Ultravivido

Discos: Boys and girls (Bryan Ferry, 1985)

2012-01-27T15:46:00.000-03:00

Disco elegante del fin de semana

Todos sabemos lo que podemos encontrar en un disco de Bryan Ferry: elegancia, sofisticación, sonidos Premium y buenos momentos pop. El soundtrack ideal, en definitiva, para inspirar la vida de más de un dandy irredimible.

Por otra parte, la intermitente carrera solista del ex Roxy pareció encontrar cierta regularidad a mediados de los 80 con la edición de dos buenos discos al hilo: "Boys and girls" en 1985 y "Bète noire" en 1987.

Para el primero- en un gesto habitual en él- Bryan se rodeó de amigos y colaboradores de lujo como David Gilmour, Guy Fletcher, Tony Levin, Mark Knopfler, Marcus Miller y David Sanborn, entre otros. Los generosos números de producción también permitieron elegir estudios de primer nivel como los AIR Studios de Londres, RPM en New York y el famoso Compass Point de Bahamas. El resto lo hicieron Rhett Davies y Bob Clearmountain desde la producción y los controles.

Ya desde los primeros compases de "Sensation" queda claro que este "Boys and girls" retoma allí donde dejó "Avalon" y su sonido lustroso para el amor de loft. Un gran comienzo. Esos ritmos sinuosos -a mitad de camino entre el samba y el reggae- que ya venían obsesionando a Ferry son retomados aquí en "Slave to love", el single más exitoso del disco. Al igual que con el último Roxy Music, dan ganas de vestir pantalones blancos y beber Manhattans al borde de una piscina llena de modelos. Una música sencillamente, superlativa.

¿Dijimos "reggae"? A su manera, Bryan coquetea con los ritmos caribeños en la embriagadora "Valentine" y trepa a otro buen momento pop con "Dont´s stop the dance". Guitarras surcando el aire, ambiente Hi Tech europeísta, la voz de crooner maduro. Otra música completa y valiosa.

Los momentos más flacos ("Windswept", "The choosen one", "Stone woman") balancean el set para abajo, apenas. Pero en el flow general, "Boys and girls" aprueba sin despeinarse. Como su dueño.

Bryan Ferry- discografía cercana

The bride stripped bare (1978)- Boys and girls (1985)- Bète noire (1987).

Clásicos: The slider (T. Rex, 1972)

2012-01-24T14:53:00.001-03:00

"Era un tiempo fenomenal para los fabricantes de lápiz de labio y brillantina" cuenta Mark Paytress, autor de las liner notes en la reedición de 1994 de "The slider".

Catártico, excesivo, desbordado. Para cuando Marc Bolan editó "The slider" en 1972, Inglaterra se encontraba en plena T.Rexstacy. El público de rock deliraba con el Glam Rock de plataformas y purpurina (del que Marc era su embajador más freak y cósmico) mientras la prensa y la audiencia más vasta se dividían, pensando que se trataba de otro caso más de "histeria colectiva".

Como sea, los T. Rex venían de colocar varios singles en lo más alto de las listas europeas, con "Electric warrior" como número 1 en Inglaterra. Su rock valvular, físico y de guitarras era, además, toda una afrenta a la pretenciosidad de los monstruos Progresivos que ya amenazaban con dominar el mainstream.

Para 1972 Bolan estaba en la cima de su juego (y de su Ego) y había fundado su propio sello, T. Rex Wax Co, alcanzando jugosos acuerdos comerciales. Hasta Ringo Starr (amigo de Marc y célebre fotografo de tapa de "The slider") los fue a buscar para filmar "Born to boogie", un film que retrataría la euforia del momento. Sin embargo, del otro lado del océano el público americano se mostró más bien escéptico y la gira por aquel país obtuvo reviews desparejas.

Grabado en París (en el célebre Chateau D´Herouville que les recomendó Elton John) y Copenhage, "The slider" fue un auténtico winner. Un disco sin concesiones, de esos que arrollan todo a su paso a fuerza de canciones. Simplemente, porque así era el genio de Marc Bolan: resistente a cualquier fuerza negativa.

Como bien señala Paytress, parte del encanto de T. Rex residía en la enorme distancia que había entre su música física y terrenal y la enigmática y distante figura de Bolan.

Los temas, que decirlo, son de altísimo nivel. "Metal guru" arranca como empezada, ya subida a un caballo desbocado. Luego están esos clásicos "boogie rocks" ("Rock on", "Baby boomerang", "Telegram sam") que a Marc le salían de taquito. Al parecer, simples esqueletos de canciones se transformaban (con la ayuda del productor Tony Visconti) rápidamente en temas completos, orquestados y todo. Para matizar el set aparecen algunas de esas baladas cósmicas, algo densas y arrastradas como "Spaceball ricochet" o "Mystic lady", antes de los latigazos a pura combustión de "Buick Mackane" y "Chariot choogle".

Es cierto, la música de T. Rex nunca se caracterizó por las sutilezas (no al menos en su período eléctrico) y "Rabbit fighter" y "Ballrooms of Mars" suenan teatrales y excesivas. Pero vamos ¿esto es rock o un juego para niños? La "puesta en escena", para Bolan, no admitía medias tintas. Todo tenía que sonar portentoso.

En alguna entrevista, Marc comparó su "Slider" con el "Imagine" de Lennon, en cuanto a la sinceridad de sus letras. "En estas canciones me muestro tal cual como soy" declaró. La reedición en cd de 1994 de EMI agrega los tres "B-Sides" de aquella época: "Cadilllac", "Thunderwing" y "Lady".

T. Rex- discografía cercana

Electric warrior (1971)- The slider (1972)- Tanx (1973).

Videos: Hall & Oates live at The Apollo

2012-01-22T13:26:00.000-03:00

En 1985 los muchachitos del Blue Eyed Soul Daryl Hall y John Oates se dieron el gusto de compartir el escenario del mítico teatro Apollo de New York con sus héroes David Ruffin y Eddie Kendrick, de los Temptations.

Acá los tenemos haciendo el clásico de Motown "My girl", con los pasitos de baile incluidos.

Discos: One more from the road (Lynyrd Skynyrd, 1976)

2012-01-19T11:21:00.001-03:00

Clásico de clásicos entre los discos en vivo, "One more from the road" fue el testamento del primer y clásico line up de los Lynyrd Skynyrd.

Aquel que encontró la tragedia apenas unos meses después, en el accidente aéreo que se cobró la vida de tres de sus integrantes (el cantante Ronnie Van Zant y los hermanos Steve y Cassie Gaines).

Grabado en el Fox Theatre de Atlanta, Georgia y editado en septiembre de 1976, este doble lp es una muestra bien certera de las virtudes de los Lynyrd en directo.

Ya desde el sinuoso "Workin' for MCA" (con especialmente lucimiento de Billy Powell sosteniendo el groove desde sus teclados) comprobamos los matices y sutilidades de los que eran capaces los de Jacksonville. El mid tempo "Searching" le da paso al clásico "Tuesday´s gone", para volver a levantar con otro standard del grupo: "Saturday night special".

Por supuesto que no faltan los clásicos "Sweet home Alabama" y "Free bird" y hasta nos asomamos al arte de versionar con los covers de J.J. Cale ("Call me the breeze") Jimmie Rodgers ("T. for Texas") y la poderosa pasada por "Crossroads", el clásico de Robert Johnson.

En 2011 el sello MCA reeditó "One more from the road" remasterizado y con temas extras.

Lynyrd Skynyrd- discografía cercana
Gimme back my bullets (1976)- One more from the road (live, 1976)- Street survivors (1977).

Discos: Into the sun (Sean Lennon, 1998)

2012-01-17T12:41:00.000-03:00

Cada tanto está bueno que aparezcan discos así. Donde el artista en cuestión parece acercarse a la música con la inocencia de la primera vez. Para cínicos y descreídos, ya tenemos bastante con la vida cotidiana. ¿No es cierto?

"Into the sun", el disco debut de Sean Lennon, tiene mucho de esa inocencia musical, de ese acercamiento lúdico a los instrumentos y los sonidos. Como si cada acorde, cada canción, fuera un universo de juego y aventura.

De hecho, el álbum irradia una especie de "aire de familia". Producido por la novia de Sean, Yuka Honda (quien también ejecuta todo tipo de instrumentos) sus letras giran en torno a los sentimientos más íntimos: la fragilidad del amor, los celos, el crecimiento. Y hasta las ilustraciones (unos simpáticos dibujos en lápiz negro) son obra de Sean.

Hay varios momentos musicalmente muy buenos, con la cruza entre papá Lennon y los Smashing Pumpkins de "Home" y la bossa "Into the sun" a la cabeza. Y más: algo de psicodelia pastoral y a la vez de laboratorio a la altura de "Bathub" y "Mistery juice"; el instrumental low fi "Photosynthesis", el pop redondamente Beatle de "Queue" o la bella flotación de "Two fine lovers".

Canciones luminosas para despejar orejas. Para darse chapuzones y flotar justo ahí. Dentro del sol.

Editó Grand Royal, el sello de los Beastie Boys.

Discos: Caught you (Steel Pulse, 1980)

2012-01-12T14:36:00.006-03:00

UK Reggae Roots

Los Steel Pulse se formaron en la escuela Handsworth Wood Boys, en Birmingham, Inglaterra, en 1975. Luego de editar dos lps en sellos pequeños lograron captar la atención de Island Records, que los fichó para grabar su primer álbum importante, "Handsworth revolution", en 1978.

Dos años más tarde editaron "Caught you" (que en Estados Unidos se rebautizó como "Reggae fever"): uno de los discos clásicos del grupo junto a "True democracy" (1982) "Handsworth revolution" y el premiado "Babylon the bandit" (1986).

Todos buenos discos de Reggae Roots que hicieron de los Steel Pulse una de las bandas más importantes del reggae británico de comienzos de los 80 junto a Aswad y Misty in Roots, entre otras. Versátiles, expresivos, los S.P siempre sacaron, sin embargo, medio cuerpo de ventaja.

"Caught you" muestra una orientación más pop, desmarcándose del Roots clásico de sus primeros discos. Todo el set es de gran nivel, aunque "Rumours (not true)" los clásicos "Drug squad" y "Reggae fever" y en especial el tema final, "Nyahbinghi Voyage" se llevan las palmas.

Discos: Mutations (Beck, 1998)

2012-01-09T14:23:00.000-03:00

Ok: probablemente el por entonces joven Beck Hansen haya sido uno de los grandes hypes de los 90. Pero con "Odelay" (1996) las expectativas estaban fundadas: el disco funcionaba, era entretenido, tenía ideas y buenos temas, a pesar de su andamiaje de cut & paste y laboratorio detrás.

A continuación, el californinano sorprendió con el folk lo-fi pastoral y reflexivo de "Mutations": un disco que retomó elementos de "One foot in the grave" (1994) y puso sobre el tapete -además de sus aptitudes para el kistch y el remix cultural- su talento como compositor de canciones.

La pregunta es ¿qué le pasó después a este muchachito? Sus discos se hicieron cada vez más pretenciosos ("Midnight vultures") aburridos ("Sea change") o ambas cosas a la vez ("The information", "Modern guilt") y su talento se fue desdibujando. Como sea, este verano tórrido en Buenos Aires es una buena oportunidad para tirarse debajo de un alero con una heladerita llena de cervezas frías y volver a los sonidos de "Mutations".

Los slides de "Bottle of blues" y "Canceled check" están ok y "Cold brains" podría ser una cruza con los contemporáneos Beta Band. Buenas canciones, al igual que el coqueteo Bossa de "Tropicalia". Las quietas "Nobody´s fault but my own" -con sus arreglos de sitar- "Dead melodies" y "We live again" dan la clave reflexiva entre la polvareda general del álbum.

Recién sobre el final, con "Diamond bollocks", el disco retoma algo de la suciedad/ pastiche de "Odelay" y aledaños.

Beck- discografía cercana

Odelay (1996)- Mutations (1998)- Midnight vultures (1999).

Saturday night soundtrack!

2012-01-07T23:38:00.002-03:00

Uno de esos imbatibles para el sábado a la noche: nuestro adorado cd doble "40th Anniversary Collection".

Simplemente, no debe existir un mejor compilado de James Brown. Como su título promete, aquí tenemos un auténtico "JB 40", con 40 temas del Godfather of Soul.

Absolutamente garantizado, Soul Brothers!

Discos: Friends of mine (Adam Green, 2003)

2012-01-05T15:30:00.001-03:00

Género: canciones para tu verano porteño

Hace algunos veranos este disco me acompañó durante tardes enteras caminando y cantando por Buenos Aires. Simplemente, porque las canciones de "Friends of mine"- segundo lp de Adam Green- se pegan de manera irresistible.

Y es que este disco es una especie de "isla" en la floja carrera de este newyorkino que alguna vez lideró a los Moldy Peaches. Ni con ellos ni en sus álbums solistas posteriores (plagados de pretensiones orquestales) este neo hippie logró alcanzar la simpleza y la inspiración de estas 15 canciones.

Años después de aquel verano, conseguí mi cd de "Friends of mine" revolviendo ofertas en la disquería Generation, en el Greenwich Village de NY. En esta época de tanta sequía, darse un chapuzón con "Bluebirds", "Friends of mine", "Musical ladders", "Frozen in time"...es simplemente refrescante. Todas ellas se pegan, se cantan, se dejan correr una y otra vez.

Entre todas, está la favorita de la mansión Ultravivido, por supuesto. Esa que con toda mala onda y unas melodías estratosféricas Adam le dedica a..."Jessica Simpson".

Discos: Speaking in tongues (Talking Heads, 1983)

2012-01-03T11:21:00.001-03:00

Luego de tres discos bajo la tutela de Brian Eno ("More songs about buildings and food", "Fear of music" y "Remain in light") los Talking Heads se tomaron tres años hasta volver a grabar.

Editado en 1983, "Speaking in tongues" fue a todas luces un disco "de transición" para los newyorkinos, en el que ya se empezaba a vislumbrar la vocación pop que dominaría sus álbumes siguientes. De hecho, el lp fue el primer hit del grupo en Estados Unidos, a caballito del single "Burning down the house".

A menudo un poco subestimado en la discografía clásica de los de David Byrne, "Speaking..." tiene sin embargo buenos momentos dentro de ese funk sintetizado y de sonido ultracomprimido. Todavía obsesionados por el trance de los ritmos Afro, aquí la banda se orienta mucho más al cierre pop de los temas, bajando a tierra las jams atmosféricas y a pura repetición de "Remain in light".

Los temas- a diferencia de aquellas sesiones- fueron trabajados por el core de la banda (Byrne, Harrison, Tina Weymouth y Chris Franz) en una formación más reducida. Sin embargo, hay algunos invitados como Bernie Worrel, tecladista de Parliament/ Funkadelic, y las coristas Nona Hendryx y Dolette Mc Donald.

Toda la primera mitad es de muy buen nivel: el clásico "Burning down the house", "Making flippy/ floppy" y sobre todo el par "Slippery people"/ "Girlfriend is better" dan para cantar y bailar a la vez.

Recién entre "I get wild/ Wild gravity" y "Pull up the roots" el disco baja un poco la calidad. Al final, ahí solita y simpática, se despide "This must be the place (naive melody)". Como la definió el propio Byrne, una simple canción de amor.

"Speaking in tongues" le dio pie al último tour que emprenderían los Talking Heads y al film "Stop making sense" que lo documentó.

Talking Heads- discografía

Talking Heads: 77 (1977)- More songs about buildings and food (1978)- Fear of music (1979)- Remain in light (1980)- Speaking in tongues (1983)- Little creatures (1985)- True stories (1986)- Naked (1988).

Rock & roll all 2012!!

2011-12-31T23:55:00.001-03:00

Feliz año a todos los amigos Ultravividos. Keep on rockin´!

Discos 2011

2011-12-28T19:37:00.206-03:00

En Ultravivido elegimos -si bien no necesariamente los mejores- aquellos discos que nos resultaron más interesantes de 2011. Aquí van los que tuvieron alta rotación en el Incoming de este año.

Gang Gang Dance, Eye contact (4AD)

Una vez atravesada esa pequeña sinfonía cósmica que es "Glass jar" (11 minutos, ahí nomás al comienzo del disco, que pueden desalentar a más de uno) "Eye contact" va entrando en distintos pasadizos y juegos de espejos.

Entre el Hip Hop, la electrónica de habitación y hasta cierto vuelo psicodélico, el disco termina volviéndose adictivo. "Mindkilla" y "Chinese high" son temas absolutamente inclasificables y la colaboración con el Hot Chip Alexis Taylor ("Romance layers") logra cerrar un momento pop celestial en medio de un set con altos niveles de abstracción sonora.

"Eye contact" es el cuarto disco de estos newyorkinos ahora fichados por el sello 4AD.

The Strokes, Angles (RCA)

La "salida robótica" que encontraron los Strokes para darle aire a su fórmula cobró forma en el entretenido "Angles", su cuarto lp de estudio. Auténtico experimento de laboratorio, el disco alcanza niveles de verdadero autismo maquinal a la altura de "Games" o la suspendida "Call me back".

Para nivelar los cuelgues, hay algunos momentos más clásicamente Strokes: "Taken for a fool", "Under cover of darkness", "Gratisfaction". Y al comienzo del disco, claro, está esa joyita modelo 2011 que es "Macchu picchu". Temazo.

Cass McCombs, Wit´s end (Domino)

No son tiempos, estos, para andar haciendo canciones tan lentas, tan morosas.

Uno de los Quijotes de turno (junto con Bon Iver) es el californiano Cass McCombs, que en "Wit´s end"- su quinto larga duración- desparramó canciones de esas que crecen con paciencia en lo profundo de la noche.

Hay momentos de una belleza estelar en temas como "The lonely road", "Contry line" o ese jazz desfalleciente que es "Saturday song". No apto para ansiosos.

SBTRKT, SBTRKT (Young Turks)

SBTRKT (se pronuncia "Substract") es el alias de Aaron Jerome, músico y productor londinense que luego de editar varios singles y remixar a grupos como Radiohead grabó su primer lp homónimo en 2011.

Su música es un intrigante mix de electrónica hogareña, sonidos espaciales y viaje incierto que bien puede servir para despertar orejas enmohecidas.

Chequear el excelente video de "Look at stars".

Ry Cooder, Pull up some dust and sit down (Nonesuch)

Siempre es bueno que alguien siga haciendo canciones. Y si son de las buenas, mejor.

Es cierto, por momentos el tufillo a Word Music de los discos de Ry Cooder despierta sospechas. Pero aún así se las arreglan para atrapar, como el excelente "Chávez ravine" (05).

"Pull up..." vuelve sobre el gran género de la Americana, absorbiendo estilos y destilando auténticas "protest songs" -tan de moda en un mundo en crisis- a diestra y siniestra. Sólo por la belleza contemplativa de "Dirty chateau" o los aires mexicanos de "Dreamer" vale la pena el viaje.

Cut Copy, Zonoscope (Modular)
Cada disco mejor, los Cut Copy. En "Zonoscope" se olvidaron de esas interferencias que arruinaban un poco su lp anterior ("In ghost colours", 08) y fueron de lleno en busca de un espíritu Synth Pop que los hizo redondear grandes temas.

De hecho, "Take me over" quedará como uno de los singles bailables del año. Bien por los australianos, una banda a mitad de camino entre el Dance mainstream y la electrónica que podés escuchar en tu casa. Como bien escribió el amigo Mocker acá, un disco obligado para el sábado a la noche.

David Lynch, Crazy clown time (Play it again Sam)

No somos demasiado objetivos con el tío Lynch, ni aún cuando se le ocurra -como en este caso- dar rienda suelta a su creatividad grabando un disco.

"Crazy clown time" no es su primera aventura musical, pero eso importa poco. El disco (basado en "improvisaciones hogareñas", según el propio director) está bueno, tiene su cuelgue y es ideal para dejarlo correr una de estas noches de verano (mejor todavía si a lo lejos se ven las luces rojas traseras de algún auto alejándose por la ruta).

Los que adoran los climas siniestros y noctámbulos de sus pelis (inseparables de los soundtracks armados por su coequiper de toda la vida, Angelo Badalamenti) estarán de parabienes. En "Pink´s dream" canta Karen O, de los Yeah Yeah Yeahs.

Nick Lowe, The old magic (Yep Roc Records)
Un poco de vieja escuela en medio de tanta modernidad. En este árido 2011 fue una buena noticia que el viejo y bueno de Nick Lowe se sentara a dar cátedra de lo que mejor supo hacer desde siempre: canciones pop.

En "The old magic" hay un poco de todo: pop 60´s, baladas, aires jazzy de ambiente Lounge, blues. pero sobre todo, canciones. Ese Maná que cada vez cae en menores cantidades del cielo pop. Larga vida a Nick.

Cults, Cults (In the name of Columbia)

La pos-pos modernidad es así: tantas citas de citas, tanta información resignificada y vuelta a poner en otro contexto.

Los newyorkinos Cults (un dúo formado por Brian Oblivion y Madeline Follinmeten) meten en su licuadora elementos de Indie Pop y pop sixties (por momentos suenan como los Raveonettes, por otros recuperan el pop de cámara de los Russian Futurists) algo de Hip Hop y del post-todo deconstructivista de los Animal Collective y derivados.

Luego de darse a conocer con el ep "Cults 7"" en 2011 editaron su primer lp. "Never heals" y "Go outside" son clásicos instantáneos de ese playlist que nos fascinará durante un mágico y fugaz instante.

P.J. Harvey, Let England shake (Island)
Mi amigo Sergito Langalay me obligó indirectamente a volver a prestarle atención a P.J. Una artista que aún con sus vaivenes sigue en la búsqueda de sus posibilidades como artista y como performer.

Mucho se ha escrito sobre la inspiración de este "Let England shake" y para eso están las reviews especializadas. Aquí sólo vamos a decir que este décimo disco de la británica tiene climas, canciones y espacios donde la música simplemente ocurre y nos deja maravillados. Junto, claro, con esa Voz.

Clásicos: So alone (Johnny Thunders, 1978)

2011-12-27T16:44:00.001-03:00

Después de formar parte de los seminales y protopunks New York Dolls y armar The Heartbreakers (con los que salió de gira junto a los Sex Pistols y los Clash en el "Anarchy Tour" de 1977) Johnny Thunders estaba listo para grabar su primer álbum solista.

Todavía en Londres, Johnny grabó "So alone" con la ayuda de varios amigos, entre ellos Steve Jones, Chrissie Hynde, Paul Gray, Steve Marriott y Paul Cook. Fresco, directo y de estilos variados, el disco fue un reflejo cabal del talento "sucio y desprolijo" de Thunders. Ese estilo callejero que parece llevarse por delante cualquier canción que toque.

El comienzo no puede ser mejor, con el cover de "Pipeline", el clásico surfer de los Chantays de 1963: base ajustada y gran sonido de guitarras. Le sigue un clásico propio: "You Can’t Put Your Arms Around a Memory", versionada, entre otros por los Guns ´n Roses en su "Spaghetti incident?". Más sorpresas: las versiones de "(Give Him a) Great Big Kiss" (de las chicas pop sixties The Shangri-Las) y del clásico de Otis Blackwell "Daddy Rollin' Stone", a puro R&B de vieja escuela.

Algunos temas propios ("Leave me alone", "Ask me no questions") y otros compuestos junto al ex- New York Dolls David Johansen ("Subway train", "Dowtown") completan un setlist con un buen balance.

La reedición en cd de "So alone" de 1992 incluye cuatro bonus tracks, incluida una colgada versión de "The wizard", de T. Rex.

Discografía cercana

L.A.M.F (con los Heartbreakers) (1977)- So alone (1978)- Live at Max´s Kansas City (con los Heartbreakers) (1979).

Discos: Infected (The The, 1986)

2011-12-26T13:41:00.004-03:00

En algún punto de los 80, la figura de Matt Johnson fue señalada como la posible salvación para la vacía música pop que poblaba las FM de todo el mundo.

Letras inteligentes, agudas. Y una música sofisticada al mando de una super banda llamada The The (por la que supieron pasar músicos talentosos, entre ellos Johnny Marr).

Luego de un primer EP firmado en solitario ("Burning blue sol") y un lp ya como The The ("Soul mining", 1983) Johnson pegó el salto con "Infected". Según las reviews de época, para grabarlo utilizó tres productores y un desfile interminable de músicos de sesión.

Es cierto, el nivel de las canciones es algo desparejo. Y ese sonido tan clavado en los sintetizados y duros 80 atenta contra muchos pasajes. Pero los buenos momentos de música siguen siendo excitantes. Y como obra, "Infected" sigue demostrando que se puede experimentar sobre un lenguaje pop accesible.

"Infected" (el tema) es un rockazo imparable para hablar sobre la inminente "peste rosa" que comenzaba a abatirse sobre aquellos años. Al igual que aquella joya que fue "This is the day" en "Soul mining", el hit aquí fue "Heartland". Un elegante desfile de coros de chicas, guiños Soul y Jazz para describir a los Estados Unidos de la era Reagan según la afilada pluma de Johnson.

En otros temas, la locura pop "de ideas" del británico alcanza algunos pastiches simpáticos aunque sonoramente caducos como "Out of the blue (into the fire)" o "Angels of deception".

En la segunda mitad, "Sweet bird of truth" (que retrata el vuelo de un piloto sobre Arabia, en pleno bombardeo de E.U) y "Slow train to dawn" (con la bella y potente voz de Neneh Cherry) recuperan el buen nivel a pura sofisticación pop. Dos grandes canciones.

Los aires jazzeros de "Twilight of a champion" extienden ese clima noctámbulo y urbano que tanto impregna los grandes momentos de The The.

The The- discografía

Burning blue soul (1981)- Soul mining (1983)- Infected (1986)- Mind bomb (1989)-Dusk (1993)- Hanky panky (1995)- Naked (2000)- Tony (OST, 2010).

Los videos de La Javanaise: edición especial Nochebuena

2011-12-24T19:00:00.002-03:00

Saga: Navidades Ultravividas

Nuestro VJ estrella se despacha con una entrega especial doble para esta Nochebuena. Mientras se sirven su ponche navideño, Bing & Frankie te cantan -como quien no quiere la cosa- "Jingle bells". Así, con estilo.

Ahora sí, todos con sus gorros puestos! Así se festeja una Navidad! La Javanaise nos regala a la Brian Setzer Orchestra haciendo el clásico de clásicos a puro swing, desde su "Christmas Extravaganza" de 2005.

Discos: Now that´s what I call quite good (The Housemartins, 1988)

2011-12-21T20:39:00.002-03:00

Saga: Navidades Ultravividas

En el fondo (por influencias, por estética y demás señas particulares) The Housemartins fue una banda algo fuera de lugar en los sintetizados y visuales 80´s. Pero pensándolo bien ¿en qué otra década hubieran encajado?

Lo suyo tenía más que ver con las tradiciones del Soul (o el Northern Soul británico) el Ska, el Garage Gospel y -en general- el pop de los 60. Todo mezclado con unas dislocadas letras de citas marxistas, influencias religiosas, mucho sentido del humor y auto parodia y un optimismo pop que siempre invitó al baile.

Pero lo más importante, como siempre, son las canciones. Y estos chicos oriundos de la pueblerina Hull (una pequeña ciudad en el ceremonial condado de East Yorkshire, Inglaterra) las tenían.

Formados en 1983 por el cantante y guitarrista Paul Heaton y el guitarrista Stan Cullimore, la banda pronto se amplio a un cuarteto (por sus filas, como todos sabemos, pasó el futuro Fat Boy Slim Norman Cook) y grabó sus primeras Peel Sessions en 1986.

El single "Happy hour" les abrió la puerta a públicos más grandes y en 1986 y 1987 grabaron dos excelentes lps: "London 0 Hull 4" y "The people who grinned themselves to dearth". Y eso fue todo. Luego, la disolución del grupo.

Originalmente editado como lp doble (un objeto de culto inalcanzable para los tiernos niños melómanos que éramos en aquellos 80s) "Now that´s what I call quite good" recopila singles, rarezas, lados B y tomas alternativas del grupo. La puerta de entrada ideal para conocerlos.

Por supuesto, están los clásicos que siguen sonando en las FM de todo el mundo: "Bo down", "Happy hour", "Build", "Five get over excited". Y también las perlitas para entendidos: el B-side "I smell winter", la poderosa versión Garage Gospel del clásico de Luther Ingram "I´ll be your shelter", el melancólico single final del grupo "There is always something there to remind me" y tomas alternativas de canciones bellísimas e inoxidables como "Flag day" o "Think for a minute".

Para estas Navidades, Ultravivido propone hacer sonar a los Housemartins. Mientras brindamos, que suenen esos campaniles que despiden "Build". O cantemos algo ebrios, ya, el único número 1 que tuvo el grupo en su corta carrera: el single navideño de 1986 "Caravan of love". Salud!

Discos: Christmas in the heart (Bob Dylan, 2009)

2011-12-20T21:15:00.000-03:00

Saga: Navidades Ultravividas

A sus casi 70 años, al Tío Bob todavía le quedaba un as en la manga: grabar su propio disco de canciones navideñas. ¿Quién se lo esperaba? En realidad, nada es descabellado si pensamos que el único Norte que tuvo Bob en su vida fueron precisamente eso: canciones.

Para la ocasión reunió un grupo de músicos (Tony Garnier, George Receli, Donnie Herron, David Hidalgo -de Los Lobos- Phil Upchurch y Patrick Warren) y los llevó a grabar a Santa Mónica un puñado de clásicos del folklore navideño. Todas las royalties del disco fueron a parar al programa Feeding America.

Ver para creer. Hay que escuchar a Bob casi divirtiéndose en "Here comes Santa Claus", revolviendo su amor por el Country en "Country island" o entre los campaniles de "Winter wonderland". ¡Si hasta podría haber sido un disco a dúo con Tom Waits!

Cada uno tendrá sus favoritas, pero lo que no se puede negar es que "Christmas in the heart" es para esa hora en que los parientes ya se están yendo y las bebidas subieron a la cabeza. Tarde, cuando las luces titilantes se confunden con los collares de la tía que ya está diciendo "Adiós, hasta la próxima Navidad!"

Así que, amigos Ultravividos, que nunca falten las canciones en nuestro arbolito. Porque ..¿qué seríamos sin canciones? ¡Salud!

Los videos de La Javanaise

2011-12-20T00:25:00.000-03:00

Saga: Navidades Ultravividas

¡Si, amiguitos! Esta semana nuestro VJ estrella La Javanise se disfraza de Santa y reparte regalos en forma de videos alucinantes, en este caso dedicados a la Navidad que ya está llegando.

Para empezar la semana, nos deja al gran Ray en vivo en el Monasterio de Ettal en Alemania, 1979, haciendo "Merry Chirstmas baby".

Discos: Ocean rain (Echo and the Bunnymen, 1984)

2011-12-17T15:46:00.004-03:00

En algún punto es lógico que de sus cuatro primeros discos, "Ocean rain" siga sacando todos los números para ser considerada la "masterpiece" de los Echo and The Bunnymen.

Sacando su tono general algo sobrecargado de dramatismo, el disco tiene grandes canciones. De esas que de tan buenas superan inclusive la pretenciosidad de cualquier idea.

Además, claro, "Ocean rain" construye un escenario para mostrarlas. Un cuento fantástico y nocturno, con mares y vientos que azotan, marineros y lunas asesinas que terminan embriagándonos. En eso- y en la suma de tantos pasajes musicalmente exquisitos, superlativos- los de Liverpool grabaron, sí, un disco inigualable.

Paris je t´aime

Para 1983 los Bunnymen estaban en el pico de su éxito en Inglaterra. Prensa y público los adoraban tras la edición de "Porcupine". Agotado por las giras, el grupo decidió trasladarse a París en busca de inspiración. Por empezar, hallaron un lugar de trabajo de ensueños en el Studio des Dames, una vieja sala de grabación en la vieja escuela, llena de aparatos en desuso, largas escaleras y sótanos y operarios de guardapolvo que sabían hacer su trabajo.

A París fueron, además, tras la estela de Scott Walker y Jacques Brel, dos de las inspiraciones más fuertes de aquel período. La otra fueron las orquestaciones que el grupo californiano Love había grabado para su disco clásico de 1967 "Forever changes". Algo así querían los de McCulloch para su nuevo álbum.

Pero fue la vida parisina la que los enamoró e inspiró definitivamente. Y la que tiñó con su romanticismo el aura de "Ocean rain". "Parábamos en un hotel a unas pocas millas del estudio" cuenta Will Sergeant en las liner notes de la Deluxe Edition. "Les (Pattinson) y yo habíamos llevado nuestras bicis. Nos levantábamos temprano esas mañanas de otoño y hacíamos siempre un camino diferente para llegar al estudio".

"Fue un tiempo mágico" sigue recordando Will. "Teníamos visiones románticas de Tom Verlaine bajando por las escaleras de Montmartre con un libro de poesía de su héroe Paul Verlaine en el bolsillo, el aliento a Absenta en su boca... Fuimos a Père- Lachaise a decirle ´hola´a Jim y a Oscar...Nos sentíamos como si fuéramos la respuesta de Liverpool a los Monkees o los Beatles en ´Hard´s day night´. París se habia convertido en nuestro segundo hogar". En resumen, los planetas se habían alineado para que el grupo grabara ese disco "totalmente diferente a lo que se había hecho hasta entonces".

Yendo al álbum, "Ocean rain" fue el fruto de París, desde ya, y del sonido que el grupo logró en Des Dames (resultado, según cuenta Sergeant, de unos aparatos especiales, muy viejos, que utilizaron allí) y por supuesto, de la propia inspiración de un grupo en la cima de su juego. En las sesiones echaron mano de todo lo "vintage" que encontraron en Des Dames: desde celestes y glockenspiel hasta marimbas y viejos amplificadores. También recurrieron a los arreglos orquestales de Adam Peters, clave en el flavour final.

En la primera mitad el grupo combina canciones redondas ("Silver", "Crystal days") con algunos pasajes de experimentación más derivativos (la densa y cinematográfica "Nocturnal me", "Thorn of crowns" con sus raras escalas del Este y demenciales chirridos de la guitarra de Sergeant).

En la segunda mitad, el grupo roza lo celestial con las canciones como centro. Por empezar, "Killing moon" parece flotar indefinidamente en un limbo romántico incierto, lejano. El solo perfecto de Sergeant, las escobillas de De Freitas crepitando junto a las cuerdas. Y ese final largo, interminable. Paradójicamente, el clímax de la canción.

Según McCulloch, "Killing moon" "es simple y hermosa. Es profunda, pero no está vestida como una cancion de amor sino como una sobre la predestinación". "El personaje central -sigue Mac- es el capitán del barco y la canción tiene ese movimiento, esa tensión de la navegación en cada línea. La clave está en el estribillo. Yo estaba verdadermente enamorado de París".

En el último tramo están esas otras gemas inigualables: la perfección pop de "Seven seas" y sus campanas, el ritmo sincopado de "My kingdom" y finalmente "Ocean rain", con toda su imaginería marítima, su clima orquestal, su crescendo sobre el final. La hermosa cubierta- diseñada por Martyn Atkins- contó nuevamente con la fotografía de Brian Griffin, cerrando el ciclo de imágenes de los Bunnymen en sitios naturales de sus cuatro primeros álbumes.

La Deluxe Edition lanzada en 2008 por el sello Rhino incluye un segundo disco con un potente show en el Royal Albert Hall en julio de 1983.

Bonus

Gracias a Sergito Langalay por prestarme la "Deluxe Edition", invalorable por sus notas internas.

Echo and The Bunnymen 1983
Ian McCulloch, Pete de Freitas, Les Pattinson, Will Sergeant.

Los cuatro primeros lps
Crocodiles (1980) Heaven up here (1981) Porcupine (1983) Ocean rain (1984).

Soundtrack de viernes: Songbook- the singles (Super Furry Animals, 2004)

2011-12-16T14:03:00.000-03:00

Viernes nublado y lluvioso en Buenos Aires. Días como hoy me dan por revisitar a los Super Furry Animals. Un grupo con indudable flavour británico, ideal para escuchar en casa a salvo de estas tormentas de verano...

Si bien en Ultravivido nunca fuimos fans de los galeses, hay que reconocer que dejaron buenos momentos, sobre todo en su época dorada, allá a mediados de los 90.

Equidistantes de las luminarias del Brit Pop, estos oriundos de Cardiff tejieron un sonido psicodélico y circular mezclando dosis a discreción de Beatles, XTC, melodías à la Elvis Costello (el tono nasal de Gruff Rhys es toda una marca registrada del grupo) y una pizca de flotación espacial que siempre los puso en una batea diferencial.

"Songbook: the singles volume one" es una excelente puerta de entrada a los Super Furry. Un menú suculento de 21 temas para tener a mano cada tanto. ¿Momentos favoritos? ¡Varios! La suspensión romántica a flor de piel -Vocoder mediante- de "Yuxstapozed with U", la locura voladora de "Play it cool", los guiños Power Pop de ribetes psicodélicos de "Rings around the world" y "God! Show me magic", la belleza quieta de "It´s not the end of the world?" y "Hello sunshine"...

Muchos temas buenos (y curiosamente adictivos) para esperar el fin de semana.

Super Furry Animals

Gruff Rhys, Huw Bunford, Guto Pryce, Cian Ciaran, Dafydd Ieuan.

Discos: Manifesto (Roxy Music, 1979)

2011-12-14T20:53:00.010-03:00

El sexto disco de Roxy.

Para Roxy Music el despegue del barroqusimo y las formas más Arty de sus primeros años ya había comenzado a insinuarse en "Siren", su disco de 1975.

Tras un parate cubierto por la edición de "Viva!" y su primer "Greatest hits", en 1978 el grupo volvió a los estudios para grabar su sexto álbum. Claramente un disco de transición, "Manifesto" siguió de cerca la transformación del monstruo demencial de los primeros años a un producto de FM para amantes sofisticados. Pero todavía faltaba para los sonidos lustrosos de "Avalon".

En algún punto, es cierto, "Manifesto" es una de las entregas más flojas de Ferry y compañía. Un poco por la flaqueza de algunas composiciones (como curiosidad, la edición original dividía los lados en un "East side" y "West side" respectivamente).

El disco tarda en entregar material con sustancia: "Manifesto" (el tema) y "Thrash" (con especial lucimiento de ese gran guitarrista subestimado que fue Phil Manzanera) demoran el trámite y recién con "Angel eyes" el grupo logra un momento inolvidable. Tal vez la primera de sus gemas pop de alto alcance (aunque no habría que olvidar el "Love is the drug" de "Siren").

"Ain´t that so" parece anticipar el sonido venidero -ya con un pie en el chill out de las boites de los 70´s- mientras que "My little girl" y "Stronger through the years" no aportan demasiado a las alturas habituales a las que venía volando Roxy. En esos surcos el grupo suena fláccido, sin convicciones.

"Dance away"- otro futuro clásico- levanta la puntería a pura magia. Como en todos los casos de grandes bandas de rock, cualquier mortal daría la vida por 3 minutos, 45 segundos de esa música superior a casi todo. Romanticismo, altura, elegancia. "I close my eyes and dance till dawn" canta un Ferry cada vez más cómodo en su papel de crooner para modelos de alta costura. "Still falls the rain" extiende el momento de gracia con una de esas piezas sentimentales y europeístas que siempre fueron el fuerte de Brian. Está bien: hay un arrastre de los discos anteriores, pero el tema funciona.

"Spin me round" cierra el set con una nota melancólica y hermosa.

Bonus
Como regalo, los dejo con esta versión de "Dance away" en vivo, nada menos que presentados por las chicas de ABBA en Suiza. Pertenece al recomendable dvd doble "The thrill of it all- A visual history 1972-1982".

Roxy Music 1979

Phil Manzanera, Brian Ferry, Paul Thompson, Andy Mackay, Gary Tibbs, Alan Spenner, Paul Carrack.

Discografía cercana

Viva! (1976)- Manifesto (1979)- Flesh + blood (1980).

Soul Basics: The revolution will not be televised (Gil Scott- Heron, 1974)

2011-12-13T14:49:00.002-03:00

Originalmente editado por el sello Flying Dutchman Records como lp doble, "The revolution will not be televised" recopila temas de los primeros tres discos de nuestro héroe Soul Gil Scott-Heron: "Small Talk at 125th and Lenox" (1970) "Pieces of a man" (1971) y "Free will" (1972).

Con los años, el disco fue reeditado en cd con el agregado de varios bonus tracks.

Hay varios buenos momentos, a la manera de un "Introduction to..." para meternos de lleno en ese espíritu urbano que irradiaba la música de Heron. Empezando por el célebre proto rap que da título al álbum y siguiendo por ese Funk/ Jazz rápido y elegante que es "Lady Day and John Coltrane". Un poco de Funk ciudadano y polucionado con "Home is where the hatred is", baladas ("I Think I'll Call It Morning") y Lounge Jazz con la bella "A sign of the ages".

En el medio, por supuesto, están los clásicos "spoken words" de Gil Scott, al que tanto le gustaba arengar y poetizar sobre la música, compartiendo su Mensaje.

Salud, Soul Brothers!

Gil Scott-Heron nació en Chicago el 1 de abril de 1949 y murió en New York el 27 de mayo de 2011.

Discos: Must´ve been high (Supersuckers, 1997)

2011-12-11T13:08:00.001-03:00

Supersuckers goes Country!

Para su cuarto disco de estudio los Supersuckers (alguna vez autoproclamados "la banda de rock & roll más grande del mundo") soltaron los pedales de distorsión para entregarse a las miles del sonido acústico.

¿El resultado? "Must´ve been high". Un disco de polvaredas, camisas a cuadros y tabernas de mala muerte.

El espíritu vintage dice presente con ese sonido a púa que da comienzo a la enniomorricana "Must´ve been high", que abre el disco a pura languidez. Y si de tempos lentos se trata, seguimos haciendo la siesta con la reposera en el porche escuchando "Roamin round" y "Barricade". O cantando (ya algo borrachos) "Roadworn and weary".

Grabado en los Ironwood Studios de Seattle y editado por Sub Pop en marzo de 1997, "Must´ve been high" nos regala algunas perlitas más cuando pisa el acelerador ("The captain", el instrumental "Hangliders" o la favorita de Ultravivido "Dead in the water"). Como bonus track antes que caiga el sol, un lejano pedal- Steel le agrega color Texano a "Hungover together", con la voz invitada de la Breeders Kelley Deal compartiendo mic con Eddie Spaghetti.

Bonus

Si te gustó éste, no dejes de chequear "Must´ve been live" (2002) grabado en vivo en Dallas, Austin y San Diego. ¿En qué otros lugares podría haber sido?

Discos: Christmas (Chris Isaak, 2004)

2011-12-08T14:09:00.002-03:00

Saga: Navidades Ultravividas

Empezamos a armar el arbolito con música de fondo. Y qué mejor que colocar los primeros adornos en compañía de un amigo de la casa.

Fiel a su corazón clavado en los 50´s, Chris Isaak no pudo con la tentación de grabar su propio Christmas album, a la manera de sus ídolos Elvis, Bing Crosby, Dean Martin y compañía.

El gusto se lo dio en 2004, tras escuchar una inspiradora entrevista al ideólogo de Sun Records, Sam Phillips. Acompañado de un trío mínimo (Kenney Dale Johnson en batería, Rowland Salley en bajo y Hershel Yatovitz en guitarra) más algunos invitados, Chris le puso su voz dorada a 11 standards del género. Y hasta se animó con cinco originales propios.

Todo el disco podría valer por dos tomas: la redondita "Blue Christmas" y la cancherísima versión del clásico "Rudolph the Red-Nose reindeer" con la banda aportando sus coros de saloon. El flow viene armado para oscilar entre mid tempos y baladas: una arriba, otra abajo y así.

Más perlitas: el dueto con Stevie Nicks en "Santa Claus is coming to town" y el coqueteo Rockabilly para subirse a "Last month of the year" y la propia "Hey Santa!". Infaltable, el toque melancólico de las fiestas en la bella "Washington square".

Y si todavía no escribieron su cartita a Santa, pueden pedir de regalo el dvd de la serie "Sound stage: Live with special guests" con varias de estas canciones en vivo, vestidas de elegante sport.

Discos: Technique (New Order, 1989)

2011-12-06T10:21:00.001-03:00

Para "Technique" los New Order ya eran uno de esos equipos que sabían muy bien a qué jugaban. El disco (dicho sea de paso, la Masterpiece absoluta de los mancunianos) se traza un rumbo y no se aleja jamás de él, transitándolo a pura reafirmación de estilo.

Grabado entre Ibiza y los Real World Studios de Inglaterra, "Technique" tiene, además, el mejor balance entre ese sonido orgánico y electrónico que los ex Joy Division persiguieron durante todos los 80, con el nuevo pulso del Acid House y las Baleares e Ibiza como Meca.

Desde el comienzo las intenciones quedan claras con "Fine time"(el primer single del álbum) y su arsenal de ideas en vertiginoso cut & paste. Una especie de manifiesto de lo que los New Order leyeron en ese momento de cambio en la cultura rock (y de la fiesta que, dinero del sello Factory mediante, se patinaron en Ibiza).

Y los que fueron adolescentes a fines de los 80 todavía recordarán el impacto de escuchar con qué naturalidad el grupo pasaba del arsenal techno al sonido más "tocado", orgánico, de "All the way" y "Love less". Eso que hoy parece perfectamente natural, hace 20 años nos resultaba absolutamente liberador como oyentes. Reconciliaba en los auriculares sonidos que en nuestra cabeza pertenecían a mundos separados: lo "bailable" y el "rock".

Arriba nuevamente en pulso techno con "Round and round", segundo single y obra maestra de la música total, jugada en toda la cancha con expansión del audio, arreglos y melodías. Un universo pop completo y con sustancia.

Tal vez la maestría decaiga un poco entre "Guilty partner" y "Run" (un flashback a los discos "Low life"/ "Brotherhood") pero el pulso vuelve a levantar entre "Mr. Disco" (más de ese feeling europeo en un track de dinámica irresitible) y otra obra maestra, "Vanishing point". "Dream attack" nos despide con su nota agridulce de pianos y capas de teclados.

New Order 1989
Bernard Sumner, Peter Hook, Stephen Morris, Gillian Gilbert.

Discografía cercana
Substance (1987)- Technique (1989)- Republic (1993).

Los videos de La Javanaise

2011-12-03T17:04:00.000-03:00

Simplemente, Muddy dando comienzo a la leyenda..

Discos: Dust (Screaming Trees, 1996)

2011-12-01T19:02:00.001-03:00

Para 1996 ya nadie daba mucho por los Screaming Trees. Una banda a menudo subsumida en la nube Grunge, aunque bastante más interesante que la media de aquella camada.

Demasiado conflictivos y con una combustión interna endiablada, la banda tuvo varios traspiés para grabar el sucesor de "Sweet oblivion" (1992). Finalmente dieron con el "manos mágicas" de George Drakoulias (Primal Scream, The Jayhawks, Black Crowes) que aquí volvió a hacer un gran trabajo, sobre todo en el sublime sonido que logró para estas canciones.

Menos filosos, más climáticos y sutiles (echando mano a todo tipo de instrumentos exóticos y coloridos como tablas, cellos, Mellotron, congas, armonios y djembé) los Screaming Trees lograron un gran álbum de despedida, mantiendo una tensión amenazante a lo largo de 44 minutos.

Hay varios buenos momentos. Los aires orientales y el vértigo posterior de "Halo of ashes", al comienzo del álbum, por ejemplo. O las dinámicas siempre sostenidas de "Make my mind". "Witness" levanta la tensión un par de escalones más, y si bien aquí se percibe esa dejadez apática del Grunge, una escucha más atenta revelará capas de sonidos y detalles de un verdadero fresco psicodélico. Hasta los momentos más suaves ("Look at you", "Sworn and broken", "Traveler") nos dejan con sabores agridulces, ambiguos. Mérito, entre otras cosas, de la siniestra voz de Mark Lanegan y los climas logrados por el cuarteto de Seattle.

Dos datos más: en 1996 la MTV se cansó de rotar el video de "All I know", el hit de "Dust". Otro single fue cortado, aunque con menor éxito: "Dying days", con las guitarras invitadas del Pearl Jam Mike McCready.

Luego de dos años de gira la banda se disolvió oficialmente en 2000.

Screaming Trees 1996

Mark Lanegan, Gary Lee Conner, Van Conner, Barrett Martin.

Shows: Turbobardo en vivo (Roxy Live, Buenos Aires, 27 de noviembre)

2011-11-29T15:15:00.070-03:00

Papelitos de colores, damajuana de vino, disfraces, pogo buena onda...¡qué bien la pasamos en el show de Turbobardo!

Si bien el domingo hizo un calor bochornoso en Buenos Aires, nada impidió que disfrutáramos de esa catarata de estribillos y ganchos memorables de los escandinavos Turbonegro versionados por los amigos de Turbobardo, que para esta ocasión contaron con la voz de Walas, de Massacre, como invitado.

Para los que se lo perdieron, a no aflijirse. Los Turbobardo anuncian nueva fecha para brindar copas en alto el 30 de diciembre. Más información en breve...

El amigo Astilla a pleno!

Turbobardo are:

Sebastián “Dana” Alfonso en voz (ex Sickness, Liars & Cheats), Jeremías Stutz en guitarra (Sick Porky) Esteban “Tebi” Capuano en guitarra (Los City, Horror Vendetta), Juan Pablo “Astilla” Dominguez en bajo (ex Burning Fingers, ex Niños Enfermos), Adrián Undurraga en batería (Clinch), y Pablo Mesplede en coros, teclado y percusión.

Clásicos: Tapestry (Carole King, 1971)

2011-11-27T14:15:00.012-03:00

Noche de calor en Buenos Aires. Del patio de abajo llegan las voces y la música de una fiesta tranquila. De repente, entre la conversación, empieza a sonar "It´s too late". Ese sonido simple, esos acordes espaciosos, me dieron ganas de recordar "Tapestry", el disco clásico de Carole King editado en 1971.

Para entonces, Carole ya había ganado notoriedad como co-compositora de varias gemas pop junto a su ex marido Gerry Goffin. Un verdadero tanque creativo detrás de clásicos como "Locomotion", "Up on the roof", "Some kind of wonderful" y hasta temas para Dusty Springfield, The Byrds y The Monkees.

Su amigo James Taylor, entre otros, empujó a Carole a que cantara sus propias canciones y "Tapestry" fue el resultado (si bien Carole ya había grabado el lp "Writer" en 1970, éste fue su lanzamiento como solista propiamente dicho).

Un disco a todas luces atemporal, mérito de las buenísimas canciones que contiene, por supuesto, pero también de la despojada producción a cargo de Lou Alder, que dejó la instrumentación y la hermosa voz de Carole en un plano relajado, sin tensiones. En algún punto, "Tapestry" es casi un best of. Todos lo temas fueron (o podrían haber sido) singles. El álbum permaneció número 1 en Estados Unidos por 15 semanas, un record para una artista femenina hasta el día de hoy.

Sólo por repasar algunos momentos, "I feel the earth move" abre a pura energía, "It´s too late" maneja un groove suave y cadencioso y "Home again" y "Beautiful" son momentos relajados y dulces.

En la segunda mitad hay descarga masiva de clásicos: "You´ve got a friend", "Smackwater Jack", "Will you still love me tomorrow?" (cantado por las Shirelles en 1960) y el clásico de clásicos "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman" que la gran Aretha había llevado a la cima en 1967.

Carole King- primeros tres solistas
Writer (1970) Tapestry (1971)- Music (1971).

The Queen lives

2011-11-26T23:17:00.003-03:00

24 de noviembre de 2011: 20 años sin Freddie Mercury.

(+ Bonus track: Adrián Dargelos sobre Freddie en revista SH)

Discos: Cure for pain (Morphine, 1993)

2011-11-25T00:33:00.002-03:00

¿La última gran banda de rock & roll? Si de sudor valvular, pulso y electrificación hablamos, es probable que sí. Que Morphine haya sido de los últimos en la vieja escuela. Rock directo al cuerpo. A la cabeza. Y al corazón, por qué no.

Brevemente, los Morphine se formaron en 1989 en Cambridge, Massachusetts, cuando se unieron el bajista y cantante Mark Sandman y el saxofonista Dana Colley.

El dato obvio y remanido ("impresionante, mirá como suenan y no tienen guitarras") está OK, pero vamos. Hay más cosas para decir de ellos: Power Trío pero sin pirotecnia. Riffs de saxos. Buenos climas. Bajos gordos, ondulantes. Ambiente lisérgico. Sonido orgánico y de sala de ensayo. Feeling de Hard Bop. Yeites clásicos de rock aunque tocados con discreción. Letras nocturnas. Sonido nocturno. Y Sudor. Como el que parecía tener al borde del colapso constante a su frontman Mark Sandman, una especie de poeta beat, de Tom Waits de garage y de vuelo rasante con muy buenas letras.

Después de un buen primer disco ("Good", 1992) los Morphine llegaron al año sigiuente a su mejor marca con "Cure for pain" siempre editados por Rykodisc, un sello de esos por los que hay que sacarse el sombrero. Mejores temas. Y sobre todo más filo, más concision en el feeling con el que todo está tocado. Todo un escalón y medio más arriba.

"Head with wings" y "All wrong" pegan de entrada, matizadas con unos mid tempos tristones ("Candy", "I´m free now"). Todos buenos temas. Acá no hay rellenos. ¿Un poco más de mala onda y más arriba en intensidad? "Buena" es una y "Thursday", otra. Esta última, una historia de cuernos con el tipo y la mina jugando al pool sin que se entere el marido. Bien básico, sobre un riff de bajo tremendo y la banda soltándose a pleno sobre la percusión certera del batería Jerome Deupree.

Como todos los buenos discos, "Cure for pain" también lo es por su correcto flow y su armado, mérito de la producción a cargo de Paul Q. Kolderie (Pixies, Dinosaur Jr, Radiohead y Throwing Muses entre otros). En medio del set hay una delicia acústica que da aire a la escucha ("In spite of me"). Y cómo olvidarnos de ese tremendo final bajo la lluvia con "Miles Davis´funeral"...

Por si hay algún desprevenido por ahí, en la actualidad los restantes miembros de Morphine siguen girando como "Members of Morphine", tras la muerte de Mark Sandman.

Morphine- discografía

Good (1992) Cure for pain (1993) Yes (1995) Like swiming (1997) The night (2000).

Discos: Singles+ Covers + Rarities (Massacre, 2000)

2011-11-23T10:05:00.002-03:00

Ahora que los Massacre disfrutan las mieles del éxito (y un poquitín se pusieron de moda) no estaría mal darnos un paseo por aquellos largos años en los que eran una banda de culto para pocos. Sucesivamente, un exponente de alta gama de Punk/ Skate rock, Power/ Grunge Pop y demás variantes de una energía callejera jamás negociada.

El ticket de este viaje mágico y misterioso lo sacamos con "Singles + Covers + Rarities", esa exquisita recopilación que los de Walas (un melómano de ley que seguramente aprecia el valor de las "rarezas" y Lados B) editaron allá por el 2000.

Las gemas son varias. Comenzamos por "Nuevo día", del lp debut "Sol lucet omnibus", 1992 (¿exageramos si decimos que es uno de los mejores temas del rock argentino de todos los tiempos?) y seguimos por la poderosísima versión de "Steppin´ stone" de los Monkees, grabada en vivo en la cárcel de Olmos. Desde siempre, los Massacre hicieron del versionar un Arte.

Más covers geniales con "Some day never comes", de Creedence, "Eighteen" de Alice Cooper, "Complete control" de los Clash y sobre todo esa relectura casi calcada (pero nunca idéntica) que los Massacre hacen del mejor tema de Sumo, "Estallando desde el océano".

También están los futuros clásicos "Plan B: anhelo de satisfacción", "Mi mami no lo hará" y "Te leo al revés", los coqueteos Power Pop (circa "Aerial") de "La respuesta es fácil" y gemas de ese otro buen disco que fue "Juguetes para olvidar" (suenan "Sembrar, sembrar" y "El Espejo (reflejo II)".

"Singles + Covers + Rarities": la puerta de entrada para entender quiénes eran los Massacre allá lejos (aunque no hace tanto tiempo).

Antes que termine el día...

2011-11-22T21:58:00.000-03:00

...Feliz Día de la Música para todos los amigos Ultravividos.

Discos: Pomme fritz (The Orb, 1994)

2011-11-21T19:02:00.001-03:00

De las muchas metamorfosis de los británicos The Orb, "Pomme fritz" es una de las favoritas de la mansión Ultravivido. Al menos, cuando entra en su modalidad Techno Ambient.

Y es que este "pequeño álbum" grabado para el sello Island (en realidad, un EP dedicado a la gastronomía) todavía sigue hablando nuevas lenguas sin agotarse. Continúa abriendo fronteras, dejándonos librados a nuevas aventuras sonoras (desde siempre, el secreto de la mejor música Ambient).

Editado en 1994 después del descomunal artificio que fue "UF.Orb" y el doble en vivo "Live 93", "Pomme fritz" pareció liberar barreras rítmicas y las estructuras entre temas. De ahí su secreto: las fronteras son difusas, y como oyentes nos perdemos en el interior de estos fantásticos 41 minutos.

Los aires Dub de "Pomme fritz (Meat ´n veg)" nos meten suavemente en ambiente, pero a partir de "More gills less fishcakes" el clima empieza a enrarecerse con silencios, espacios de dudas, sonidos inciertos que parecen remitir al seminal Eno- Byrne de 1981.

Para "We´re pastie to be grill you" ya no sabemos si estamos ante un ejército de extraterrestres desbocados o ante duendecillos con ataque de verborragia. Toneladas de extraños samplers pasan de canal en canal, ruidos atmosféricos, alucinaciones sin origen preciso. Para no ahogarse en semejante abstracción sonora, el disco recupera espacios de música más "convencional", si se quiere, a la altura de "Bang´er n´chips" (una flotación noctámbula magistral) y la interespacial "Alles ist schoen".

Island pareció bastante decepcionada con este primer trabajo de los The Orb para el sello y Alex Paterson los acusó de "no entenderlo". Al año siguiente el grupo grabaría el expansivo "Orbus Terrarum" y en 1997 otro gran álbum, "Orblivion". Hasta allí, los años dorados de los capitanes más inspirados de la electrónica de los 90.

The Orb 1994

Alex Paterson, Kris Weston.

Discos: Automatic (The Jesus and Mary Chain, 1989)

2011-11-18T10:08:00.002-03:00

Los Jesus and Mary Chain tuvieron unos primeros años de altísimo nivel. Con "Psychocandy" (1985) renovaron el uso de las guitarras y actualizaron a la Velvet cruzándola con Ramones y Beach Boys, más el Wall of Sound de Phil Spector y toneladas de Fuzz y Distorsión.

Como si eso fuera poco, siguieron con un disco de pop otoñal y canciones atemporales, de las más bellas de su catálogo, en el insuperable "Darklands".

En 1989 soltaron su amor por Norteamérica y se salieron con un tercer disco rutero y rockero. Pero rockero a la manera oscura de los Jesus, está claro. "Automatic"- de él hablamos- es rock valvular, aunque con los condimentos habituales que siempre le imprimieron a su música los hermanos Reid: mucha melodía (capas y capas de ellas, superpuestas al servicio de la canción) y esos aires Dark que siempre sobrevolaron su sonido.

El primer cuarto del set no tiene desperdicio, creciendo en intensidad hasta el climax del single "Blues from a gun". Pero antes tenemos una bien rutera con "Coast to coast". ¡Para acelerar motores al mango! El amor incondicional por Ramones/ Beach Boys dice presente en dos temazos: "Between planets" y "Head on" (años más tarde, como todos sabemos, versionada por los Pixies). Ambas, de una concentración pop suprema. Melodías y más melodías como para cantar un día entero. Y seguir subiendo el volumen.

Tal vez al disco le falten algunos matices, es cierto. Pero en cuanto a energía, es una patada directa a la yugular.

Jesus and Mary Chain

William Reid, Jim Reid.

Discografía completa

Psychocandy (1985) Darklands (1987) Automatic (1989) Honey´s dead (1992) Stoned and dethroned (1994) Munki (1998).

Discos: International pop overthrow (Material Issue, 1991)

2011-11-16T16:42:00.000-03:00

Power Pop para días soleados

Los de 35 o más tal vez se acuerden de la altísima rotación que a comienzos de los 90 algunas cadenas de videos le dieron a "Valerie loves me", el mayor hit de los Material Issue.

A la distancia, unos simpáticos (y bastante solitarios, por cierto) exponentes del Power Pop en aquel comienzo de década todavía dominado por Phil Collins y donde la gran noticia "alternativa" era la movida de Madchester.

Estos tres carilindos oriundos de Chicago se formaron en 1985. En 1991 llegaron a su lp debut y luego continuaron editando discos hasta que el suicidio de su cantante, Jim Ellison, puso fin a la banda hacia 1996.

Pero aquel disco debut tenía sus buenos momentos y la frescura por delante, sobre todo en la descarga inicial y urgente de "Valerie loves me" y la perfecta canción pop "Diane" (que también tenía su clip rotando por allí). Guitarra, bajo, batería, sonido limpio y melodías cristalinas al frente. Power Pop, sin ir más lejos.

Ese estado de gracia inicial se extiende un poco más hasta "Renee remains the same" (si, les gustaba usar muchos nombres de chicas para las canciones) aunque decae un poco en las baladas. Por suerte el grupo recupera energía con otros buenos momentos powerpoperos en "Crazy", "Out right now" o "Chance of a lifetime".

OK: "International pop overthrow" nunca estará en las listas de los grandes discos de todos los tiempos, pero crece con cada escucha. Tiene canciones. Y le hace honor a ese género que tan nobles momentos nos dio a lo largo de tantos años.

Material Issue

Ted Ansani (bass, vocals) Jim Ellison (guitar, lead vocals) Mike Zelenko (drums).

Una letra

2011-11-15T11:17:00.006-03:00

Había habitaciones de perdón/ en la casa que compartimos/ pero el espacio se vació/ de lo que sea que estuviera ahí/ Había armarios de paciencia/ había estantes de cuidados/ pero quien quiera que llamó/ no encontró a nadie ahí.

Después de hoy, considerame ido.

Las rosas tienen espinas y las aguas brillantes lodo/ y el cáncer está al acecho en el más dulce brote/ Nubes y eclipses manchan la luna y el sol/ y la historia apesta a las equivocaciones que hemos tenido.

Después de hoy, considerame ido.

Pasé muchos años en guerra conmigo mismo/ el médico me dijo que no es bueno para mi salud/ Buscar la perfección está muy bien/ pero buscar el cielo es vivir en el infierno aquí.

Después de hoy, considerame ido.

Discos: Fried (Julian Cope, 1984)

2011-11-14T10:12:00.000-03:00

Qué difíl es hablar de Julian Cope. Inconformista consigo mismo y exigente con el oyente. Inclasificable. Aparentemente disperso, aunque consecuente. Y con una originalidad a prueba de balas (sus mejores discos, hay que reconocerlo, se parecen sólo a sí mismos).

De algo estamos seguros: que la música pop entendida por Julian Cope es un hecho artístico y una búsqueda espiritual. Y que la aventura del sonido no se acaba nunca para él.

Entre sus grandes discos es probable que "Fried" sea el más asombroso. Editado en 1984 (hay que retener ese dato) y apenas seis meses después de su lp debut post- Teardrop Explodes "World Shut Your Mouth", "Fried" echó por la borda los intentos de la prensa mainstream británica por seguir teniendo entre sus protegidos a "la gran esperanza de los 80". A todos ellos, Julian pareció dedicarles un gran "fuck" con este disco. Por empezar, desde esa extrañísima foto de tapa convertido en hombre- tortuga en la cima del Alvecote Mound.

Decíamos que era importante retener la fecha de edición de "Fried" porque, vamos ¿a qué otra cosa de aquella época se parece o suena este disco? Absolutamente a ninguna. Es más, su dislocamiento, su mezcla de estilos y la libertad de sus formas bien podrían prefigurar lo que el mercado denominaría una década más tarde como "Alternativo".

Para muestra basta escuchar el comienzo del álbum, "Reynard the Fox", con sus cambios y líricas de inspiración folk contando una matanza de zorros pero desde la perspectiva de la víctima, todo sobre magníficos acordes y reversas. Una hermosa locura. Hay algunos guiños levemente más "pop" para balancear la escucha: "Bill Drumond said" (dedicada al célebre ex productor de los Teardrop Explodes) la bellísima "Holy love" o el single "Sunspots" con sus oboes infinitos del final.

Intercalados, otros experimentos notables: "Laughing boy" anticipa esos mantras hipnóticos vía Syd Barrett que Cope seguiría explorando en "Jehovakill" (1992) o "Peggy suicide" (1991). "O King of Chaos" y sobre todo "Search party" combinan lo acústico con arreglos de cámara de forma sumamente original. Las letras, bueno... Aquí ya empezaban a asomar los intereses místicos del Druida Cope, combinados con metáforas sobre la religión y otros temas crípticos.

Como dato, "Fried" fue un fracaso de ventas y Polygram deshizo su contrato con Julian, que a partir de allí continuó dando nuevos volantazos a su carrera -y asombrándonos como oyentes- desde Island Records.

Julian Cope- discografía cercana
World shut your mouth (1984)- Fried (1984)- Saint Julian (1987).

Los videos de La Javanaise

2011-11-11T21:27:00.000-03:00

Como VJ residente de Ultravivido, La Javanaise les desea un buen fin de semana. En este caso con los imbatibles Stray Cats en vivo, haciendo su clásico "Rock this town" en el show de tv "Fridays", 1981. ¡Todos a bailar!

Discos: Coming up (Suede, 1996)

2011-11-09T12:05:00.000-03:00

Un primer disco que sacudió el Reino Unido a puro Retro Glam andrógino. Un segundo lp majestuoso y lleno de pretensiones orquestales que terminó con el alejamiento de una pieza clave, el guitarrista Bernard Butler.

En todo sentido, "Coming up" fue un disco importante para los Suede. ¿Podrían recuperar la primera plana que habían acaparado allá por 1993, cuando aparecieron?

De la prueba salieron airosos. La clave: excelentes canciones, más al grano que las del fastuoso "Dog man star". Algo así como una vuelta a los orígenes, sin abandonar ese costado altanero y sofisticado que tan bien les calzó desde siempre a los de Brett Anderson. "Quisimos hacer el álbum opuesto a "Dog man star" declaró alguna vez el cantante. "Un disco pop con diez hits".

Dejando de lado la anécdota de que el disco funcionó mucho mejor que su predecesor y que les abrió la puerta a nuevos mercados, el objetivo se cumplió. "Thrash" es un comienzo directo - ya desde su golpe de batería- con gancho pop inmediato. El nuevo guitarrista (de apenas 17 años) Richard Oakes no hizo extrañar demasiado a Butler y además funcionó como partner compositivo de Anderson, que saca su chapa de desencantado del Glamour y los yuppies británicos en "The beautiful ones" y "She". Ahí tenemos a un letrista subestimado de la camada Brit de los 90.

Todos los condimentos que hicieron grande a los Suede están presentes, por supuesto, en "Coming up": grandilocuencia sustentada en buenos temas, actitud arrolladora, Charme, feeling urbano y drogón, guitarras al frente, un gran y carismático cantante...En fin, muchas aristas para definir a una de las últimas grandes bandas en la vieja escuela británica glamorosa, aquella que pocos siguieron tras los pasos de Roxy Music y Bowie.

"Filmstar" es arrolladora, "Lazy" trepa a un estribillo inolvidable, "Saturday night" es épica y teatralmente romántica... Definitivamente, cuando los Suede se concentraban en hacer grandes temas, casi siempre resultaban insuperables.

Suede- discografía cercana
Dog man star (1994)- Coming up (1996)- Head music (1999).

Discos: Japanese whispers (The Cure, 1983)

2011-11-07T11:17:00.007-03:00

Unos The Cure para la hora del té.

Hay un antes y un después de 1982 para la carrera de The Cure. Por empezar, durante la gira de presentación de "Pornography" las tensiones al interior del grupo crecieron de tal manera que terminaron con la salida de filas del bajista Simon Gallup.

Reducido ahora a dúo (Robert Smith y Lol Tolhurst, que pasó de la batería a los teclados) el grupo comenzó a maquetar una serie de temas que poco tenían que ver con la densidad de su trilogía esencial ("17 seconds", "Faith" y el mismo "Pornography") y que de alguna manera inauguraron el costado pop de su carrera.

Editado a fines de 1983, "Japanese whispers" recopiló los singles publicados por el grupo desde noviembre del 82, incluidos sus respectivos "Lados B" (de hecho, sólo falta "Mr. Pink Eyes", segunda cara de "The lovecats" que años más tarde aparecería en la indispensable caja "Join the dots").

Lejos del minimalismo claustrofóbico de los álbumes anteriores, acá Smith y Tolhurst parecen divertirse de lo lindo incursionando en los terrenos del Synth Pop tan en boga por aquellos años. "The Walk" (un primo cercano de "Blue monday") "Let´s go to bed" y "The lovecats" (probablemente inspirada en la lectura de "The vivisector", una novela del escritor australiano Patrick White en la que esos pequeños gatitos son la metáfora de los amantes tiernos y frágiles) se transformaron con los años en clásicos pop inoxidables, cada uno con videoclips imperdibles, llenos de surrealismo y psicodelia infantil, al igual que las letras. Un as en la manga de Robert Smith para abrir el caleidoscopio musical de la banda de allí en más.

Pero el disco también funciona en los restantes temas, logrando un balance de lo más agradable y acercándonos a unos The Cure para la hora del té. Ahí están los ritmos saltarines de "The upstairs room" con sus tecladitos fantasmales, el clima ominoso de "Just one kiss" (con las igualmente enigmáticas líneas "I remember the time that you rained all night/ The queen of Siam in my arms/ Remember the time that the islands sank/ But nobody opened their eyes") y los aires jazzeados de "Speak my language". Los fans del lado "oscuro" y torturado de los Cure tienen su momento en la melancolía de "La ment", una pequeña joyita oculta.

Con el resultado puesto y el éxito posterior sería fácil decir que "Japanese whispers" fue una "jugada maestra" de Smith, pero en aquel 1982 fue un salto arriesgado: el grupo finalmente había logrado el reconocimiento en base a su estilo oscuro y sofocante y la desconfianza de Fiction, el sello grabador, era lógica. En un primer momento el disco fue pensado únicamente para el mercado japonés.

Sin embargo, la puerta que abrieron estos singles fueron de un valor extraordinario para balancear el sonido y la paleta de humores de The Cure. Además de una lección inolvidable de cómo utilizar el pop para transmitir tu mensaje y tu universo sin perder identidad. Por último, estos "susurros japoneses" inauguraron un camino que los Cure transitaron con maestría de allí en más: el formato single para temas pop variados y valiosos en sí mismos, más allá de su inclusión en los respectivos lps.

The singles (nov. 82- nov. 83)
"Let´s go to bed" (15 nov. 82). B Side: "Just one kiss".
"The walk" (27 jun. 83). B Sides: "The dream", "La ment", "The upstairs room".
"The lovecats" (15 oct. 83). B Side: "Speak miy language", "Mr. Pink Eyes".

The Cure 1982-1983

Robert Smith, Lol Tolhurst, Andy Anderson, Phil Thornaley.

Discografía cercana

Pornography (1982)- Japanese whispers (1983)- The Top (1984).

Saturday night soundtrack!

2011-11-05T20:30:00.000-03:00

WAR, Marvin Gaye, The Emotions, The Commodores, Walter Egan, ELO & others.

Boogie Nights!

Los videos de La Javanaise

2011-11-05T10:38:00.000-03:00

Jam Session! Choque de planetas! Cuánto talento! Marc, Elton & Ringo haciendo de las suyas...

Gainsbourg discographie: Du jazz dans le ravin (1997)

2011-11-03T20:00:00.000-03:00

En 1997 el sello Phillips editó otra exquisita recopilación del gran Gainsbarre, en este caso enfocada en los tracks más jazzeros de su discografía. Muchos vibrafones, climas de cine clase B y por supuesto, París de noche.

"Du jazz dans le ravin" -de ése disco hablamos- incluye 17 temas. Poco más de 45 minutos de música para fumar, para beber y, en fin, vivir la Vie en Rose. Pero con Serge Gainsbourg.

El setlist no tiene desperdicios, combinando música de películas, instrumentales y jazz de salón. Del notable 10" "N°4" (1962) suenan la noctámbula "Black trombone" y los aires fumones de "Intoxicated man", un clásico de la chanson en las nubes. Más clásicos con "Chez Les Yé-Yé" (del lp "Confidentiel") y hasta un poco de locura free jazz en los primeros compases de "Coco and co". ¿Algo de Hammonds en plan funk/ jazz? "Requiem Pour Un Twisteur".

Los instrumentales vienen de maravillas, dándole aire al set. Ahí están "Angoisse" (editada en 1960 como soundtrack de la película "L'Eau À La Bouche"); ese jazz de persecución de autos que es "Wake me at five" y la flotación entre xilofones de "Some small chance", ambas del film de 1963 "Streap tease".

Elegancia, Bourbon y Gitanes. La combinación perfecta para una de estas noches primaverales en Buenos Aires.

Chequear también:
* Miles Davis, Ascenseur pour l'échafaud (1957).
* Martin Denny. Exotic sounds from the silver screen (1960).
* Serge Gainsbourg, Cannabis (1970).

Rock and roll roots: Singin´to my baby (Eddie Cochran, 1957)

2011-11-02T17:04:00.000-03:00

Eddie Cochran personificó la contradicción de los rockeros de los 50´s: en una canción podía sonar políticamente correcto y apto para las amas de casa y al tema siguiente encarnar el demonio hecho juventud.

Había nacido en Albert Lea, Minnesota, en 1938 y siendo todavía un crío aprendió a tocar la guitarra. Su primer amor fue el Country, hasta que un día escuhó a Bill Haley and His Comets y el mundo se le puso patas para arriba.

Alguna vez declaró que su cantante favorito era Little Richard y que su artista favorito del sello Sun era Carl Perkins (el Rey, al parecer, figuraba muy abajo en su lista). Su forma de tocar la guitarra y su look enfundado en cuero influenció a gran parte de la generación posterior de estrellas de rock, desde The Beatles hasta los Who.

En julio de 1956, Cochran grabó su primer sencillo para el sello Crest, "Skinny Jim" y en septiembre de ese mismo año consiguió un contrato con una escudería de mayor renombre, Liberty. La suerte estaba de su lado y hasta consiguió un cameo en la película "The girl can´t help it", donde interpretó uno de sus primeros e inoxidables hits, "Twenty Flight Rock".

Con este viento de cola, Eddie entró a los estudios y entre mayo y agosto de 1957 registró las canciones que irían a parar a "Singin´to my baby", su primer lp. El caballito de batalla fue el single "Sittin´in the balcony". Con el respaldo de Liberty el tema llegó al puesto 18 de Billboard, y empujado por este éxito Cochran quiso componer material propio. Así escribió "One kiss", un mid tempo que encendió especialmente a sus féminas seguidoras pero que no trascendió en los charts.

El por qué de tantas baladas dentro del setlist de este primer álbum se debió a la presión del sello grabador. Cuenta Sharon Sheeley (compositora y más tarde confidente y novia de Cochran) que Eddie peleaba constantemente para que lo dejaran grabar blues. Pero la compañía se negaba argumentando que "no era comercial". El mismo tira y afloje de siempre, ya desde los inicios mismos del rock and roll.

Así y todo, "Singin´to my baby" tiene un valor especial, ya que fue el único disco que Cochran editó en vida. En 1959, shockeado por la muerte de sus amigos Buddy Holly, Ritchie Valens y J.P. Richardson grabó en su homenaje la canción "Three stars". Catorce meses después, en abril de 1960, Eddie moría en un accidente de autos en Inglaterra. Tenía 21 años.

Eddie Cochran, "Singin´to my baby"

Edited: nov. 1957.
Label: Liberty Records.
Produced by: Simon Jackson.

Personnel: Eddie Cochran (guitars, ukelele, vocals) Perry Botkin (rhythm guitar) Connie "Guybo" Smith (double bass) The Johnny Mann Chorus (backing vocals).

Discos: Emotional rescue (The Rolling Stones, 1980)

2011-10-31T14:05:00.004-03:00

Los Stones venían de lidiar con los problemas legales (de drogas) de Keith Richards en Toronto, lo que le hubiera implicado algunos años tras las rejas al guitarrista.

Hacia 1978 e instalado en New York, Mick Jagger pareció absorber a pleno la influencia de la ciudad (en plena eclosión del Punk y el Disco) para armar los temas que fueron a parar al revitalizante "Some girls". "En esa época -explicó Mick en una entrevista histórica para la Rolling Stone- el negocio era tocar rápido". Y eso se notó en la urgencia cruda de "Some girls", desde ya.

En la misma entrevista Jagger cuenta que "Emotional rescue" se armó con los descartes de aquel disco. Grabado entre las Bahamas y Paris -más algunos agregados registrados en New York a fines del 79- el álbum siguió explorando en terrenos Funk, algo de Disco, un puñado de rocks básicos y un par de baladas. En el balance "Emotional rescue" aprueba. Y sigue siendo uno de los discos de los RS que mejor funcionan de corrido.

"Dance (pt. 1)" es un funk à la Stone con todos los condimentos: base arrastrada de Charlie Watts y Bill Wyman, buenas guitarras y yeites funkeros de Keith y Ronnie Wood (que fue sumado a los créditos) más el agregado de unos pocos y sutiles bronces. Al core de la banda se le sumaron los colaboradores habituales: los tecladistas Nicky Hopkins y Ian Stewart, los saxos de Bobby Keys y el armoniquista Sugar Blue.

"Summer romance" es un clásico rock rápido y ajustado para levantar el set, antes de ese simpático reggae/ funk que es "Send it to me" y otro punto sólido con "Let me go". El disco flaquea por el medio con algunos rellenos (la balada "Indian girl" con sus mexicanísimas trompetas y la intrascendente "Down in the hole"). "Where the boys go" es otro rock de manual heredado de "Some girls" y el disco tiene otro repunte con dos clásicos al hilo: "Emotional rescue" (que funcionó como lead single) y "She´s so cold".

Aprovechando el aventón del Disco, "Emotional rescue" la pegó de entrada, dándole a los Stones su primer número en Inglaterra desde "Goats Head Soup" en 1973. La tapa- diseñada por Peter Corriston- contenía una serie de fotos termográficas, la misma técnica que se usó para filmar el clip de "Emotional rescue".

Rolling Stones 1980

Mick Jagger, Ronnie Wood, Charlie Watts, Keith Richards, Bill Wyman

Discos: Taking drugs to make music to take drugs to (Spacemen 3, 1990)

2011-10-27T16:09:00.003-03:00

Sólo tenemos loas para los Spacemen 3. Simplemente, porque el rock debería ser siempre así. Como lo entendían Jason Pierce y Peter Kember en sus comienzos.

Formados en 1982 en la ciudad de Rugby, Inglaterra, estos muchachos buscaron desde sus inicios unir el rock más físico y electrificado de The Cramps/ Stooges (más una buena dosis de Velvet Undergound) con las aventuras interespaciales de Pink Floyd y derivados. Como lenguaje, eligieron una estructura minimalista herencia directa de los Suicide (a los que dicho sea de paso siempre citaron como influencia).

Con esos padres creativos la cosa no podía andar mal. Pero los buenos no siempre ganan y el grupo jamás disfrutó del éxito ni la aceptación masiva. Más bien permaneció en la órbita de sellos pequeños e independientes, ganándose una fama aceptable como grupo de culto (luego Piece saltaría al reconocimiento con Spiritualized).

Y es que, bien mirada, la música de Spacemen 3 -valvular y críptica, en contacto con las grandes líneas de la psicodelia y el Drone Rock- siempre pareció destinada a unos pocos. Huele a cuevas para melómanos. Esos cuelgues ensimismados y derivativos, sombríos, "todo mal", parecieron siempre en sintonía con la asocialidad distante y cínica de los buceadores de tiendas de discos. Los que eligen grupos y discos lejos de las listas y rankings para bobos.

Para no extendernos demasiado, hoy en Ultravivido nos damos un baño de Fuzz, trémolos y estática con lo que fueron aquellos iniciáticos "Northampton Demos" grabados en 1986 y editados en vinilo por el sello Father Yod en 1990 como "Taking drugs to make music to take drugs to" (apenas una muestra más de la afición de estos muchachos por el consumo recreacional y artístico de drogas). En apenas tres días la banda registró en vivo, casi sin sobregrabaciones, varios temas que luego formarían parte de su lp debut, "Sound of confusion" y su pico creativo, el fantástico "The perfect prescription" ("2:35", "Feel so good", "Hey man", entre otros).

Para algunos críticos (y hasta para los propios Pierce y Kember) las versiones incluidas aquí son más ásperas y atractivas que las que finalmente fueron a parar a los álbumes, pero eso es cuestión de gustos. Aún con sus imperfecciones (o tal vez debido a ellas) el disco atrapa, no por otra cosa sino por el amor que tenian Pierce y compañía por el cuelgue y el trip sostenido.

No vamos a hablar de cada track en detalle. Simplemente dejarles la invitación a sumergirse, una tarde de estas, en este baño de golpes electrificados, tumulto, Confusión y oleadas de fuzz orientadas a la galaxia, en esta maravilla irrepetible.

Spacemen 3 discografía (lps)
The sound of confusion (1986)- The perfect prescription (1987)- Playing with fire (1989)- Recurring (1991).

Discos: See this through and leave (Cooper Temple Clause, 2002)

2011-10-26T13:00:00.000-03:00

Junto con los At The Drive- In y Queens of the Stone Age, los británicos Cooper Temple Clause trataron de innovar en los tardíos 90 y comienzos de los 00 el rock de inspiración valvular y riffs densos. Es cierto, fueron más que eso. E igual de cierto que su estela se apagó demasiado pronto.

Oriundos del pequeño pueblo de Workingham, Berkshire, en el sureste de Inglaterra, este sexteto se formó en 1998 y grabó tres discos hasta que en 2007 se disolvieron en la nebulosa. Como muchas veces sucedía con su música. Una amalgama de drone- rock de escuela Sabbathiana con leves toques de electrónica, ambiente psicodélico y hasta ciertos guiños al Brit Pop de los 90.

¿Los mejores momentos de los Cooper Temple? Cuanto más oscuros, drogotas y enrevesados sonaban (muchos de esos pasajes coloreados con cositas electrónicas aquí y allá aportan lo más interesante). Los peores: cuando parecen deberle algo a los Oasis, incluida su estética ¿Para qué? nos preguntamos. ¡Ojala se hubieran olvidado de los Gallagher y se hubieran pegado más a los At the Drive- In!

Lo mejor que entregó el grupo fue su primer largo, "See this through and leave", de 2002. Soniditos electrónicos alucinatorios le dan comienzo al clima reptante de "Did You Miss Me?" hasta que todo queda suspendido en el aire para dejarnos sin aliento, previo al estallido y la resolución. Música de vúmetros en rojo. "Film maker" saca la mejor herencia Stooge con grandes giros melódicos y "Panzer attack" es tremenda: como si los Primal Scream -ya que venimos hablando de ellos- se volvieran Stoners con inspiración metálica.

Y si tenemos paciencia, esos mantras empantanados como "Digital observations", "The lake" o "555-4823" (más en la veta de unos Death in Vegas) pueden darnos alguna recompensa. Sin embargo el plato fuerte acá es "Been Training Dogs": un vals saturado de estática. Otro de vúmetros en zona de peligro.

Discografía de Cooper Temple Clause (1998-2007):

* See This Through and Leave (2002)
* Kick Up The Fire, And Let The Flames Break Loose (2003)
* Make this your own (2007).

Noches galas...con Henri Salvador

2011-10-25T20:26:00.000-03:00

Mientras preparamos nuestra omelette de alcauciles, queso y tomate y descorchamos algún Cabernet Sauvignon dejamos correr estas viejas y encantadoras canciones de Henri Salvador cosecha 1943-1948.

Henri Salvador, Une chanson douce (Milan Records, 2008).

Discos: Angles (The Strokes, 2011)

2011-10-23T23:55:00.001-03:00

Ya en el fallido "Room on fire" (2003) los Strokes daban señales de estar asfixiándose con tanta presión alrededor por eso de ser la Gran Banda Nueva Que Venía a Salvar el Planeta. Luego, un tercer disco apenas aceptable ("First impressions of earth") y el parate obligado para atender proyectos solistas y obligaciones familiares. Y de paso, descomprimir la banda.

De vuelta en la ruta, los chicos cool de New York se salieron con un auténtico disco de laboratorio (hasta tal vez un tanto claustrofóbico por momentos) con foco en los sintetizados 80. Es cierto, "Angles" puede pecar de cierta falta de peso (le faltan más temas buenos) pero tiene algo en ese audio y en esa construcción sintética que lo vuelven fresco y entretenido.

Y en algún punto, suena como una patada al tablero. Un "hagamos lo que querramos mientras esto dure".

Los momentos de máxima experimentación (a diferencia de los discos anteriores la autoría musical se anotó para el grupo a pleno en lugar de Julian Casablancas) se esconden en mitad del set, a la altura de la espacial "Games" o la dadaísta repetición de "Call me back".

Luego, salen a flote los guiños strokeanos ("Under cover of darkness", la redondita "Gratisfaction" y "Taken for a fool"). "Machu Picchu" es un funk mutante y galáctico con una dinámica irresistible y "Life is simple in the moonlight" sorprende por su belleza lunática y noctámbula.

The Strokes

Julian Casablancas, Albert Hammond, Jr, Nick Valensi, Nikolai Fraiture, Fabrizzio Moretti.

Discos: Sundowner (Eddie Spaghetti, 2011)

2011-10-20T14:38:00.001-03:00

Género: fin de semana de camisa y sombrero.

Amigos, la espera terminó. Gracias a la data del amigo Copetín (con el que inauguramos oficialmente los posteos "en stereo") ya suena en nuestros equipos "Sundowner", nuevo disco de nuestro héroe rutero Eddie Spaghetti.

Doce canciones, entre propias y varios covers (como suele ser la costumbre del bajista de Supersuckers) inequivocamente para camisas leñadoras, sombrero y camioneta. Un saludable hábito de vida, vaya que sí.

Editado por Bloodshoot Records (¿tendrá edición local en Argentina?) y grabado en los estudios Litho de Seattle, "Sundowner" insiste en la veta del fantástico "Old N°2" (2005) mezclando Country Rock, espíritu acústico y canciones a diestra y siniestra. Apenas 33 minutos -lo que deber durar un buen disco- ideales para dejar correr en un bar. Desde siempre, la especialidad de la casa.

Con su declaración de principios bien al comienzo ("No necesito a nadie/ me siento bien conmigo mismo") "Never thought I would" gana con cada escucha y los pies se mueven solos con "Girl on the Billboard" ¡Qué bien llevado ese ritmo! Como leímos en algún lugar, Eddie graba discos como si se hubiera pasado de casualidad por el estudio con unos temitas y la guitarra. Así de natural le sale.

¿Quieren canciones con sentimiento? Ahí están las versiones del tema de Steve Earle "If you fall in love" y del clásico "Always on my mind", despojada al máximo. Pero a no mariconear: levantamos con las fiesteras "Party dolls and wine", "Everybody´s girl", "Cowboy boots" y "What do I care", original de Johnny Cash. Si lo tuyo es cantar con una pinta de cerveza en alto, subí el volumen para "Jesus never lived on Mars", de la Lee Harvey Oswald Band y tu fin de semana va a estar OK.

Personnel
Eddie Spaghetti (vocals, acoustic guitar, electric guitar) Metal Marty Chandler (guitar, background vocals) Scott Churilla (drums, percussion, background vocals).

Discografía

Sauce (2004)- Old No.2 (2005)- Sundowner (2011).

http://www.supersuckers.com/
http://www.bloodshotrecords.com/artist/eddie-spaghetti

Jazz nights: She was too good to me (Chet Baker, 1974)

2011-10-19T22:30:00.000-03:00

Estas noches primaverales parecen hechas para escuchar a Chet Baker.

"She was too good to me" fue algo así como un "come back record" para Chet. Grabado en 1974 junto a músicos de la chapa de Ron Carter, Paul Desmond, Dave Friedman y Jack DeJohnette entre otros, el disco implicó para muchos el "regreso en forma" de Baker desde aquellas sesiones de 1965 para Prestige.

Como sea, el set tiene sus momentos. Abre con un correcto "Autumn leaves"- cosa de pisar sobre terreno firme- y enseguida cae en esos terrenos lánguidos con Chet en voz ("She was too good to me"). La cosa empieza a levantar vuelo a la altura de la elegante "Funk in deep freeze", con Baker comandando la música entre nubes y mantiene el flow con "Tangerine" (tal vez lo mejor del disco, sin tanto ornamento y entregada al swing).

Se nota que esta pulcra producción - a cargo de Cecil Taylor, con quien el trompetista inició una fructífera colaboración de allí en más para CTI Records- quiso mostrar las distintas facetas de Baker. Cada oyente, por supuesto, se quedará con aquellas que más le gusten.

Personalmente, en UVVD siempre nos aburrió un poco el Chet cantante y su etiqueta "For lovers", así que salteamos "With a song in my heart" o la balada de Irving Berlin "What I´ll do" para escucharlo swingear un rato más a caballito de "It´s you or no one". En el balance, el disco aprueba.

Recorded on July 17, October 13, November 1, 1974, Van Gelder Studios, New Jersey.

Discos: Mink, rat or rabbit (The Detroit Cobras, 1998)

2011-10-19T12:50:00.001-03:00

Género: Retro Garage Rock para sacudir el día.

Provenientes de Michigan y haciendo honor a su ciudad natal, los Detroit Cobras parecen tener una única idea en mente: divertirse tocando covers de clásicos de los 50´s y 60´s en plan retro-Garage Rock. Dicho así, la idea puede sonar un tanto descarada, pero en vistas a los resultados el grupo sale bien parado.

Fichados inicialmente por el sello Sympathy for the Record Industry (luego pasaron brevemente por el británico Rough Trade) este quinteto liderado por dos chicas (Rachel Nagy y Mary Ramirez) lleva editados a la fecha cuatro lps y un puñado de singles.

Hoy en Ultravivido conectamos con su primer larga duración, "Mink rat or rabbit", de 1998. Dentro de un setlist directo y al grano (apto para musicalizar cualquier fiesta que se precie de tal) tenemos varios pulgares arriba: la rápida relectura de "Summer (the slum)", original de The 5 Royales; la perfecta combustión eléctrica de "I'll Keep Holding On", de The Marvelettes, y sin respiro (y para seguir homenajeando a grupos de chicas) una gran versión del "Putty (In Your Hands)", de The Shirelles.

Una frutilla más: el cover de "Midnight blues", de Charlie Rich.

The Detroit Cobras

Rachel Nagy (Vocals)- Maribel Ramirez (Guitar/Vocals)-Steve Shaw (Guitar/Vocals)- Jeff Meier (Bass)- Damian Lang (Drums/Vocals).

Discografía

Mink Rat or Rabbit (1998)- Life, Love and Leaving (2001)- Baby (2005)- Tied & True (2007).

Soundtracks: Morvern callar (2002)

2011-10-17T13:30:00.002-03:00

Primero fue la novela del sueco Alan Warner, publicada en 1995. En 2002 otro sueco -el director Lynne Ramsay- llevó "Movern Callar" al cine para contar el viaje que emprende una chica tras el suicidio de su novio: un escritor que a modo de legado le deja su primer novela inédita y un puñado de canciones grabadas en casete.

Esas canciones -casi siempre sonando en los auriculares de Morvern- forman parte de uno de esos soundtracks que son como una caricia y un guiño para los melómanos de ley.

Climática y europea, tragicómica y siempre abierta, la película gana en diversos pasajes con mucha presencia de CAN ("I want more", "Spoon") y Holger Czukay, seguidos por Stereolab y Aphex Twin, además de los favoritos de Ultravivido Broadcast ("You can fall") y los paisajísticos Boards of Canada, con la flotante y bellísima "Everything you do is a balloon".

Como gemitas sueltas, algo más de Velvet (la colgada "I´m sticking with you", un outtake editado en "VU") y el clásico de Nancy Sinatra y Lee Hazlegood "Some velvet morning", para una inolvidable escena de resaca lisérgica en el supermercado.

Movern Callar (Alliance Atlantis/ BBC Films, 2002). Directed by Lynne Ramsay.

Videos: What´s going on/ What´s happening brother (Marvin Gaye live)

2011-10-06T20:26:00.001-03:00

En Buenos Aires no para de llover y vamos, quien no pagaría por tener la elegancia de Marvin Gaye en la célebre portada de "What´s going on", con su impermeable de cuero y su camisa y corbata en composé.

Aquí Marvin en una versión live de "What´s going on". Nueve minutos flotando entre la música, cantando en una galaxia superior, en concierto en 1973. Enjoy it SoulBros!

Discos: 13 (Lee Hazlegood, 1972)

2011-10-05T18:57:00.002-03:00

Si hay un disco canchero, suelto y sin vueltas, ése es "13", de Lee Hazlegood.

Está bien: no rankeará al mismo nivel "de culto" que sus producciones con Nancy Sinatra. Y probablemente no alcance el rango de otros discos solistas de Lee como "Cowboy in Sweden" o "Trouble is a lonesome town". Pero en apenas 25 minutos, "13" nos regala un rato de música pasajera de la mejor.

De hecho, esas fanfarrias de trompetas que decoran todo el set sólo las podemos perdonar si van acompañadas de ese baño de crema que es el barítono de nuestro héroe. "You look like a lady" y "Ten or Eleven Towns Ago" van a todo vapor, mitad funkys, mitad Music Halls de baja estofa. El gancho, sin dudas, pasa por ese mix de música con empuje y la voz cansina, casi fumada de Lee.

Para "Tulsa sunday" y el blues "Toocie and the River" ya copan la parada los climas de cine Clase B y de Boîte. Salvo un par de excepciones, los temas apenas superan los dos, tres minutos. El fade out se encarga de llevarse la música a otra parte. 25 minutos que dejan siempre con ganas de más.

Chequear también:
Lee Hazlegood, Cowboy in Sweden (1970) Nancy & Lee (1968) Lee Hazlegood, Requiem for an almost lady (1971).

Discos: Apple Venus 1 & 2 (XTC, 1999/ 2000)

2011-10-04T14:54:00.002-03:00

Género: el Canto de Cisne de los XTC.

Entre 1999 y 2000 los legendarios XTC dijeron adiós con dos discos inspirados, rebosantes de música: el par "Apple Venus". Algo así como el Ying y el Yang de los talentos melódicos, Beatlescos y quintaesencialmente británicos de Andy Partridge y Colin Moulding repartidos en veintitrés canciones de pura exhuberancia pop.

Tal vez "Apple Venus" (1999) contenga más rasgos de genialidad en su tono reposado, casi de cámara. Para empezar, el crescendo de pizzicatos y polifonía orquestal de "River of orchids" es una delicia irrepetible. Entre voces que se multiplican con cada compás, la letra imagina un surrealista "retorno a la naturaleza" en medio de la ciudad ("I had a dream where the car is reduced to a fossil/ I heard the dandelions roar in Piccadilly Circus/ I want to see a river of orchids where we had a motorway").

"Easter theatre" exhibe más de esa habitual elegancia neoclásica de los británicos -ya probada en el excelente "Nonsush"- con unas melodías siderales (atención a la fantástica parte media del tema, allá por los dos minutos: pura flotación y pura música) y "Knights in shining karma" presenta un despojo poco habitual para el grupo. "I´d like that" remarca el tono impresionista con el que está armado todo el álbum.

La cita sargentpeppereana dice presente en "Frivolous tonight", uno de los dos temas que aportó Colin Moulding, antes del final lánguido de "The last balloon". Todas canciones de una orfebrería pop exquisita, como acostumbraban los XTC. Como dato, estas serían las últimas grabaciones de Dave Gregory con el grupo.

"Wasp star" (o "Apple Venus vol. 2") fue editado un año después, en 2000, ya sin Gregory. Un poco más arriba en intensidad (más guitarras, con el agregado de baterías) el disco es XTC en estado puro.

"Playground" es una maravilla pop circular, con todos los condimentos. Una canción completa, de comienzo a fin, para darle "repeat" y cantar todo un día. Y todos nos sentimos, sí, en felicidad plena con cada compás de "Stupidly happy": otra lección de como armar una rica ensalada con una idea simple, sumando elementos a medida que la música avanza. ¿Más pop para mañanas radiantes? Imposible no contagiarse con "The man who murder love" y los ritmos saltarines de "Standing in for Joe" y "We´re all light".

"Apple venus": pop radiante y curativo. Canciones que crecen con cada escucha y se quedan con nosotros para siempre.

Bonus:
En 2002 el grupo editó "Instruvenus", una versión instrumental de "Apple Venus vol. 1".

XTC are:
Andy Partridge, Colin Moulding, Dave Gregory.

Discos: The lost weekend (The Monochrome Set, 1985)

2011-10-03T14:24:00.002-03:00

Editado en 1985, "The lost weekend" arrastró con su fracaso comercial la suerte de los británicos Monochrome Set. De hecho, este cuarteto surgido del post punk y liderado por el carismático cantante nacido en India "Bid", decidió tomarse un largo descanso después de editar su cuarto disco.

Como sea, lo asombroso de los Monochrome pasaba por el desprejuicio con el que mezclaban estilos y por la frescura de su música. Indie Pop antes de que existiera esa categoría, World Music, Ska, son muchas las "etiquetas" que vienen a la mente para poder atraparlos en un estilo. Imposible.

Lo mejor, en todo caso, es entregarse con el mismo desprejucio a escuchar sus discos. Estas tardes de primavera pueden ser ideales, ya que "The lost weekend" tiene un poco de todo: el vals "Letter from Viola" simplemente se cuelga y queda flotando en una música que de tan tonta termina ganando por su belleza. Hay algo del romanticisimo "indie" de unos futuros Belle and Sebastian dando vueltas en el aire...

El single"Jacob´s ladder" es un lazo directo al costado más folk y Irish de los Dexys Midnight Runners con ritmo vertiginoso, coros y una energía 100% contagiosa. El grupo gana en vuelo musical con el instrumental "Take foz". "Sugarplum", por su parte, es un reggae con un estribillo pop simplemente irresistible. Atención al germen de los Vampire Weekend en "Don´t touch".

¿Qué lugar ocupaba esta música sensible y divertida en esos mid 80´s? Un misterio. Lo cierto es que su rastro puede detectarse en varios grupos actuales como The Kooks, los mencionados Vampire Weekend o Franz Ferdinand, entre otros.

Después de un largo break, los Monochrome Set se reformaron en 1990 y continuaron editando discos. En 2011 volvieron a reunirse para girar por Europa.

Monochrome Set 1985

Bid (voz y guitarras) Lester Square (guitarra, teclados, voces) Andrew Warren (bajo, voces) Lexington Crane (batería, voces).

Los videos de La Javanaise

2011-10-01T15:00:00.014-03:00

Por La Javanaise

Una de mis historias y conciertos favoritos. Corría el año 1974 y en Kinshasa, Zaire se realizaba uno de los más grandes acontecimientos en la historia del boxeo. Peleaba un tal Muhammad Ali, vetado y con algunos años, contra el por aquel entonces Campeón Mundial de los Pesos Pesados y favorito para ganar la pelea, un joven George Foreman.

Don King, el promotor y uno de los ideólogos de toda esta movida bautizó al combate como "Rumble in the Jungle". El final de la pelea es súper conocido; lo que nos interesa en este caso es el concierto que dio el gran James Brown días antes de la pelea (también estuvo B.B. King, entre otros). Se dice que el padrino del Soul ni bien terminó de tocar se fue y dijo dijo: “Yo ya me gané el sueldo, no voy a quedarme a esperar a que Ali se gane el suyo".

Con ustedes "The Payback" ¡Leyenda pura brothers!

Discos: Surfin´bird (The Trashmen, 1964)

2011-09-30T16:29:00.003-03:00

Fin de semana con olas...con un clásico del Surf Rock!

The Thrashmen fueron un combo de Rock and Roll/ Garage /Surf Rock formado en Minneapolis (Minnesota) en 1962 por Tony Andreason, Dal Winslow, Steve Wahrer y Bob Reed.

Después de rockear con éxito el circuito de clubes adolescentes de su ciudad, en 1963 llegaron al Top Ten americano con el hit "Surfin´bird" (versionado años más tarde por Ramones y los Cramps, entre otros.). Al año siguiente grabaron el que sería su único lp, del mismo nombre.

Un set adrenalítico de rock & roll gutural y guitarras que encuentra altos momentos en en la bluesy "Henrietta", las invencibles "Birth bath" y "King of the surf" y la versión del clásico "Malagüeña" en plan instrumental. ¿Más covers? Los Trashmen cubren con respeto al Rey de la Guitarra Surf Dick Dale en "Misirlou" y se divierten repasando "Money (that´s what I want) despreocupados bajo el sol.

Luego de girar algunos años más, el grupo se disolvió a fines de 1967, convirtiéndose en objeto de culto para melómanos y fans de todo el mundo.

The Trashmen 1964

Tony Andreason (lead guitar and vocals) Dal Winslow (guitars and vocals) Steve Wahrer (drums and vocals) Bob Reed (bass).

Shows: Primal Scream en Buenos Aires

2011-09-29T12:45:00.002-03:00

Primal Scream en el club GEBA. Buenos Aires, 28 SEP.

Lugar/ gente

Noche primaveral, lindísima para escuchar música en vivo. Pero poquísima gente al momento de tocar los Primal. Sensación de "acá nadie pagó la entrada". Mucho rocker fashion look palermitano. Y la sospecha, también, de que chicas y chicos de 20 que daban vueltas por ahí en realidad estaban esperando a Snow Patrol (que de hecho, cerró la noche).

Gillespie y cía.

No vi a los P.S. la vez anterior que vinieron a Argentina. Esta vez, la propuesta de presentar "Screamadellica"- al menos a mi- no me entusiamaba demasiado. Disco de laboratorio, con mucho cuelgue y Ambient, llevado al vivo, generaba dudas. Pero eso estuvo bien resuelto: los temas sonaron bien en su "adaptación".

Arrancaron tocando en orden "Move on up", "Slip inside this house" y "Don´t fight it feel it". ¿El estadio? Un freezer. Alguno que otro bailaba. Y la confirmación de lo que siempre sospechamos: que son una banda amarga. O mejor dicho: que siempre fueron una banda de estudio pero sin fuego sagrado. Sus influencias están ok. Sus intenciones también. Pero NO son negros aunque citen a Funkadelic. NO tienen groove ni son los MC5 aunque se desvivan por entrar en esa escuela. En vivo, los Primal Scream tienen poco y nada de rock.

¿En qué se nota todo esto? En que nunca pudieron armar el cuelgue, el "estado de gracia" de un buen show. Suenan entrecortados. No hay mística. Como en su música. A la altura de "Damaged" se les cortó el sonido y por más que intentaron un cuelgue de zapada psicodélica para "Higher than the sun", no hubo caso. Largo y desinspirado. Levantaron la puntería con "Loaded" (todo preseteado) y tiraron la (poca) carne que tiene la banda al asador con un triplete rockero para salvar las papas: "Country girl", "Jailbird" y "Rocks" pegadas una atrás de la otra, con un Bobby Gillespie que por más que transpiró (¡y hasta puteó a la gente arengando!) demostró que tiene menos sangre que una hamburguesa congelada.

Ah, después tocaron los Snow Patrol. La banda que fueron a ver los chicos y las chicas (que les cantaban emocionados todos esos temas que se parecen entre sí: otros hijos tristes de Radiohead y Coldplay). Sonido magnífico. Un frontman simpático y parlanchín que hizo suspirar a las chicas. Una "puesta en escena" (¡dios, las benditas puestas en escena que tanto les gusta a la gente y rankean primeras en los comentarios de cualquier show!) impecable.

Todo para decorar una música perfecta y vacía. Como el 95% de la música actual. Magnífica y "sin sustancia", como escribió Simon Reynolds.

Discos: Wildflowers (Tom Petty, 1994)

2011-09-28T12:59:00.001-03:00

Tom Petty es de esos vinos añejos que se ponen mejor con los años. Una vez definido su estilo "maduro" entregó varios discos de gran nivel ya bien entrada su carrera.

"Wildflowers", de 1994, fue el primer disco que Tom grabó para Warner Bros (sin contar su paso por los Travelling Willburys, desde ya) y el primero producido por el "todo lo que toco es oro" de Rick Rubin. Lo firmó como Tom Petty a secas, aunque aquí tocan todos los Heartbreakers, a excepción del baterista Stan Lynch.

Y si nombramos a Rubin es porque la producción es lisa y llanamente superb. ¡Qué sonido para esas guitarras! ¡Qué bien tomada la voz de Petty! Un sonido potente y refinado a la vez, cálido y brillante.

Hay varios puntos altos, desde ya. El costado pastoral, acústico encuentra lo mejor entre "Wildflowers"(como para empezar con una nota silvestre, acústica) y la inspiración Country/ Folk de "Don´t fade on me". Esos hard rocks de ruta marca registrada de la casa se lucen, vaya que sí: "You wreck me" y "Cabin down below"- ambas con sus citas como al pasar a AC/DC- nos hacen ir subiendo el volumen hasta llegar a los vúmetros en rojo de "Honey bee". ¡Rock para motores calientes!

Hasta las baladas tienen lo suyo: "You don´t know how it feels", "It´s good to be king" son muy buenos temas. Tal vez el único punto flojo de este "Wildflowers" sean los rellenos. Se ve que todavía era la época de "dictadura" para la duración de los CDS y 62 minutos se hacen demasiado largos. Tres o cuatro temas menos nadie los hubiera extrañado.

Tom Petty- discografía cercana

Into the great wide open (1991)- Wildflowers (1994)- Songs and music from "She´s the one" (1996).

20 años sin Miles

2011-09-28T10:03:00.000-03:00

Miles Dewey Davis III (Alton, Illinois, 26 de mayo de 1926- Santa Mónica, California, 28 de septiembre de 1991).

Discos: Dead bees on a cake (David Sylvian, 1999)

2011-09-26T15:26:00.095-03:00

Cada vez que estuve triste, cada vez que me sentí mal o angustiado, David Sylvian vino en mi ayuda con su música curativa. Con su voz sanadora "contra todos los males de este mundo".

"Dead bees on a cake" fue el quinto disco de estudio de David, editado en 1999. Como siempre, aquí vuelve a estar rodeado de colaboradores habituales y músicos de sensibilidad comprobada, desde Ryuichi Sakamoto hasta Bill Frissell, pasando por Marc Ribot y Steve Jansen.

El resultado es otro de esos discos estilizados y paisajísticos del ex Japan, con varios momentos notables, aún a pesar de ciertos resbalones New Age. Por empezar tenemos el ritmo suave, casi mántrico de "I surrender": más de 9 minutos que sin embargo, nunca se harán largos. Observen qué bellas líneas iniciales: "I opened up the pathway of the heart/ The flowers died embittered from the start/ That night I crossed the bridge of sighs and I surrendered/ I looked back and glimpsed the outline of a boy/ His life of sorrows now collapsing into joy". Como sucede con los mejores momentos de Sylvian, quisiéramos quedarnos mecidos dentro de esta música para siempre.

El blues "Midnight sun" y "Good man" suenan más cercanos en atmósfera a "The first day" (el disco en colaboración con Robert Fripp) y "Thalhiem" logra una flotación ininterrumpida: otra de esas para quedarse colgado un buen rato. Los intereses místicos y religiosos de Sylvian tiñen "Krishna blue" y la bellísima "Praise", antes de ese paseo por la elegancia del Viejo Continente de "Cafe Europa".

"Dead bees on a cake" es otro de los buenos discos que hay que escuchar de David Sylvian. Un viaje espiritual, en su limbo entre el jazz, el Ambient y un incipiente Trip Hop, por supuesto, made in Sylvian.

David Sylvian- discografía cercana

Damage: live (1994)- Dead bees on a cake (1999)- Approaching silence (1999).

Discos: Under a blood red sky (U2, 1983)

2011-09-23T20:24:00.005-03:00

Los U2 nunca volvieron a alcanzar los niveles de crudeza de esta etapa. Tocaban con una energía como para comerse el mundo de un bocado. En sus costados menos visibles todavía sonaban como debiéndole algo al Post Punk del que venían.

De alguna manera, este "Under a blood red sky"- grabado en vivo entre Alemania, Boston y Red Rocks (Colorado) en la gira de presentación de "War"- es un buen documento de cómo el grupo irlandés se soltaba por entonces. Se editó el 7 de noviembre de 1983.

De hecho, los U2 no volvieron a grabar un disco en vivo como éste, con esta desnudez, salvando las partes de "Rattle and hum". Pero esa ya es otra historia. La historia de cuando empiezaron a tomarse demasiado en serio.

Volviendo a "Under a blood..." bueno, estos surcos (lo estoy reescuchando en vinilo, que rinde más) hablan por sí solos. The Edge se prende fuego en el pico de electrificación de "The electric Co.", apoyado por un visceral Larry Mullen Jr. que toca -como nunca después- agresivo y cavernoso. La versión de "I will follow" es directa y muscular. Y todo esá ahí. Sin maquillaje. Un cuarteto tocando en vivo que si bien ya tenía muy claro que quería saltar a las grandes ligas, todavía quería (y podía) rockear.

Y si hablamos de Edge es porque el corazón de la banda -al menos en esta etapa- pasaba por él. El corazón, la cabeza y la musicalidad. Sus solos son filosos (de vuelta, "The Electric Co.") y sus arabescos (herencia de Tom Verlaine y aledaños) ya son marca registrada en este 1983.

Hay algo más: "11 O´clock tick tock" tiene partes, derivaciones, atrapa de comienzo a fin y "Party girl" es todo lo divertida que los U2 raramente supieron ser luego. La canción fue un oscuro Lado B de otro tema que tampoco apareció en ningún lp oficial, "A celebration", editado entre los discos "October" y "War". Después, los clásicos: "Sunday bloody sunday" (con la famosa presentación "this is not a rebel song..." que preanunciaba al Bono mesiánico y verborrágico) "Glory" y uno de los que siempre les rindió en vivo a los de Dublín, "New year´s day".

"Under a blood red sky" es un auténtico disco en vivo, de los de antes, donde lo importante era transmitir el feeling del directo, sin buscar la perfección. Uno de los vicios en los que cayó la banda de Bono cuando finalmente cumplió su sueño de hacerse grande. Gigante.

Bonus

Al año siguiente los U2 editaron el video "U2 Live at Red Rocks: Under a Blood Red Sky", enteramente filmado en el anfiteatro Red Rocks, en Colorado, el 5 de junio de 1983.

U2

Bono, The Edge, Larry Mullen Jr, Adam Clayton.

Happy birthday Mr. Boss

2011-09-23T10:42:00.001-03:00

Grande. Grande. New Jersey, 23 de septiembre de 1949.
Feliz cumpleaños, Jefe.

Discos: Dual mono (The Greenhornes, 2002)

2011-09-22T06:51:00.003-03:00

Hoy en Ultravivido levantamos un poco de polvareda con The Greenhornes: puro Garage Rock revival para este grupo formado en 1996 en Ohio, Cincinatti, con cuatro álbumes en su haber.

Tras algunos cambios de formación y una carrera mayormente centrada en los directos, los Greenhornes llegaron a su sólido tercer lp "Dual mono", editado en 2002 por Telstar Records.

De sonido crudo y al frente, el disco alcanza buena combustión con el tándem inicial "Satisfy My Mind"/ "The Way It's Meant to Be" y trepa a su pico en "It Returns". Distorsión de vieja escuela, Hi Hats de batería bien sueltos, microfoneo en vivo: algunas claves del sonido que tenemos entre manos.

Pero también hay lugar para los matices y climas. "Too much sorrow" le da un respiro al set, bluseando en compás de espera con guitarras à la Link Wray y "You'll Be Sorry" va- ahora sí- en busca del espíritu garagero de Costa Oeste de los 60´s.

En medio de la transpiración valvular, flotando ahí solita, tenemos esa gema que es "There is an end", en la voz invitada de Holly Gollightly. Los cinéfilos la recordarán como la canción de apertura de la película "Broken flowers" de Jim Jarmush, que por otro lado, es un amigote habitual de los muchachos de Ohio.

The Greenhornes
Craig Fox - vocals, guitar, piano, percussion
Eric Stein - vocals, guitar, harpsichord, percussion
Patrick Keeler - harmonica, Clavinet, drums, percussion
Jack Lawrence - harpsichord, bass, percussion, background vocals

Bonus

* Lawrence y Keller son conocidos, además, por formar parte de The Racounters. Lawrence, además, tocó el bajo en otro proyecto de Jack White, The Dead Weather.
* Luego de un parate de casi 8 años, el grupo volvió en 2010 con el disco "Four stars".

Discos: Astronauts and heretics (Thomas Dolby, 1992)

2011-09-21T09:48:00.001-03:00

Si lo tuyo son los sonidos sintetizados y las atmósferas europeístas, Thomas Dolby puede ser tu guía turístico por los aires melancólicos del Viejo Continente.

Multiinstrumentista virtuoso, sesionista, experto en sonido, productor y compositor, Dolby nació en Londres en 1958. En los 80 tuvo un par de éxitos claramente en la veta Synth Pop con "She Blinded Me with Science" e "Hyperactive!" y esporádicamente fue armando una carrera solista.

Luego de ese muestrario pop inspirado que fue "Aliens ate my buick" (1988, tal vez su mejor disco) Dolby editó este "Astronauts & heretics" en 1992. Nueve canciones de aires urbanos, ideales para musicalizar viajes, paseos y estadías en lobby de hoteles. Está bien: no hay ninguna revolución en ciernes aquí, y se trata de un pop estilizado, casi "de loft". Pero varios temas funcionan, y muy bien.

"I live in a suitcase" está teñida de una melancolía distante, elegante, para describir al que tiene un hogar en cada puerto. Es de lo mejor del set, junto a ese hermoso comienzo con violines al unísono de "I love you goodbye": 6 minutos de una música completa, con pianos, buenas melodías y coros que se ensamblan al motivo del comienzo. Casi que el álbum entero vale por ésta.

"Cruel" (cantada junto a la ex Fairground Attraction Eddi Reader) teje un clima noctámbulo y reptante, antes de esos pop despreocupados que son "Silk pijamas" y "Close but no cigar". Y Dolby debe ser un tipo que sabe hacer amigos. Si no, no se explica muy bien cómo dentro de esta música tan refinadamente pop puedan aparecer -como invitados- Eddie Van Halen (toca en dos temas) y hasta Jerry García, que aporta su guitarra en "Beauty of a dream".

Ideal para un día nublado en Buenos Aires. O en cualquier ciudad con melancolía.

Thomas Dolby- discografía completa
The Golden Age of Wireless (1982) The Flat Earth (1984) Aliens Ate My Buick (1988) Astronauts & Heretics (1992) Forty (2001) The Sole Inhabitant (live, 2006) A Map of the Floating City (2011).

Discos: Lazer guided melodies (Spiritualized, 1992)

2011-09-19T12:13:00.002-03:00

Género: Space Rock en los 90.

Luego de disolver a los Spacemen 3, el británico Jason Pierce se abocó a construir su propia nave espacial llamada Spiritualized, a bordo de la cual realizó algunas interesantes proezas en materia de Space Rock a lo largo de los 90 y 00´s.

Con nuevos músicos a sus órdenes, en 1991 se sumergió en los estudios VHF Sound Centre de su Rugby natal y salió casi un año después con una verdadera obra maestra: "Lazer guided melodies".

Auténtico disco de laboratorio, "Lazer..." continuó en la estela interespacial de los Spacemen, aunque trepando varias atmósferas más. Una música lenta y paciente para delinear una verdadera sinfonía espacial con guitarras, teclados y percusiones marcando el camino. Todo envasado con aires de blues y Dub; un estilo propio que llegaría a su máxima ebullición de Gospel interespacial en el abrasivo "Ladies and gentleman we are floating into space", de 1997.

Pero en "Lazer..." ese estilo -a pesar de estar muy trabajado- todavía no satura: tiene sorpresa y deja espacios para la flotación a cada momento. De ahí que siga siendo un disco inoxidable. El Viaje tiene sus etapas: comienza por los tibios tanteos de "You know it´s true" (con esos arrullos espaciales que tanto le gusta cantar a Pierce) para acumular voltaje entre los latigazos de "I want you" y ese blues eléctrico y percusivo que es "Run". Un comienzo magistral. Pasada la tormenta inicial, entramos en terrenos de auténtica flotación con "Step into the breeze" y "Symphony space".

Pero aún falta bastante para emprender el regreso a tierra y "Take your time" nos va a tener suspendidos allá arriba por otros siete minutos, entre arpegios circulares, un bajo bien al frente, ondulante, y la voz susurrada de Jason. Los vaivenes adormecidos de "Shine a light" marcan otro de los puntos altos de esta mitad del set, en otro pasaje donde el mundo ahí fuera bien podría no existir, o detener su marcha. Total, aquí adentro tenemos esta música que nos cubre por entero en cuerpo y mente. El tema -casi una plegaria religiosa- concluye en una polifonía ruidosa controlada.

¿Empezamos el descenso? "Sway" pone proa a tierra y nuestros pies tocan el suelo a la altura del conteo de "200 bars" ¡Fin de un viaje único por la materia de la música!

Spiritualized/ discografía cercana

Lazer guided melodies (1992) Pure phase (1995) Ladies and gentleman we are floating into space (1997).

Los videos de La Javanaise

2011-09-16T22:38:00.000-03:00

Antes de convertirse en una banda de FM, Fleetwood Mac era una super banda de Rock y Rhythm and Blues. Aquí una mini versión de "Oh Well" en la BBC de Londres, con Peter Green a la cabeza.

Según B.B. King, el único guitarrista que le produjo escalofríos cuando lo escuchaba.

Discos: Just another band from East L.A- a collection (Los Lobos, 1993)

2011-09-15T17:41:00.001-03:00

¿Qué más decir de esa enorme banda de rock and roll que son Los Lobos? Completísimos, desde mediados de los 70 vienen destilando un blend único de rock, folk, Tex Mex, canciones, boleros, Country y todo lo que tenga que ver con el Sur fronterizo de Estados Unidos con México.

Formados en el Este de Los Angeles por César Rosas, David Hidalgo, Louie Pérez, Conrad Lozano y Steve Berlin, Los Lobos llevan más de 35 años en la carretera y encima de quince discos en su haber. Hicieron música para películas (la más famosa, "La Bamba", basada en la vida de Richie Valens), ganaron Grammys, experimentaron con diversos ritmos y estilos y nunca perdieron su sello. Más no se les puede pedir.

Su discografía es vasta y con varios puntos altos, pero sin dudas la mejor puerta de entrada para conocerlos es este doble, "Just another band from East L.A" (no confundir con el primer lp del grupo, editado en 1978). Esta recopilación fue editada por el sello Slash Records con motivo de los primeros 20 años de la banda, en 1993. 41 temas entre album tracks, singles, versiones en vivo e inéditos: un disco obligatorio en cualquier discoteca que se precie de tal.

Los momentos inolvidables son muchos. Para cantar a la luz de la luna (damajuana de vino mediante) tenemos la caliente live version de "Volver, volver" y ese Tex Mex irresistible que es "Anselma". Del gran "How will the wolf survive?" (1984) dicen presente la balada "A matter of time" y el rock de vúmetros en rojo "Don´t worry baby". Imparables.

De otro gran disco ("By the light of the moon", 1988) manejamos por la ruta con la paisajística "One time one night" y movemos la patita con "Shakin´shakin´shakes". Como al pasar, nos tiramos a ver las estrellas con "River of fools", una de las páginas mas hermosas de la banda con acordeones y una melodía entrañable. El doblete de homenaje al malogrado Richie Valens incluye -desde ya- los clásicos "Come on let´s go" y "La Bamba".

Siguiendo la cronología, el disco 2 le saca jugo a otro muy buen disco ("The neighborhood", 1990) con el rock bluseado que da nombre al álbum, la hermosa serenata "Be still" y el rockazo "I can´t understand", compuesto por César Rosas junto a Willie Dixon.

Sobre el escenario, Los Lobos tiran su chapa de veteranos con autoridad y versatilidad. Deleitan con el cover de "Bertha" de los Grateful Dead y con esa versión lenta, paladeada en cada compás, de "What´s going on". Párrafo aparte para "Wicked rain", potente, de dientes apretados. La cuota de experimentación -que la hay- llega a la altura del fantástico "Kiko", de 1992. Para esta compilación extrajeron esa cumbia misteriosa y genial que es "Kiko and the lavander moon", "Saint behind the glass" y la atmosférica "Angels with dirty faces".

Uf, muchísimos temas buenos. La puta madre. Qué buenos que son Los Lobos. Una de esas bandas grandes, de las que importan. ¡Larga vida para ellos!

Chequear:

* Los Lobos, By the light of the moon (1988)
* Los Lobos, How Will the wolf survive? (1984)
* Los Lobos, Kiko (1992).

Discos: White light/ white heat (The Velvet Underground, 1968)

2011-09-13T17:09:00.003-03:00

Ya sin la omnipresencia de Andy Warhol controlando todo, sin Nico ni los hippies y artistoides volados de New York -emigrados hacia el Verano del Amor de San Francisco- los Velvet se encontraron prácticamente solos en la Gran Manzana. Con pista libre para plasmar en un disco la agitada combustión interna que los estaba devorando.

Aquellas tensiones (la consabida "guerra de egos" entre Reed y Cale) sumadas a las vidas caóticas que llevaban sus miembros y la ya de por sí desordenada creatividad del grupo confluyeron en esos pocos días de fines de 1967 (algunos aseguran que fueron apenas dos) que duró la grabación de su segundo lp de estudio, "White light/ white heat".

¿Caos sistemático? ¿Decisión estética? Difícil apoyar estas tesis: tanto Cale como Reed reconocieron su desagrado con los resultados "técnicos" del álbum, que estuvo producido por Tom Wilson. ¿Sobrecarga eléctrica desmadrada? Puede ser. Pero sea cual fuere la hipótesis para explicar la radicalidad de "White light...", seguramente se queda corta. El disco pasaría a la historia como uno de esos "puntos de no retorno"; una cima de la electrificación urbana total. Un despropósito con aires de vanguardia y el punto de referencia para todo lo que de allí en más se precie de "Noise".

Y si en "Velvet Underground & Nico" la belleza todavía podía asomar su cabeza entre lo oscuro y perverso, aquí apenas encuentra lugar, simplemente porque el grupo buscó a conciencia esa "no-belleza" (en palabras del propio John Cale). Aquí el único asomo de esa canción agridulce (el costado Velvet que inspiró a TODO el Indie Pop melancólico de los 90) será la breve "Here she comes now": apenas dos minutos de calma en medio del torbellino.

El tema que daba nombre al álbum -una oda al consumo de anfetaminas- es un rock bastante clásico, aunque pasado por arriba por una montaña de feedback y distorsión. Algo vulgar transformado en otra cosa (para comparar, basta reescuchar la ortodoxa versión que grabó Bowie en "Bowie at the Beeb").

"The gift" es el relato de un novio celoso y paranoico narrado por Cale (en un canal) aguijoneado por picos de ruido blanco sobre los tambores caverrnosos de Maureen Tucker, en el otro. "Lady Godiva´s operation" retoma el costado mántrico y repetitivo circa "Venus in furs" para releer con sarcasmo la vieja leyenda medieval. Y "I hear her call my name" (100% de Reed) es otro rock perversamente sacado de todo contexto cultural imaginable en 1968. Y después también. El germen del sonido Stooge, entre otros.

A esta altura -con apenas media hora de audición- sentimos que tenemos los pelos de los brazos cubiertos de estática. Y que la ciudad alrededor nuestro se convierte en un campo minado de vúmetros en rojo. Porque más allá del anecdotario sobre las disputas musicales entre Lou Reed y John Cale, lo cierto es que que en aquella sala de grabación de los Scepter Studios de New York la guerra parecía librarse directamente sobre los amplificadores y sus controles de volumen. A ver quién sonaba más fuerte.

Sólo por citar un episodio, al parecer ninguno de los cuatro Velvet se ponía de acuerdo sobre qué toma dejar de cada tema, hasta que Reed propuso que todos grabaran a la vez "Sister ray". El resultado está a la vista: 17 minutos de lucha trepidante, destructiva, al borde de lo razonablemente audible.

"White light/ "white heat": el disco seminal de todo lo que se precie de Ruido. Así, con mayúsculas.

Velvet Underground 1968

Sterling Morrison, Lou Reed, Maureen Tucker, John Cale.

Discos: Gold (Ryan Adams, 2001)

2011-09-12T15:33:00.003-03:00

Género: luminoso y sin complejos para empezar la semana

Es cierto, la música de Ryan Adams no va a correr las fronteras de la música pop ni un poquito. Pero en sus mejores momentos es fácil de llevar y hay buenas canciones, lo que no es poco.

Este muchachito clase 74 oriundo de Jacksonville, en North Carolina, lleva editada una docena de discos firmados en solitario o acompañado de The Cardinals, su banda de apoyo. De todos ellos, el segundo, "Gold", sigue siendo su clásico. Y el disco más vendedor, a la fecha, de todo su catálogo.

Sonido limpio, cristalino y unas canciones que suenan sin complejos en ese plan pop/ rock con leves toques Alt Country que tanto le gusta practicar a Ryan. Otro de los méritos aquí es la versatilidad de su registro: como cantante, puede pasar de la dulzura en las baladas a algo más blusero o rockero con la mayor soltura. Yendo al tracklist, "New York New York" le salió redondita para declararle su amor a la ciudad que tanto aparece en sus canciones. Y "Firecraker"es igual de contagiosa, con armonicas, acústicas y un giro pop natural.

"Quise grabar un clásico contemporáneo" declaró Adams. Pretencioso o no, la atemporalidad que logra en varias canciones ("Answering bell", los aires blues/ gospel de "The rescue blues", el vaivén de "La Cienaga just smiled" o la bella "When stars go blue") nos hace quedar siempre un rato más al lado de esta música ideal para Coffee Shops y caminatas por la gran ciudad.

Originalmente planeado como un álbum doble, el sello grabador, Lost Highway records, sólo editó las primeras copias acompañadas de un cd bonus ("Four side").

Además de producir a otros artistas, Adams lleva publicados dos libros de relatos y poemas. En 2011 estará editando su nuevo álbum, "Ashes and fire".

Discografía cercana

Heartbreaker (2000)- Gold (2001)- Demolition (2002).

Post Control UVVD´s setlist

2011-09-11T21:58:00.004-03:00

Un pequeño setlist hogareño de domingo a la noche, después de ver "Control" (Anton Corbjin, 2007).

#1.- Tears for Fears, Mad world (del vinilo de "The hurting", 1983)
#2.- Tears for Fears, Pale shelter (idem, 1983)
#3.- The Jesus and Mary Chain, Just like honey (del vinilo de "Psychocandy", 1985)
#4.- The Jesus and Mary Chain, April skies (de "Darklands", 1987)
#5.- The Jesus and Mary Chain, About you (idem, 1987)
#6.- Warsaw, Warsaw (del vinilo de "Substance", 1977)
#7.- Warsaw, Leaders of men (idem, 1977)
#8.- Joy Division, Incubation (idem, 1980)
#9.- Kraftwerk, Europe endless (del vinilo de "Trans Europe Express", 1977)
#10.- Kraftwerk, Hall of mirrors (idem, 1977)
#11.- David Bowie, A new career in a new town (de "Low", 1977)
#12.- David Bowie, Warsawa (idem, 1977)
#13.- David Bowie, Art decade (idem, 1977)
#14.- David Bowie, Weeping wall (idem, 1977)
#15.- Brian Eno, Baby´s on fire (de "Here come the warm jets", 1973)
#16.- Brian Eno, Cindy tells me (idem, 1973)

#17.- Joy Division, Dead Souls (de "Substance", 1979)
#18.- Joy Division, Atmosphere (idem, 1980).

...and good night...in silence...

Los videos de La Javanaise

2011-09-10T16:00:00.003-03:00

Una rareza total: Kraftwerk en la RAI, año 1981, tocando "Pocket Calculator" en... italiano! Enjoy friends!

Clásicos: Teenage head (Flaming Groovies, 1971)

2011-09-09T14:44:00.079-03:00

San Francisco, 1965. Ron Greco, Cyril Jordan y Roy Loney forman The Flamin´Groovies. En 1968 graban el EP "Sneakers" y saltan a Epic para registrar su álbum debut, "Supersnazz" (1969). Sin embargo el disco no funciona lo suficientemente bien para los parámetros del sello y nunca vuelven a fichar para una escudería grande.

La anécdota sintetiza el caracter anacrónico de los Groovies: en pleno Zeitgeist hippie- psicodélico tocan un rock crudo con influencias bluseras y del pop británico, totalmente fuera de época. Su approach era claramente garagero, comandado por las guitarras de Jordan y el salvajismo de Loney como frontman. En resumen, un auténtico grupo "bardo", desordenado en influencias pero con un empuje que los hizo únicos.

Luego de un segundo muy buen álbum ("Flamingo", 1970) la banda alcanzó su peak con el clásico de clásicos "Teenage head", editado el mismo 1971 que "Sticky fingers" (de hecho, Mick Jagger reconoció desde el vamos la superioridad de los de San Francisco para lograr ese blend de rock & blues que ellos también perseguían). Como sea, "Teenage head" patea traseros a puro rock incendiario: arranca con algo de Delta Blues ("High Flyin' Baby") y rockea suelto cuando el grupo versiona "Have You Seen My Baby?" de Randy Newman. ¿El link con los Stones? Escuchen "Yesterday's Numbers", el tema que cierra la primera mitad.

Groove, ritmo tenso, shakers, clima ominoso de blues sucio, pero a toda velocidad: todo eso suena en "Teenage head", el tema. Casi tres minutos sostenidos allá arriba por la impecable base de Danny Mihm y George Alexander, batería y bajo respectivamente. La banda también era capaz de tejer climas y entregarse al blues de inspiración acústica, como en su cover de "32-20" (original de Robert Johnson) y la reposada "City lights" (el "Love in vain" aquí). Para no perder pisada, vuelven a levantar con el rockabilly "Evil Hearted Ada" y "Doctor boogie", dando cátedra de como tamizar los géneros clásicos y Roots con su toque personal, salvaje y musical a la vez. ¿Garage rock? ¿Proto Punks? ¿Pre-Power Pop? Todo eso junto.

Luego de un parate de cinco años -problemas legales y el alejamiento clave de Roy Loney mediante- los Flamin´Groovies cambiaron de dirección con "Shake some action" (1976): su homenaje a los grupos de la British Invasion de los 60. Lograron mantenerse en carrera por más de dos décadas, hasta que se disolvieron en 1992.

Bonus

Las subsiguientes reediciones en CD de "Teenage head" agregan varios bonus tracks con covers de rock and roll clásicos: "Shakin´all over", "That'll Be the Day", "Louie Louie" y "Carol", entre otros.

The Flamin´Groovies 1971

Cyril Jordan (guitarra, voz) Roy Loney (guitarra, voz) Tim Lynch (guitarra) George Alexander (bajo) Danny Mihm (batería) Jim Dickinson (piano).

Discos: Honky Château (Elton John, 1972)

2011-09-08T14:52:00.013-03:00

Género: otro de los grandes discos de Elton en los 70.

Demás está decir que la década del 70 fue de altísimo nivel para Elton John. Sobre todo la primera mitad, con álbumes a esta altura clásicos como "Madman across the water" (1971) "Goodbye yellow brick road" (1973) "Don´t shoot me I´m only the piano player" (1973) o "Caribou" (1974) por nombrar sólo algunos.

En medio de esa catársis creativa, Elton sacó en 1972 "Honky Château". Un disco particularmente encantador por su feeling blusero y los aires a New Orleans que lo sobrevuelan. Para muestra bastan los primeros compases de "Honky cat" o la parodia sobre el suicido juvenil "I think I´m going to kill myself": si no se mueven tus patitas con esto, deberías ir al médico.

Grabado en los legendarios estudios Château d'Hérouville (Francia) que inspiraron su título, "Honky Château" fue el primer disco grabado íntegramente por la banda que solía acompañar a Elton en vivo: la alineación clásica con Davey Johnstone en guitarras (aquí también toca banjo y mandolina) Dee Murray en bajo y Nigel Olson en batería. Fue también un disco más despojado, prácticamente sin arreglos de cuerdas, más crudo y directo.

"Mellow" es otro tema irrresistible, con esas cadencias entre el blues y la balada que John siempre manejó con maestría. Unos slides atmosféricos decoran la folkie "Slave" y la hermosa balada de aires Gospel "Salvation": aquí, como en el clásico "Rocket man" (que cierra la primera mitad) se lucen esos coros a tres voces con Johnstone, Murray y Olsson. Un sello de fábrica, de allí en más, de varios temazos clásicos de Elton.

¿Y de qué hablaba "Rocket man"? La letra -inspirada por un cuento breve de Ray Bradbury- cuenta algo así como "un día en la vida de..." un par de astronautas. Pero más allá de pintarlos como héroes o figuras inalcanzables, los describe como hombres comunes, con esposas que les preparan el bolsito antes de partir y que sienten- como cualquier humano- que van a extrañar su casa cuando estén lejos. La canción pareció dialogar, desde siempre, con "Space oddity", de Bowie. De hecho, ambas fueron producidas por Gus Dusgeon.

En fin, hay mucho talento en "Honky Château". Mucha buena vibración puesta al servicio de unos temas que la rompen. Para el final, "Amy" contagia con su ritmo nervioso y "Hercules" es pura energia con sus coros y trepadas. El clásico "Mona Lisas and mad hatters" es la agridulce letra que escribió Bernard Taupin cuando sufrió una experiencia violenta, recién llegado a New York. La canción juega con la cita al "Spanish Harlem" de Ben E. King.

¿El mejor disco de Elton? Cabeza a cabeza, tal vez, con "Goodbye yellow brick road".

Discografía cercana

Madman across the water (1971)- Honky Château (1972)- Don´t shoot me I´m only the piano player (1973).

Discos: Singles, 45´s and under (Squeeze, 1982)

2011-09-07T12:54:00.000-03:00

Género: día primaveral con los Squeeze.

Brevemente, deberíamos contar que los Squeeze se formaron en 1975 en el sur de Londres, más específicamente en el distrito de Deptford. Y que -entre otra cosas- el grupo contó entre sus filas al posteriormente célebre Jools Holland en teclados.

Sus primeros singles y lps sin duda se enrolan en la New Wave de fines de los 70: energía y melodía, pulso firme y orfebrería pop, sumadas a un olfato infalible para el hit, mérito de ese tanque compositivo integrado por la dupla Chris Difford- Glenn Tilbrook (esos que la prensa británica llamó "los nuevos Lennon y McCartney").

"Singles- 45´s and under" recopila material de la primera encarnación del grupo entre 1975 y 1982, la época más fresca y energética. Doce temas inoxidables de un pop que siempre parece estar sonando en presente.

¿Momentos favoritos? ¡Todos! Pero si armáramos un hipotético Top Five, nos quedamos con el hitazo "Cool for cats" (un homenaje a la serie televisiva británica de los 50´s y 60´s con shows de rock en vivo) los aires synth pop de "Take me I´m yours", la perfección pop de "Up the junction" y "Pulling mussels (from the shell)" (de " Argybargy", 1980). Y por supuesto, esa gema pop perfecta sobre la infidelidad que es "Tempted", cantada por el tecladista Paul Carrack.

La canción por la que probablemente los Squeeze serán recordados cada día en las FM de todo el mundo.

Bonus

Luego de separarse en 1982 el grupo volvería -reformado- en 1985, para volver a disolverse en 1999. En la actualidad siguen activos y en 2010 editaron el disco "Spot the difference".

Squeeze- original line up

Chris Difford (guitarra, voz y letras) Glenn Tilbrook (voz, guitarra y música) Jools Holland (teclados) Paul Gunn (batería).

Vinilos: "Soul train" & "Black power vol.2"

2011-09-07T09:31:00.006-03:00

Recorriendo cuevas de Buenos Aires, dos lps de puro Funk & Soul a 15 pesos.

"Black power" pertenece a una serie de compilados con Funk bordeando el Disco. Hay algo de basura, es cierto, pero están los Isley Brothers, The O´Jays y Billy Paul salvando las papas.

"Soul train" no necesita mayor presentación: estos vinilos recopilan la música del show musical americano del mismo nombre. Muy buen nivel, con picos en Curtis Mayfield, Isaac Hayes y Kool and the Gang.

Dónde sino en el lugar con mayor cantidad de vinilos por metro cuadrado de toda la ciudad: disquería Opus, en el barrio de Flores.

Salud, Soul Brothers!

Clásicos: 1984 (Van Halen, 1984)

2011-09-05T15:12:00.021-03:00

Género: el mejor de los hermanitos Van Halen

Basta repasar los primeros cinco discos de Van Halen para notar el salto cualtitativo que implicó el sexto, "1984". Una pisada a fondo del acelerador: todo lo que los discos anteriores insinuaban, en este clásico y último álbum con David Lee Roth en las filas vuela literalmente por el aire.

Es cierto, ese berretín de Eddie Van Halen por incluir teclados debe haberle puesto los pelos de punta a los rockeros y metaleros más clásicos. Pero ¡que mierda! La música que toca acá el grupo es superlativa, con o sin teclados. Los temas se acelaran, el vértigo es mayor. En otras palabras, los Van Halen pasaron a tocar en otra dimensión. Apenas 33 minutos de una patada directa al arco.

Producido nuevamente por Ted Templeman, "1984" fue el primer disco que grabaron en los estudios de Eddie ("5150") en Los Angeles. Al comienzo están los hits: "Jump", seguido de ese temazo pop que es "Panama". ¡A acelerar en plena autopista! Armónicos, riffs, subidas y bajadas, base ajustadísima. Todo sumado a un puente colosal para redondear este clásico de descapotable bajo el sol ¿La letra? Autos, chicas, avenidas calientes ¿Qué esperaban?

El grupo no pierde pisada con "Top Jimmy" (dedicada a James Koncek, de la banda R&B de Los Angeles Top Jimmy & The Rhythm Pigs) y alcanza otro clásico de motores calientes con "Hot for teatcher". Si bien los Van Halen ya habían probado con este tipo de tempos altos a todo trapo, la precisión y filo que logran acá es otra cosa. Nada para agregar sobre la jerga de adolescentes quilomberos y el sonido ambiente de escuela de depravados que decoran el tema.

La concesión ochentosa llega de la mano del segundo single que cortó el disco, "I´ll wait" (un buen tema a pesar de sus horribles teclados de discoteca) y el grupo tira toda la carne al asador con el doblete final: "Girl gone bad" y "House of pain". Partes progresivas, riffs, subidas y trepadas hasta lo inimaginable, en un grupo Hard Rock que parecía tocar Hard Bop, Rock Progresivo y Metal, todo en el mismo combo.

Bonus

Coincidencias del destino (o no) "1984" alcanzó el puesto #2 en Billboard detrás de "Thriller", donde como todos sabemos, Eddie Van Halen dejó su sello. "1984" fue, además, el segundo de los discos de Van Halen que vendió 10 millones de copias en Estados Unidos.

Como no podía ser de otro manera, Diamond Dave se despidió a lo grande.

Van Halen- 1984

David Lee Roth (vocals) Eddie Van Halen (guitars, keyboards, backing vocals) Michael Anthony (bass, backing vocals) Alex Van Halen (drums, backing vocals).

Los 5 primeros discos (con David Lee Roth):

Van Halen (1978) Van Halen II (1979) Women and Children First (1980) Fair Warning (1981) Diver Down (1982) 1984 (1984).

Los videos de La Javanaise

2011-09-03T20:25:00.000-03:00

¿Existen tres canciones en la historia más bonitas que ésta? ¿Si? ¿Cuáles? El genio de Gainsbourg derrochando estilo, seducción, buen gusto y Gitanes.

Para la inmortalidad, y sobre todo para los bellos ojos de una hermosísima Jane Birkin. París, 1975.

Discos: Flowers (Rolling Stones, 1967)

2011-09-02T14:13:00.004-03:00

Género: un fin de semana con flores y Rolling Stones.

Es cierto, hay recopilaciones de los Rolling Stones para tirar al techo y para todos los gustos. Pero pocas tan encantadoras y a la vez clásicas como "Flowers". El álbum (destinado principalmente al mercado norteamericano) contenía perlitas del período 65-67 que abarcan distintos estilos y humores. De, ahí tal vez, su particular atractivo.

De hecho, hay música para todos los gustos en esta muestra de las sutilidades musicales que alcanzaban los Stones por aquellos años.

Por supuesto, están los temas que no requieren mayor presentación, como "Ruby tuesday", "Let´s spend the night together" o la melancólica "Lady Jane". Pero a continuación aparecen las rarezas para curiosos: "Out of time" corresponde a una mezcla alternativa de la aparecida en "Aftermath" (1966). Eran épocas de ediciones "diferidas", con track lists cambiados, y "Flowers" rescata algunas canciones sólo aparecidas en las ediciones británicas de los álbumes. Es el caso de "Take it or leave it", la bellísima "Back street girl" o "Please go home", éstas dos últimas de "Between the buttons" (1967).

También hay lugar para los inéditos. Tanto "Ride on baby" como el cover de Smokey Robinson de "My girl" y "Sittin´on a fence" -esa hermosa cancioncilla de inspiración pastoral- se grabaron durante las sesiones de "Aftermath" (en 1965) pero nunca, hasta allí, habían sido editadas.

En fin: rythm and blues, rock & roll, baladas. De todo un poco en esta versión de los Rolling Stones para la hora del té.

Bonus

* Las fotos de los cinco Stones de la tapa de "Flowers" -entrevista entre entre flores y pétalos- son las mismas que se utilizaron para la edición británica de "Aftermath".

* El álbum alcanzó el 3er puesto en Estados Unidos en el verano de 1967 y se convirtió en disco de oro.

Rolling Stones 1965-1967

Mick Jagger

Keith Richards

Brian Jones

Bill Wyman

Charlie Watts.

Buzzcocks x2: "Another music in a different kitchen" (1978) "Love bites (1978)

2011-09-01T15:38:00.010-03:00

Formados en Bolton (Manchester) en 1976, los Buzzcocks fueron uno de los tantos grupos que sintieron el call to arms del estallido punk provocado por Sex Pistols. Pronto perdieron a su líder Howard Devoto (que pasó a Magazine) y el barco quedó en manos de Pete Shelley. El resto es historia.

Si bien el fuerte del grupo pasaba por los singles, hoy en Ultravivido aprovechamos el día de sol y nos damos una panzada de punk rock veloz con los dos primeros lps del grupo ¡A subir el volumen!

"Another music in a different kitchen" (United Artists, 1978)

Luego de editar el ep "Spiral scratch" producidos por Martin Hannett, el grupo entró a grabar (ya sin Devoto) su primer larga duración en los Olympic Studios de Londres. Eso fue entre diciembre del 77 y enero del 78.

Entre letras de tintes surrealistas hay varias bombas, aquí, de ese punk veloz y a la vez con ganchos pop inmediatamente pegadizos (la especialidad de la casa). El disco pega de entrada con "Fast cars", "You tear me up" y un clásico del grupo, "Sixteen".

El otro himno es "I don´t mind", el single que representó al álbum. En apenas 20 segundos los Buzzcocks arrancan con el tema, trepan a la estrofa y explotan en un estribillo memorable. Lo que se dice, ir al grano. "Autonomy" es otro de los album tracks que fue a parar al célebre "Singles going steady", pero sin embargo la perlita oculta de este primer set es "Fiction romance": energía contenida, tensión, ritmo firme y guitarras que atacan implacables. A guardar.

"Love bites" (United Artists, 1978)

Producidos nuevamente por Martin Rushent (Stranglers, Human League) en septiembre del mismo año Shelley, Diggle, Maher y Garvey se despacharon con su segundo largo.

Si bien el sonido es similar al debut, "Love bites" refina un poco el approach instrumental, acompañado de un mayor olfato pop. ¿Los Buzzcocks se suavizan? No es para tanto. Aunque "Real world", el tema de apertura, se permite cierta sensibilidad ("estoy enamorado del mundo real/ porque allí las cosas suceden tal cual como en mis sueños" canta Shelley) y el grupo se atreve a una canción melancólica acompañada de guitarras acústicas en "Love is lies".

El single "Ever Fallen in Love (with Someone You Shouldn't've)" dialoga con el costado más pop de los contemporáneos Wire, y para los que prefieren el lado aguerrido y veloz de los mancunianos desfilan "Just lust", "Nothing left" (acá los Blur se robaron un vuelto) y otro futuro clásico, "Operator´s manual". La pequeña cuota de experimentación vuelven a dejarla para el final, en este caso con el inclasificable instrumental "Late for the train".

Bonus

En 1979 esta primera formación de Buzzcocks editó "A different kind of tension", un disco que amplió el sonido del grupo. De esta manera se cerraba su primera y clásica etapa.

Buzzcocks 1978

Pete Shelley (guitar, vocals) Steve Diggle (guitar) Steve Garvey (bass) John Maher (drums).

Discos: Lodger (David Bowie, 1979)

2011-08-31T15:08:00.001-03:00

Como todos sabemos, "Lodger" fue el último de los tres discos que David Bowie grabó en colaboración con Brian Eno. Los últimos ejercicios experimentales de una relación que -según coinciden varios- ya venía agotada desde hacía tiempo.

Aquel partnership había comenzado a la manera de un exilio creativo en Berlín hacia 1977, con dos discos de ambiente gélido y atmósfera de Guerra Fría (los clásicos "Low" y "Heroes"). Ambos muy influenciados a su vez por el krautrock alemán de NEU! y Kraftwerk.

Usualmente considerado parte de aquella "Trilogía Berlín", "Lodger" en realidad fue grabado en Suiza y New York. Para 1978 Bowie venía embarcado en un tour mundial que quedó registrado en el doble en vivo "Stage", y en medio de la gira (y con la misma banda, más el agregado de Eno) comenzó a grabar lo que sería su próximo disco.

En lo musical, "Lodger" abandona la monumentalidad sonora y paisajística de los discos previos y apuesta a una cosa más suelta. Como casi todos los discos de Bowie de este período, totalmente ajeno al "mercado" del momento: tanto el Disco como el punk o la New Wave. O lo que sea.

Hay mucha voladura aquí: en la instrumentación, en la dejadez casi glamorosa que exhiben los temas, tan descarados ellos. Mucha libertad en esos arreglos y en las guitarras completamente fuera de foco de Adrian Belew y Carlos Alomar (que en varios temas tocaron sin conocer las notas o sobre pistas desconocidas, entre otros experimentos aleatorios).

Casi todas las canciones fueron compuestas por Eno y Bowie. Algunas reviews afirman que la primera mitad del disco habla de "viajes": ahí están "Fantastic voyage" -una canción tremenda, con una flotación misteriosa a cargo de Eno- y "African night flight", inspirada en un viaje de Bowie a Kenia. Para muchos, el antecedente, inclusive, de "My life in the bush of ghosts" en esa mixtura Afro/ occidental. El gancho de "Move on" está en esos impresionantes coros a cargo de Tony Visconti y el propio Bowie. Un gran comienzo del álbum.

Siguiendo con los sonidos exóticos, "Yassassin" (una especie de reggae bizarro) vuela por el aire con esos violines de inspiración turca. Y a partir de "Red sails" empieza el bombardeo de los temas más "directos", si se quiere. El background del tema es absolutamente deudor de los NEU!, por cierto.

"D.J" suena suelta -como tocada a los tropezones- y anticipa casi 20 años y de forma irónica el culto a los amos de la pista de baile (con su célebre "I am the DJ/ I am what I play/ I´ve got believers" entre los chirridos alucinados de la dupla Belew- Alomar) Temazo.

"Look back in anger" va directo al Canon Bowie y "Boys keep swinging" (con los músicos en roles invertidos: Alomar en batería y Dennis Davis en bajo) deja al pasar una última cita a "Heroes" en sus enormes guitarras atmosféricas: otro gran tramo de "Lodger". Para el cierre, el vampiro Bowie relee "Sister midnight" (de Iggy circa "The idiot") como "Red money".

La reedición en CD de Ryko de 1991 agrega dos bonus: el inédito "I pray, olé" y una reversión de "Look back in anger" grabada en 1988.

David Bowie- Lodger (RCA, 1979)

Producido por Tony Visconti & David Bowie. Recorded: Mountain Studios (Montreux, Suiza) septiembre 1978/ Record Plant Studios, New York, marzo 1979.

Bowie- discografía cercana

Stage (live, 1978)- Lodger (1979)- Scary monsters (and super creeps) (1981).

Discos: The La´s (The La´s, 1990)

2011-08-30T12:26:00.000-03:00

Género: otro hermoso eslabón perdido del Brit Pop.

Podríamos relatar las innumerables idas y venidas que sufrieron las sesiones previas al primer álbum de los liverpoolenses The La´s. Pero sería aburrido, y para eso está Wikipedia.

Lo que sí vamos a decir es que aquel debut (y despedida discografica) del grupo comandado por Lee Mavers editado en los albores de la década del 90 sigue irradiando una belleza tranquila y atemporal, a prueba de modas y hypes pasajeros. Simplemente a fuerza de canciones.

Producidos finalmente por Steve Lillywhite (U2, Peter Gabriel, XTC, entre otros) el grupo entró a los Eden Studios de Londres para darle forma a demos y sesiones que databan de tres años antes. Varios productores (entre ellos John Lekie y Mike Hedges) habían desfilado sin éxito al comando de las grabaciones, pero ninguno satisfizo a Mavers.

El grupo salió finalmente a la cancha con doce canciones que bastante poco tenían que ver con lo que sucedía en la música pop inglesa por entonces (Madchester y aledaños). Más bien se trató de un pop otoñal, con un pie puesto en la mejor tradición Beat, de corazón acústico y hasta algunos guiños Country Rock, como en "Doledrum", "I.O.U" o "Liberty ship". Guitarras, coros y una energía vital básica tomada del Power Pop hicieron el resto.

Hay más canciones buenas. "Son of a gun" es irresistible con sus aires de fogón, para que cantemos todos y hagamos percusiones con toc tocs. Y las dinámicas valseadas de "Way out" (el primer single del disco) son simplemente perfectas. El grupo pisa apenas la distorsión para reforzar la enegía de "I can´t sleep", la beatlesca "Feelin´" o la serpenteante "Timeless melody". Todas canciones sin fecha de vencimiento. El propio Mavers se encarga de dejar en claro su relación con las musas, cuando canta: "the melody always finds me/ whenever the thought reminds me/ breaking a chain inside my head/ the melody chord unwinds me".

En medio del set, cómo olvidarlo, aparece el único hit del grupo, "There she goes". Otra de una perfección pop inoxidable. Sin embargo, sería injusto catalogar a The La´s como uno de esos tantos one hit wonders. Su disco debut prometía una interesante longevidad pop, aunque problemas internos e interminables pleitos nos privaron de seguir disfrutándolos.

Pero no importa, porque un soleado sábado a la mañana siempre podemos volver a aquel fantástico disco debut.

Bonus

Con distintas formaciones, Mavers suele resucitar a The La´s para esporádicas actuaciones en vivo, pero sin grabar material nuevo desde entonces.

Reediciones posteriores le intentaron sacar todo el jugo posible a tomas alternativas y versiones en vivo de las mismas canciones.

The La´s 1990

Lee Mavers, John Power, Peter "Cammy" Camell, Neil Mavers.

Discos: The Southern Harmony and Musical Companion (The Black Crowes, 1992)

2011-08-29T13:53:00.002-03:00

Cuando los Black Crowes aparecieron a comienzos de los 90 con "Shake your money maker" -su primer lp- nuestro costado cínico y descreído se encargó de subestimarlos lo suficiente. "Otra bandita Retro que quiere sonar como los Stones y los Faces, más algunos toques de Rock Sureño".

En algún punto era cierto. Pero desde entonces bastante agua pasó debajo del puente. Y el tiempo puso a la música de estos chicos de Atlanta obsesionados con los 60 en un lugar de aceptable perdurabilidad.

Cooptados rápidamente por el productor estrella -y coequiper de Rick Rubin- George Drakoulias (The Jayhawks, Primal Scream, entre otros) los Crowes ficharon para Def American Recordings. Y en 1992 alcanzaron su mejor marca con "The Southern Harmony and Musical Companion". Gran música, un sonido sublime y un puñado de temas que esquivaron con elegancia el paso del tiempo.

El comienzo en tándem con "Sting me" y "Remedy" es imbatible. El primero, un rockazo con mucho feeling soulero que explota lo mejor de la banda capitaneada por los hemanos Chris y Rich Robinson: groove tenso y suelto a la vez, dosificación de energía y brillo en detalles como pianos y percusiones (mérito absoluto de Drakoulias, que logra una preclaridad sonora envidiable). El segundo mantiene la tensión allá arriba, con magistrales manejos de una intensidad rockera "de manual".

¿Matices? Los Black Crowes también los tienen. Ahí está está la calma extendida y pastoral de "Thorn in my pride" y el bluesazo de transnoche"Bad luck blue eyes goodbye". Retro o no, esta música perdura. Sin quedarse atrás, el grupo recupera combustión a la altura de la stoniana "Hotel Ilnes" y "Black moon creeping". Para el cierre se despachan con una pequeña sorpresa: la versión etílica y de madrugada de "Time will tell", de Bob Marley.

Dedicado a Petela y Kabezoa...

Black Crowes 1992

Chris Robinson (voz) Rich Robinson (guitarra) Marc Ford (guitarra) Johnny Colt (bass) Steve Gorman (drums) Eddie Harsch (teclados).

Discografía cercana

Shake your money maker (1990)- The Southern Harmony and Musical Companion (1992)- Amorica (1994).

Video del lunes: Al Green

2011-08-29T10:10:00.000-03:00

El gran Al haciendo su clásico "Let´s stay together" en el programa Rollin´on the river, 1972.

Discos: Brothers and sisters (The Allman Brothers Band, 1973)

2011-08-26T12:00:00.006-03:00

Todos conocemos más o menos la historia. Los Allman Brothers pasaron sus peores momentos personales justo cuando el éxito artístico y comercial golpeaba a sus puertas.

Luego del éxito de las presentaciones en vivo en el Filmore East en 1971 (disco de oro mediante) perdieron nada menos que a Duane Allman en un accidente de motos. La banda siguió adelante, pero en 1972 sufrió otra baja (también provocada por un accidente en dos ruedas): la de su bajista Berry Oakley.

Sin embargo, 1973 los vería llegar a uno de los picos creativos de aquella primera época dorada con el clásico "Brothers and sisters". Un disco que -al igual que su foto de tapa- irradia luz. Y pura música. Las nuevas incorporaciones (Lamar Williams en reemplazo de Oakley, pero sobre todo la del pianista Chuck Leavell- años más tarde miembro estable de la crew de los Stones) le dieron nuevos colores a ese blend tan particular de Southern rock, jazz, blues y Country que siempre practicaron los hermanos Allman.

El otro dato notorio fue el rol cada vez más protagónico que empezó a jugar el guitarrista Dickey Betts, que aquí compuso dos temas que serían futuros clásicos de la banda: el country rock "Ramblin´man" y el vigoroso instrumental "Jessica", sobre el final del álbum. También aportó el fantástico up tempo de aires bluseros "Southbound", que en el disco cantó Gregg Allman.

La música, qué decirlo, suena fluida, natural, luminosa. Como si la tragedia nunca hubiera golpeado a la gran familia Allman (que dicho sea de paso posó completa, con novias, amantes, hijos y hasta perros en la foto interna del lp)."Wasted words" (también cantada por Gregg) suena despreocupada bajo el sol y "Come and go blues" le saca lustre a los matices instrumentales y de intensidad. El disco cierra arriba, con el boogie rock "Pony Boy".

Bonus
"Brothers and sisters" permaneció cinco semanas número 1 en la lista de álbumes americanos. Y "Ramblin´ man" fue número 2 en el chart de singles. En 1973 los Allman Brothers habían abierto las puertas a otras bandas del Southern Rock como Lynyrd Skynyrd y la Marshall Tucker Band.

The Allman Brothers Band 1973

Gregg Allman (voz, órgano, rhythm guitar) Richard Betts (voz, lead y slide guitar, dobro) Lamar Williams (bajo) Chuck Leavell (piano, coros) Jaimoe (batería y percusión) Butch Trucks (batería).

Discografía cercana

Eat a peach (1972)- Brothers and sisters (1973)- Win, lose or draw (1975).

Discos: Cluster & Eno (Brian Eno- Cluster, 1977)

2011-08-24T17:23:00.001-03:00

Cuenta la historia que a mediados de los 70 Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius -miembros de Cluster- se retiraron junto a Michael Rother al medio del campo. Más precisamente a las afueras de Frost, en Bevern, Alemania.

El objetivo del grupo (que terminaron bautizando Harmonia) consistía en alejarse de las grandes ciudades y dedicarse a desarrolar la música contemplativa que sonaba en sus cabezas. Tras varias señales de admiración mutua, en 1976 recibieron la visita de Brian Eno, que pasó unos días con ellos grabando, charlando y -según se cuenta en el documental de la BBC sobre Krautrock- "jugando al ping pong".

La colaboración entre estos músicos (todos ellos pioneros en el uso de sintetizadores y en el concepto de una música Ambient) continuó en junio de 1977 cuando los Cluster se unieron a Eno en los estudios del célebre productor Kraut Conny Plank en Colonia. El primer material editado en base a esas sesiones (de las que también participaron Holger Czukay y Asmus Tietchens) fue "Cluster & Eno".

Lo mejor está al comienzo y al final de este set de 36 minutos, que combina las búsquedas de ambas partes: el trabajo sobre texturas y sonidos procesados de Eno, por un lado, y el énfasis en el loop y la repetición de los germanos, por otro. En el comienzo, decíamos, "Ho Renomo" es pura belleza suspendida, etérea. Y es la marca sonora por la que tal vez recordemos este disco. El tema dialoga con aquellas grabaciones de Harmonia del 76 rescatadas y editadas como "Tracks and traces" por el sello Rykodisc en 1997.

Le sigue otro gran momento de flotación con "Schöne Hände" (sí, todos los títulos están en alemán) para entrar luego en terrenos más "mundanos", si se quiere, con "Steinsame" y "Die Bunge". Hacia el final, la música vuelve a ganar en lejanía y en misterios con esos cinco minutos celestiales de "Für Luise".

Una música, definitivamente, de crepúsculos y atardeceres quietos.

Chequear también:

* Eno, Moebius, Roedelius, After the heat (1978).

* Harmonia, Tracks and traces (1997).

* Brian Eno, Discreet music (1975).

Discos: Bless the weather (John Martyn, 1971)

2011-08-24T14:38:00.032-03:00

Después de grabar dos álbumes en colaboración con su esposa Beverly ("Stormbringer!" y "The road to ruin") John Martyn volvió a firmar en solitario uno de los mejores discos de su carrera.

Hablamos de "Bless the weather", editado en noviembre de 1971. Un álbum reposado y directo. De corazón acústico y cálidas canciones. Un lp que tranquilamente le pelea el podio a la masterpiece de John, "Solid air".

Según cuentan las reseñas de época, el disco se grabó en apenas tres días en los estudios Sound Techniques de Chelsea. Para la ocasión, se dieron una vuelta amigos y colaboradores que aportan sutiles colores instrumentales a las canciones, como los Fairport Convention Dave Pegg, Simon Nicol y Dave Mattacks. Eran épocas salvajes para Martyn, apegado a diversos excesos ya por entonces.

El comienzo es de alto nivel: "Go easy" parece arrastrar cada estrofa, para sumar las voces dobladas del propio John en los estribillos. Los tintes jazzeros, tan habituales en la música del británico, le dan ese feeling especial, ese "aire" a "Bless the weather", el tema. Vibrafones sutiles, el contrabajo de Danny Thompson (colaborador habitual por años y responsable de introducir a JM en territorios del jazz) y la profundidad de esa Voz hacen el resto. Dos temas magistrales.

"Walk on the water" -con la habitual sensibilidad de Martyn para referirse al universo femenino- tranquilamente podría estar en "Solid air" y "Just now" es una de esas canciones increíblemente bellas y abiertas que le salían naturalmente. Puro talento, dulzura y calidez vocal para cantar sobre el hecho de convertirse en un hombre y encontrar, simplemente, un lugar.

Con eso ya bastaría, pero hay un par más: "Head an heart", los climas morosos y amenazantes de "Let the good thing come" (con coros de Beverly Martyn) el experimento de jam session con Echoplex de "Glistening Glyndebourne" y la breve perlita final (una simpática versión del clásico "Singing in the rain") redondean un gran álbum.

Para la época de "Bless the weather" Martyn comenzó a consolidar su éxito dentro del circuito folk británico. Y sobre todo, a ganarse un público fiel que lo seguiría de allí en más, en los buenos y en los malos tiempos de una carrera larga y fructífera.

John Martyn, discografía cercana:
The road to ruin (1970)- Bless the weather (1971)- Solid air (1973).

Video del lunes: Sea and Cake, "Sound and vision"

2011-08-23T11:00:00.000-03:00

Arrancamos la semana con los Sea and Cake haciendo el clásico de Bowie.

Discos: A salty dog (Procol Harum, 1969)

2011-08-19T15:30:00.001-03:00

Editado en junio de 1969, "A salty dog" fue el tercer disco de estudio de los Procol Harum. Un paso adelante en esa particular mezcla de blues, folk y progresivo orquestal que el grupo venía tejiendo desde su debut en 1967.

O si no un paso adelante, al menos una saludable diversificación (con un mayor peso del Blues) en los estilos con los que estos virtuosos de la sensibilidad abordaban su música, siempre ajena a cualquier moda pasajera. "The milk of human kindness", por caso, es irresistible con sus pianos, su ritmo de cabaret bluseado y las percusiones de Barrie Wilson.

Según cuentan las reseñas, para esta época ya habían comenzado las tensiones entre el guitarrista Robin Trower y el resto de los Procol. A Robin, precisamente, le pertenecen la bellísima "Too much between us" (con sus delicados xilofones y acústicas acompañando la melodía) y el blues low fi "Juicy John Pink".

El grupo levanta magistralmente la tensión con uno de los tantos números que aporta aquí la mitad compositiva del grupo, Gary Brooker: "The devil came from Kansas"suena suelta, fresca y potente. También de Brooker es la hermosa balada orquestal que da nombre al álbum, inspirada, como casi todo el lp, en viejas historias y fetiches navales (la tapa del disco, sin ir mas lejos, es un pastiche a partir de la etiqueta de cigarrillos Player´s Navy Cut). La letra de "A salty dog" (como todas las líricas del grupo, escrita por Keith Reid) narra la peripecia de un grupo de marineros durante una tormenta, de la que vuelven sanos y salvos.

El otro gran compositor -el tecladista Matthew Fisher- no se queda atrás: a él pertenece la calma reposada de "Pilgrim´s progress" y el final hard rock de "Long gone geek". Fisher- que produjo el álbum- abandonó el grupo poco tiempo después.

Baladas, climas pastorales, inspiración blusera. En definitiva, hay mucha buena música en "A salty dog". De esa que a Procol Harum le salía naturalmente. Como ya dijimos, siempre elegantemente ajenos a modas pasajeras.

Las reediciones posteriores del álbum agregan tomas alternativas y un tema inédito, "McGreggor".

Procol Harum- discografía cercana

Shine on brightly (1969)- A salty dog (1969)- Home (1970).

Una canción: "Pink frost" (The Chills, 1984)

2011-08-18T17:17:00.001-03:00

The Chills fue una banda capitaneada por el guitarrista Martin Phillips, activa entre los 80 y la actualidad. Junto a otros grupos como The Verlaines y The Bats formó parte de la escena de Dunedin, proveniente de la ciudad neocelandesa del mismo nombre. Algo así como un antecedente en los 80 del indie pop de los 90.

Entre los primeros singles que grabó esta banda (y que están compilados en el disco "Kaleidoscope world" editado por Creation en 1986) está esta gema absoluta que es "Pink Frost".

La historia de la canción es llamativa. Fue grabada en primera instancia por el grupo en 1982, en los estudios Lab de Auckland. Por entonces The Chills eran un trío formado por Martin Phillips en guitarra, Terry Moore en bajo y Martyn Bull en batería.

El grupo no quedó conforme con la toma y dejó en el tintero la posibilidad de regrabar la canción más adelante. Pero poco después de la sesión, Martyn Bull fue diagnosticado con leucemia y falleció apenas unos meses más tarde. En 1984 los miembros restantes escucharon la grabación y decidieron trabajar sobre ella agregándole algunas guitarras y voces extras y editándola finalmente aquel año.

¿Y de qué habla esta misteriosa y atemporal canción pop? Bueno, en diferentes blogs y sitios de internet, su interpretación sigue siendo un misterio. Por momentos una cancón sobre el miedo ante una escena de sobredosis (la explítica línea "What can I do if she dies?" parece decirlo todo); por otros el sonido de la paranoia ante el daño hecho ("How can I live when you see what I've done?"). Lo cierto es que en sus 3 minutos 59 segundos "Pink frost" maneja un clima entre el encierro y la luz. Entre el miedo y la esperanza. Musicalmente, sus dinámicas cambiantes , sus silencios y misterios pueden ser parte de su encanto, también.

Una música oscura y abierta a la vez. Con melodías, silencios y sus propios secretos. Pero siempre imperecedera.

Bonus

* "Pink frost" compartió rankings aquel 1984 junto a "Pride (in the name of love)" de U2, "Girls just wanna have fun" de Cindy Lauper y el tema de la película "Ghostbusters".
* Como dato para melómanos, fue versionada por Yo la Tengo.
* Según Martin Phillips, es el tema por el que los Chills deberían ser recordados.