hay muy buenos, incluso. Pero hay otros (por definición, apenas unos pocos) que no se parecen a nada de cuanto se haya hecho o grabado dentro del rock. A esa categoría selecta de bandas pertenecen los Tuxedomoon.

Formados en 1977 en San Francisco por los estudiantes de música electrónica Blaine Reininger y Steve Brown, Tuxedomoon presenta, en realidad, la fisonomía de un sofisticado combo arty de formaciones cambiantes y músicos que aparecen y desaparecen. La otra pata de su propuesta se apoya en la colaboración de artistas visuales que desde el comienzo se sumaron al proyecto para enriquecerlo.

Algo particular

A pesar de haber aclarado que los Tuxedomoon son un grupo inclasificable, intentemos al menos describirlos: climas mayormente nocturnos, con orquestación de cámara (violines, cellos, cuerdas en general); mucha flotación y aires jazzeros, aunque no son jazz. Gran vocación por el cuelgue de contexto academicista, pero totalmente bastardo. Climas pesadillescos, voces maquinales y perturbadoras. Colores azulvioláceos. Música para telones y teatros. Aires netamente europeos.

¿Alcanza? Seguramente que no.

Un poco de historia (no mucho)

En 1978 abrieron shows para DEVO y en 1979 ficharon para el sello de The Residents, Ralph Records. En 1981 (y con dos discos ya editados) se movieron a Rotterdam y de allí a Bruselas, tratando de colocar su sonido de influencias electrónicas en la escena europea. En 1985- y tras la partida de Reininger- lograron su mayor "éxito" con el disco "Holy wars". Tras varios cambios de miembros, la banda permaneció inactiva durante gran parte de los 90´s, aunque técnicamente, nunca se separaron.

Hasta que en 2004 -y sin que muchos lo pronosticaran- volvieron al ruedo con esta maravilla sonora llamada Cabin in the sky.

  
Un portentoso monumento sonoro

Cabin the sky es un disco sorprendente, que encuentra a este mítico grupo de más de 30 años de trayectoria en un inesperado estado de esplendor creativo. Portentosos. Llamativamente caudalosos en ideas, en energía, en avasallamiento de nuestras facultades para la sorpresa y el asombro.

Dos temas marcan el primer segmento del disco. A home away exhibe la clásica construcción Tuxedomoon sobre un bajo y una música que flota encima, en oleadas. En la segunda estrofa aparece una trompeta venenosa, en segundo plano. Baron brown nos transporta con sus aires de decadencia europea elegante, mediante una música única, pariente de la escuela de los Bad Seeds, aunque más imaginativa e imprevisible. Y no tan explícitamente maldita (los Tuxedomoon tienen el encanto de la sutilidad).
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Como tercer tema llega el mejor momento del álbum, el instrumental Annuncialto. Nuevamente esos bajos ondulantes, un piano, un wah wah serpenteante, trompetas, calamidades varias. Una invitación a paseos nocturnos sin rumbo, o a la simple contemplación de la noche a través de una ventana. A esta altura ya sabemos que esta música nos está llevando a un lugar en el que nunca estuvimos.

La dupla itálica: Diairio di un egoista trae sonidos industriales para ambientar las meditaciones (en italiano) de un dandy diletanate. Un nuevo punto de partida para un álbum que a cada paso parece reinventarse, pero que en realdiad sólo abre caminos laterales, sutiles desviaciones del tronco central. La piu bella comienza con un señor italiano cantando una canzonetta en plena calle, a lo que se suma luego la tenebrosa belleza de banda de salón de Tuxedomoon.

Un piano y unas guitarras de aires rycooderianos inician Cagli five-O, otro de los instrumentales de "Cabin in the sky". Nuevas ramas del mismo árbol, el placer que sentimos es el de perdernos en una noche tan profunda y misteriosa. A los 3 minutos entra un motivo de trompetas que eleva el tema hacia otro nivel. Aquí hay sofisticación, alma y belleza libre de formulaciones.

La segunda mitad

Con el clima circense de Here 'til x-mas entramos en la segunda parte de este fantástico álbum. Le sigue el up tempo Chinese mike, una extraña pieza entre lo industrial, el free jazz y la cacofonía total. Como track 9 tenemos el "reprise" de La piu bella, con sus cuerdas y su bella melodía.

En el último tramo del disco, The Island roza el ambient y Misty blue clarifica el momento borroso con una invitación que cabalga en la propia música:

"come away with me/ into the misty blue/ we will find paradise/ a paradise for two/ where the waves kiss the shore/ and the dolphins play/ we can hide from the crowd/ down where the palm trees sway".

Se trata de uno de los momentos mas luminosos y juguetones del álbum, un clima extendido que agrega otra tonalidad cuando el disco ya comienza a despedirse. Para el final, unas guitarras saturadas de fuzz dan el pie a Luther blisset, con su ritmo cabalgado y sus coros pendencieros. Trompetas hollywoodenses y un clima general de soundtrack de una película que nunca vimos. Un nuevo y último momento fascinante de un álbum siempre abierto a la sorpresa.

El cierre es con una versión "redux" (yo diría casi "dub") de Annuncialto, como si los Tuxedomoon supieran que encontraron una gran música allí y se dieran permiso para reelaborarla.

Discos: Come On! Feel the Illinoise! (2005)

Detroit "Folk" City

by CC Urban

Tal vez si nos remitimos a la industrial y popular ciudad estadounidense de Detroit pensemos rápidamente en una sola cosa: AUTOS. En este caso optemos por las Motorhome, ya que si tengo que dejarme llevar por este gran disco, "el viajar es un placer..." (con lo que estoy muy de acuerdo).

Nacido en Detroit en el año 1975, este joven y Gran Compositor nos lleva de viaje (luego del anterior periplo por su Estado natal, Michigan) a su próxima estación: Illinois.  

Si bien Sufjan Stevens puede considerarse dentro de la gran urbe del Folk (en pleno auge en estos tiempos que corren) va más allá de ésto. Entre climas orquestales, banjos, riffs de guitarras, coros, órganos rescatados de alguna "presbiterians church" a la que tanto acuden los americanos, Sufjan refleja, sobre todo, Momentos. 

Un trabajo riquísimo musicalmente, sobre todo en composición. No hay que olvidarse que estamos hablando, además, de un Cantante que acompaña ritmos de diversos estilos, confundiéndose a veces con los innumerables arreglos de variados instrumentos (violines, trompetas, pianos, etc) tradicionales y otros que no tanto. 

Es muy dificil nombrar highlights de esta obra que contiene 22 temas, pero cabe destacar su obertura, "Concerning the UFO..." cuyo levante de telón deslumbra y nos invita a escuchar lo que no vamos a poder dejar de escuchar: su obra. 

La grandiosa "Come on Feel the Illinoise", con sus coros épicos y alegóricos; la introvertida "John Wayne Gacy Jr." con sus punteos de una acústica discreta y un piano que sostiene con sus notas el vaivén de la melodía; "Jacksonville" donde Stevens acerca esta ciudad del estado de Florida al reino unido, con sus arreglos de vientos y trompetas del Sargento Pepper y "Casimir Pulaski Day" cuya espiritualidad sí esta al palo. Todo ésto, entre otras. 

No son muchas las ocasiones en que se refleja un trabajo tan conceptual como éste. La creatividad en su máximo esplendor, con un protagonista que se despacha con 22 tracks y no se conforma con cualquier cosa. Va por más.

...y ya estamos cerca de las canciones de Navidad.  

Discos: What will we be (2009)

I 

Me entusiasmé con Rejoicing in the hands (´04). Caí rendido (en circunstancias especiales de una vida lenta y placentera bajo los pinos) ante Cripple crow (´05) y me decepcioné bastante con Smokey rolls down thunder canyon (´07). ¿Por qué tantos altibajos con un mismo artista?

Una respuesta posible: Devendra Banhart es un artista para consumir lento, reduciendo la velocidad alrededor para poder entrar en su frecuencia. Pero esos vaivenes también nos disparan algunas preguntas sobre el artista que tenemos entre manos. ¿Se trata apenas de un songwriter mimético de la experiencia hippie? ¿Su encanto pasa esencialmente por su "imagen de artista" y su "multiculturalismo"? Difícil ser tan tajantes, porque de a ratos el muchacho parece transpirar cierto talento (Cripple Crow está bastante lleno de ellos).

II

La decepción de "Smokey rolls..." vino por el lado, sí, de una repetición mimética de los procedimientos que le dieron éxito en "Cripple crow", pero sin las buenas canciones. Esos procedimientos tenían que ver con un sistema casi ambiental de grabación, y una sensación de cercanía de fogón con el material. Lo que se dice, un clima general de "work in progess"con forma (a veces) de canciones. Ambos discos sonaban como documentos de una experiencia concreta (sensitiva y de producción) de hacer y grabar música. 

III
Con su nuevo disco, "What will we be" (el primero para su nuevo sello Reprise) Devendra parece dar un giro de timón. Al menos en el primer cuarto de álbum la música suena directa, enfocada. Y la producción, llamativamente limpia y cristalina, a comparación del ambiente saturado de opio de sus dos álbumes anteriores. Hay una operación de luminosidad en la instrumentación también, que suena menos dispersa y más enfocada en el corazón de los temas. La voz de Banhart abandona su registro más barroco y se queda con las líneas esenciales.

Las canciones 

Can´t help smiling sienta las bases de esa cristalinidad y Angelika es instantáneamente encantadora (en su primera parte) para transformarse en un salmo algo zaparrastroso en la segunda. Baby (el primer corte) es uno de esos "hippie funks" que un poco, sí, inventó el propio Devendra, con hermosas melodías y coros. Goin´ back (jazzy con slides y susurros) cierra esa primera mitad luminosa y limpia del álbum.

A partir de allí el disco entra en un bache con la dupla First song for B / Last song for B. y se acentúa con el bodrio jazz low fi de Chin Chin Muck Muck. A mitad del álbum aparece el homenaje glam de 16th Valencia Roxy Music, aunque la broma no llega a abrir una perspectiva en el horizonte musical de Devendra. Parece más bien un divertimiento aislado, una cita jocosa.

En la segunda mitad la cosa se pone un poco más rockera con Rats (¡hasta parece un tema de Carca!) mientras que Maria Lionza es un extraño ejercicio Zen que a los 3 minutos y medio se convierte en la "Revolution 9" del disco. En Brindo, Devendra vuelve a cantar en castellano, en uno de los pocos momentos del disco en ese idioma. Se trata de una pequeña perla con coros fantasmales y bonitas melodías. El clímax se extiende a Meet me at lookout point y especialmente a Walilamdzi, de una belleza rara y como en la sombra, delineando el segundo momento de calma quieta del álbum.

Entonces entendemos que sí, que Devendra tiene sus momentos de talento y de belleza. Y que esos momentos los encuentra cuando más íntimo es el background que lo rodea: apenas con lo mínimo, su arte sale a flote, se brinda. Por el contrario, en sus jugueteos de "multiculturalismo de Palermo", Banhart parece pifiarla, desdibujándose en un clima general de parodia sin sustancia. Por eso, supongo, cada tanto habría que volver al seminal "Rejoicing in the hands" y escuchar en qué consistía el arte de DB, antes de sus (simpáticos sólo por momentos) delirios de cubrir la totalidad de Sudamérica en su songbook.

El cierre -inesperado- es con el reggae/ska Foolin´, que nos viene a confirmar cuán cerca está a veces Devendra de caer en el precipicio.

Imagen pública

Tal vez, la Gran Gran Banda de la que nunca hablamos. Coming soon in UVV...

Una canción: "Paintbox" (Pink Floyd, 1967)

Y ahí solita, en medio de la monumental obra de Pink Floyd, flota una pequeña gema de pop psicodélico de salón. Una canción de cámara para el té alucinógeno de las "five o´clock".

Paintbox - de ella hablamos- fue escrita por el tecladista de PF, Rick Wright, en 1967. La canción lleva la marca inconfundible de su estilo: ensoñado, meditativo, de melodías dulces cantadas siempre a media voz.

* * *
Musicalmente, Paintobx es un pequeño pero completo universo que atraviesa diversos estados de ánimo, expresados, a su vez, con distintos recursos musicales. Por momentos es una canción de aires folk, por otros, música de vodeville pasado de LSD.

El comienzo arpegiado y percusivo del tema (una mezcla de cuerdas de piano, fills de batería y bajo) conforma una unidad en sí misma. Repetido insistentemente a lo largo de todo el tema a la manera de un recurrente resto diurno, este comienzo tiene tanta presencia que por sí solo alcanzaría para que recordemos la canción.

Acto seguido llega la primera estrofa. El narrador cuenta sus sensaciones de culpa y arrepentimiento ante una noche malgastada, bebiendo en un club con unos tontos ("tratando de impresionar, sintiéndome bastante vacío", confiesa). Hacen su entrada, a su vez, esos coros fantasmales que repiten como embobados la última palabra de la frase (en este caso "drink").

Luego de volver al motivo del comienzo, la segunda estrofa presenta una resolución ingeniosa, loca. En una frase vertiginosa (en la que el narrador entiende que todo se trata de una especie de deja vu) las palabras se agolpan, la música sube de intensidad y llega a una melodía nueva, que a su vez, resuelve la totalidad de la escena: "I open the door/ to an empty room/ then I forget".

La tercera y cuarta estrofa no hacen sino acentuar esa a-sociabilidad del narrador. Una chica lo invita a un show al que él aparentemente no quiere ir. El tráfico se mueve muy lento (muy probablemente se trate de una visión alucinada) y el personaje presiente el rostro enojado de la chica que lo espera. Vuelve la sensación de "escena ya vivida" del comienzo y esa "puerta a una habitacíon vacía" que parece el único alivio posible para limpiar culpa y remordimiento. Un lugar para olvidar.

* * *
Datos

* Paintbox no está incluida en ningún álbum oficial de Pink Floyd, aunque puede encontrarse en la recopilación de singles y rarezas Relics.

* La canción fue grabada en octubre de 1967 y editada como lado B del single "Apples and oranges" el 18 de noviembre de ese mismo año. En los próximos días cumple 42 años.

* En 1968 la banda lanzó un video promocional del tema (que por supuesto está en YouTube) para la tv belga. En el film se puede ver a los cuatro Floyd (con David Gilmour reemplazando a Syd Barrett) haciendo muecas sobre la melodía de la canción, en un puente de Bruselas.

Jazz nights: A love supreme (1965)

Uno
Hoy es el turno de un clásico que ya desde su aparición trascendió las fronteras del jazz para instalarse un paso (o varios) más allá.

A love supreme fue grabado el 9 de diciembre de 1964 por el famoso cuarteto de John Coltrane integrado por Elvin Jones en drums, Jimmy Garrison en bass, Mc Coy Tyner en piano y el propio John, en tenor.

Esta pequeña sonata divida en cuatro partes (pensada como un "agradecimiento a Dios", según el propio saxofonista) logró desbordar las frontera del jazz, decíamos, para convertirse en un tratado musical sobre el amor, la paz y la trascendencia del arte. Su mensaje, además, entró en sintonía con los ideales del movimiento Black Power de los 60´s.

Como tercera implicancia, debemos decir que A love supreme fue, es y seguirá siendo uno de esos discos de jazz amado por los rockeros. Y por ende, un puente de unión entre ambos mundos. Sin él, la música del mejor Santana, o de Hendrix, por ejemplo, no hubieran existido. Al menos de la forma en que lo hicieron.

Dos/ playlist

Parte 1

El comienzo es con Acknowledgement. Tras una brevísima intro de clima espiritual con John serpentenando la melodía, comienza lentamente a meterse la base de Jimmy Garrison sobre la que va a construirse todo el tema. Luego la cosa toma impulso de la mano del solo de Trane. El "Huracán del Jazz" (Buenos Aires Blues dixit) no tarda en prenderse fuego, y nos imaginamos que ese día, en la sala, la cosa ya venía caldeada de antes. Para mí que fue prender "REC" y que la cosa siguiera, simplemente.

Ya en este primer tema aparece a pleno el ya clásico interplay del cuarteto: una combustión que cabalgaba en las baterías pirotécnicas de Jones (¿el Keith Moon del jazz?) y las bases sólidas de Garrison, para que el resto del grupo vagara libre por la cresta de la ola.

A los 4 minutos, Coltrane se enciende del todo y eleva el tema a una nueva dimensión. Pero momentos después el cuarteto baja los decibeles y el tenor anticipa la melodía que oíremos minutos después a cargo de ese misterioso coro que repite, como un mantra, las palabras que dan título al álbum. Luego todo es descenso hasta el final, que se disuelve en el aire.

Parte 2

El bajo de Garrison le da pie al estallido de Resolution. Luego del solo introductorio de Trane es el turno de McCoy Tyner, en un solo sostenido y afilado. Vuelta a Coltrane (salvaje y lírico a la vez, inspiradamente contenido) con la banda a full detrás, en plenas facultades hardboperas. A los 5 minutos y medio aparece el Coltrane de alaridos y punteos en las nubes. Ese que en otros discos satura, acá lo encontramos notablemente enfocado, volviendo rápidamente sobre sí, mostrando y ocultando a la vez. En ese balance radica, para mí, gran parte del encanto de A love supreme.

Parte 3

La batería de Elvin Jones arranca con un solo, para darle pie a Pursuance, donde Trane retoma brevemente partes de la melodía del primer movimiento. Enseguida entra un swingero McCoy Tyner, en plan Oscar Peterson pasado de hard bop. Siempre pienso que éstos debían ser los únicos momentos de la música de Coltrane que le debía gustar a los jazzeros más ortodoxos: cuando sus grupos se dedicaban a "tocar jazz", sin tanto Africa, ni Oriente, ni que ocho cuartos.

El tema se pone espeso de verdad luego del solo de Tyner, con un Trane de boquilla caliente. A los cinco minutos el tema está que arde, pero todo estalla apenas unos compases después, con el segundo solo de batería de Jones.

Parte 4

Y ahora sí, el bajo de Jimmy Garrison queda flotando en la nada, solito ahí, para dar pie a la última parte del disco, Psalm. Se trata de un spiritual similar al que Coltrane intentó en el sublime "Alabama" (incluido en Live at Birdland, 1962). Una especie de calma meditativa domina el tema, luego del huracán y la furia de los movimientos anteriores. La percusión de Elvin Jones da el clima a los últimos espasmos creativos de Coltrane, antes del final.

Coda

* En el mismo inspirado 1964, John Coltrane grábó otro gran disco, Crescent. ¡Chequéenlo! Y un día despúes de aquel 9 de diciembre se grabó una versión alternativa de Acknowledgement, con Archie Sheep en saxo.

* El insert de A love supreme contenía unas largas notas, una especie de plegaria, escrita de puño y letra por el propio saxofonista. En ellas, John habla de la Gracia de Dios, del amor y de la vocación de hacer música para hacer felices a otros. Termina con las palabras ELATION, ELEGANCE, EXALTATION.

* My own Love supreme. Sábado a la noche en un hotel de Zurich. 1999. En la habitación hi tech del hotel, una tv con radio incorporada. De esa radio salía algo que era jazz. Todo combinaba perfectamente: la noche helada de sábado, la presencia silenciosa de los alpes, esa música. Pero en medio del tema que estaba sonando aparecieron unas extrañas voces, cavernosas, repetitivas, entonando una especie de salmo. A love supreme...A Love supreme... A love supreme...

Así, aquella noche en Suiza conocí este maravilloso disco de J.C.

Cine: Jules et Jim (Francois Truffaut, 1962)

Y una tarde lluviosa vimos Jules et Jim, de Truffaut.

Una película que nos recuerda que alguna vez el cine fue un verdadero instrumento de libertad para tomar el mundo y volver a narrarlo de una forma nueva.

Sí, hubo un tiempo que fue hermoso y fue libre de verdad.

* * *
Francois Truffaut fue un cineasta francés nacido en 1932. Formó parte (junto a otros directores como Claude Chabrol, Jean- Luc Godard y Alan Resnais) de la nouvelle vague francesa.

Discos: Neo Geo (1987)

1.

Los discos de Ryuichi Sakamoto (en especial sus obras maestras de comienzos de los 90´s como Beauty o Heartbeat) ya forman parte de esa especie de cánon prefigurativo de mucha de la música que vendría después.

Si bien algunos de los sonidos que escuchamos en sus discos nos pueden sonar algo perimidos hoy (gajes del oficio del lenguaje electrónico) es probable que algunas ideas de estos discos todavía puedan abrir mundos posibles de música. Será cuestión de revisarlos y repensar.

Y si no es eso, en el fondo se trata (en muchos momentos de estos discos) de gran música, de esa que perdura por el simple hecho de que es buena. ¿Es posible hablar de buena, mala y gran música? Claro, si hablamos de Sakamoto, es posible.

Massive Attack, St. Germain, Tricky, Bjork, Richard James, The Orb, Jamiroquai, Sakamoto: nombres más, nombres menos, el team de los que prefiguran y delinean la música de los 90´s y posteriores.

2. La música del mundo

Sakamoto tuvo la pretensión de componer y grabar la música total, la verdadera "world music". En ese audio entra todo (sobre todo, las ciudades y su tráfico humano y tecnológico: el auténtico sonido urbano de caos y armonía, de sistema de tránsito y de belleza, todo junto).

Uno se imagina viajando y llevando esta música y que funcione en cualquier sitio.

Están las exóticas (para nosotros, claro, imaginen un 1987 pre I-SAT) "melodías orientales"; está el embrión del hip hop, los samplers, "la música con computadoras" (guau!), pero sobre todo está ese elegante maquillaje netamente Euro que lo perfuma todo, en la música de Ryuichi.

Están las calles de París, de Tokyo y de New York, todas, en una misma música.

3.
A la altura de Neo Geo, Sakamoto no era ningún novato. Venía de formar parte de la Yellow Magic Orchestra y ya habia sacado no menos de ocho discos en solitario, incluidos los de su otra veta compositiva, los soundtracks. Pero fue a partir de éste álbum que su nombre empezó a sonar fuerte a nivel mundial.

Recuerdo ver decenas de veces el video de "Risky" en el único canal de videos que se podía ver acá en Argentina, el viejo Music 21. Era una música muy global, muy sexy y nueva. Y sobre todo nos preguntábamos ¿qué hace Iggy Pop cantando ahí?

4.
Si miramos su duración, Neo Geo es algo así como un EP. Apenas ocho temas, en 34 minutos. Para mi gusto rankea un poco por debajo de esos otros grandes discos de Ryuichi, pero se trata de un buen álbum de todos modos. ¡Sobre todo porque es el que escuchando sin parar hoy!

Playlist/ tracks

Después de una corta y elegante intro al piano con Before long, entran los ritmos ondulantes (chequear esos heterodoxos bajones y subidas del volumen) de Neo Geo. Por su parte, Risky es una pieza de art pop inigualable en elegancia, cadencia y audio. Prefigura, además, la cruza de artistas de distintos géneros y escuelas tan 90´s y el coqueteo soul/ cool que es el trasfondo del primer Massive Attack.

Free trading es el sonido del mundo moderno. Es uno de los mejores momentos del álbum, en una pieza derivativa, que respira la libertad creativa y el placer de hacer música. El corazón creativo de Sakamoto está acá: una música que es un paisaje, un fragmento de mundo total.

Shogunade es tal vez uno de los temas donde más se nota cierta obsolencia de materiales. Una especie de funk hi tech que hoy podríamos desechar como anticuado. Tal vez el momento más flojo del álbum. Parata retoma los tonos medios. Esto es música de bares hi tech, claro. O de exposiciones de arte. Hay, otra vez, una intención de elaborar música por el placer de hacerlo (si fuera posible decirlo así, sin "discursos", aunque ya lo sabemos, ésa es su política).

Okinawa song- Chin Nuku Juushii es uno de esos clásicos ejercicios (hoy, cínicamente, podemos verlo como algo un tanto naif) de Ryuichi en los que se mezclan melodías orientales (más precisamente de Okinawa) con una estructura rítimica más cercana a nuestros oídos "occidentales". Hay mejores exponentes de estas mezclas en Beauty (1990) sin ir más lejos.

Y apenas queda tiempo para el cierre, con la elegancia europea de After all. Y ya. A volver a darle play y recomenzar.

Bonus

* Para Neo Geo, Ryuichi reunió un dream team impresionante que incluyó a Bootsy Collins en bajo, Tony Williams (aquel célebre batero del segundo quinteto de Miles Davis en los 60´s), Clive Smith, Sly Dunbar (chequear discos de Peter Gabriel), Iggy Pop y el errático Bill Laswell, entre otros.

Songs from Lonely Avenue

The new album by The Brian Setzer Orchestra!

Discos: Flowers in the dirt (1989)

I

La carrera solista de Paul McCartney venía perdiendo fuerza, de la mano de varios discos más bien anodinos. El último eslabón de esa caída libre fue el mediocre Press to play, de 1986: un disco que no funcionó ni para el público ni para la crítica.

Ante ese panorama, Sir Paul decidió reagrupar fuerzas, tomar aire y volver a barajar.

El resultado de un año y cinco meses en estudios fue Flowers in the dirt, un maravilloso caleidoscopio pop que no sólo reinauguró su carrera, sino que le devolvió al propio Paul las ganas de hacer música por el simple placer de hacerla. Esos aires renovados llegarían con su influencia benéfica hasta otros dos muy buenos discos: Off the ground (93) y Flaming pie (97).

II
Para el operativo regreso, Macca se alió a un hijo pródigo suyo, Elvis Costello. Y formó una banda pensada para girar en vivo (hay que recordar que Paul no salía a la ruta desde 1975, con los Wings). En el team reclutó a jóvenes talentosos, como el baterista Chris Witten y a "viejitos con experiencia" como Robbie McIntosh (ex Pretenders) y Hamish Stuart, de los Average White Band.

Otra ronda de nombres fue la de productores: desde George Martin hasta Trevorn Horn gravitaron en el making del disco. Lo de Costello (que en una canción canta a dúo con Paul) fue ni más ni menos que una unión de compinches, de parnters: justo lo que Macca necesitaba para volver a dárse ánimos. Entre ambos compusieron varios temas, cosa de volver al mecanismo de trabajo de la dupla más famosa de todos los tiempos.

III
Y la música de Flowers in the dirt es un poco el reflejo de esa tapa floral, perfumada. Porque si los discos tuvieran aromas y fragancias, bueno, entonces "Flowers..." bien podría ser un disco que huele a florecillas y a aromas vitales y diversos. Un disco de renacimiento, con todas las letras.

Hay ejercicios de canción y temas pop cuasi perfectos, pero también hay ámbitos donde se percibe esa diversión que mencionábamos más arriba por el simple hecho de estar haciendo música. El resultado es una cualidad liviana, entre inspirada y despreocupada, en un álbum que sin darnos cuenta, ya cumplió 20 años.

IV /Playlist
El disco abre con la beatlesca My brave face, su primer single. Armonías, coros, felicidad pop. Pero enseguida Flowers... abandona el formato canción para comenzar a transitar terrenos más libres, de exploración musical. Ejercicios de pura música. Es el caso de Rough ride, con sus juegos de voces, sus cámaras, partes y arreglos.

Como track 3 llega la costelliana You want her too, a dúo con Elvis. Discípulo y maestro se divierten aquí en un blues multiforme, con muchas secciones y melodías. Distractions, por su parte, es un tema que Macca debe haber compuesto a la hora de la siesta. Respira una delicada languidez ("distractions/ like butterflies that buzz around my head") emparentándose con otros temas de ocio contemplativo de Paul como "Bluebird", de los Wings ´74 o "Heaven on sunday" (´97).

We got married es uno de los highlights del disco. Acá hay un planeta entero de música en una sola canción; desde el comienzo folkie y rasgado, pasando por su ritmo marcial del medio y sus melodías/ riffs de teclados. David Gilmour toca guitarra en este track. Put it there cierra la primera mitad del disco con una de esas pequeñas gemas que Mac entrega cada tanto. Un tesoro cantable de apenas dos minutos.

El disco tiene su recomienzo con otro de sus puntos altos: Figure of Eight. ¡Qué placer escuchar como canta Paul acá! ¡Y ni hablar de su performance al comando de ese viejo bajo Heffner! Sin respiro llega otra maravilla pop, This one. La estructura y la melodía del tema son tan pavotas, tan inocentes, que vuelve al primer plano la alegría por hacer música, por básica que sea.

A partir de allí el disco decae un poco. La seguidilla Don´t be careless love/ That day is done/ How many people -lo sospechamos- se hubiera podido simplificar un poco. El final del disco es con Motor of Love (esas impresionantes melodías 100% McCarney del comienzo pagan todo el resto) y el ejercicio tontón y lleno de luz (¿fuerza?) natural que es Ou Est Le Soleil?

* La reedición de 1993 agrega tres bonus inéditos: "Back On My Feet", "Flying To My Home" y "Loveliest Thing".

Comment final

1989: Flowers in the dirt comparte algo más que una fecha de edición con otros dos grandes discos de aquel año. Tanto The seeds of love (Tears for Fears) como Street fighting years (Simple Minds) muestran la misma cualidad metainspirada y floral, luminosa, ramificada y de pequeñas/ grandes ideas nucleares que se multiplican.

Como si luego de una década -los 80´s- de desarrollos más bien monotemáticos (y monocromáticos) llegara el momento de la explosión caleidoscopica de colores (desde luego, también está Manchester, Stone Roses, Happy mondays y demás) tan cercana como modelo al Sgt. Pepper beatle (ahí está la cita directa en la tapa de Tears for Fears).

¿Simple cambio de década o el signo de una época, de un momento preciso en la historia?

Cabaret Voltaire: de Suiza a Inglaterra

El 5 de febrero de 1916, el alemán Hugo Ball creó en Zurich el Cabaret Voltaire, lugar donde muchos creen que fue fundado el movimiento dadaísta.

Suiza, de hecho, funcionó como refugio de un grupo de artistas exiliados durante la Primera Guerra Mundial, entre los que se encontraban el propio Ball, el rumano Marcel Jank, los alemanes Hans Ritcher y Richard Huelsenbeck y Jean Arp, escultor, poeta y pintor francoalemán. El cabaret era un reducto internacionalista, de fines artísticos y políticos afín a las nuevas tendencias artísticas. Ocupaba la parte alta de un teatro de Zurich.

El Dadaísmo (iniciado por Tristan Tzara) fue un movimiento de inspiración anti- artística. Su programa postulaba una ruptura radical con las convenciones que dominaban el arte hasta entonces, tanto en literatura como en la música y las artes gráficas. El caldo de cultivo de dicha rebelión lo aportaron la sensación de caos y caída del Viejo Mundo- con sus valores y arquetipos- típicos del período de entreguerras europeo.

En su debut, el Cabaret Voltaire montó un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte.

* * *
La ciudad de Sheffield, en Inglaterra, vio nacer al primer club de fútbol de la historia: el Sheffield FC. Además de ser una ciudad con muchas universidades (y por ende, de estudiantes) y un gran parque nacional, dio a luz a grupos como Pulp, Moloko, The Human League y más acá, los Arctic Monkeys.

Allí, en 1973, Stephen Mallinder, Richard Kirk y Chris Watson formaron Cabaret Voltaire. Una hermética banda de procesamiento industrial y larga influencia en posteriores desarrollos de la música electrónica.

Si bien sus primeras actuaciones estuvieron influenciadas por el Dadaísmo (cosa que le valió no pocos enemigos entre el público proletariado de su ciudad natal) pronto el grupo logró encontrar su sonido mixturando elementos electrónicos, el procesamiento de sonidos de inspiración industrial y ritmos bailables. Un engendro bastante particular en la historia del rock.

Su discografía es extensa e interesante, aunque la puerta de entrada ideal para descubrirlos tal vez sea el doble The original sound of Sheffield, volumen 1 (´78-´82) y volumen 2 (´83-´87). Actualmente el grupo se encuentra separado, sin noticias de una eventual reunión.

Discos: Trobadour (1976)

Otro día de sol, otro disco de J.J. Cale.

Hoy es el turno del clásico de 1976, Trobadour. Otro ejercicio del sonido de Tulsa, en doce temas relajados, pachorrientos, presentados con la mínima economía de recursos. El estilo J.J.

La cosa empieza con Hey baby, un reggae polvoriento para la hora de la siesta, y sigue con Travelin´light, tema que Clapton cubrió en su disco de 2001, "Reptile". El tempo se acelera, salimos a la ruta. ¡Qué simpático ese arreglo del baterista (Karl Himmer) dándole a los cencerros! ¡Y ni que hablar de esos vibráfonos que apenas se insinúan al final!

You got something es un mid tempo sin apuros para dejarse llevar, con arreglitos de teclados y marimbas, mientras que Ride me high es un rhythm & blues percusivo y de plena combustión. Como siempre con J.J, los temas son expuestos como meros esqueletos: cuando la cosa empieza a engranar, un fade out se lleva todo. Listo, a otra cosa.

Algo de jazz llega con la breve Hold on, elegante y austera. A mitad del disco aparece el clásico Cocaine, un tema que siempre fue controversial, ya que tras ese ultraclásico riff se esconde, en el fondo, un tema anti-drogas ("If you wanna get down, down on the ground, cocaine"). El propio Clapton siempre se encargó de aclarar el mensaje de la canción. Durante una época, en sus shows, Eric cambiaba la letra de la canción por la frase "that dirty cocaine". Su versión aparece en el disco Slowhand, del ´77.

Pero volviendo a Trobadour, en la segunda mitad el disco no deja de mostrar sorpresitas y momentos agradables. I´m a gipsy man es un up tempo florido y excitante que expresa con simplicidad el amor por la vida en la ruta, y Super blue arranca con un slide mortecino de blues.

Para el final, Let me do it for you es prácticamente un intermezzo instrumental de aires soul, mientras que Cherry es una delicada canción de amor con percusión y arpegios que acompañan. Cierra el disco otro coqueteo de blues jazzeado, a cargo de You got me so bad.

Y listo. Un disco de 36 minutos que entretiene y sienta bien. ¿Para qué mas?

Bonus: algunos músicos que tocaron en "Trobadour"

* Tommy Cogbill, bajista oriundo de Tennessee que grabó con Elvis, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Bob Seger y Neil Diamond, entre otros. Grabó el bajo de "Son of a preacher man" de Dusty Springfield.

* Joe Osborn, otro bajista de Lousiana que grabó con Ricky Nelson, Neil Diamond y Johnny Rivers.

* Kenny Buttrey, batero super influyente de Tennessee que grabó en varios discos de Dylan (Blonde on blonde, Nashville skyline) y Neil Young (Tonight´s the night, Harvest) además de tocar con Donovan, George Harrison y Elvis, entre otros.

* Harold Bradley, guitarrista rítmico que grabó en más de cien discos country. Entre otros, grabó con Elvis, Roy Orbinson y Willie Nelson.