Discos: Radio-Aktivität (Kraftwerk, 1975)

Género: Radio activity is in the air for you and me

En el mismo 1975 que Michael Rother y Klaus Dinger editaron su obra maestra como Neu! ("Neu! 75") sus ex compañeros de Krafwerk (que ya habían logrado cierto reconocimiento con su lp anterior, "Autobahn")  grabaron el que tal vez sea su disco más oscuro, denso y atmosférico.

Producido por primera vez por la dupla Hütter/ Schneider en los estudios Kling Klang, "Radio activity" se armó a la manera de un álbum "conceptual" alrededor de las ondas radiales y radioactivas, dos obsesiones de los de Düsseldorf por entonces. Las letras- muchas veces con sentido del humor- juegan entre el sentido de uno u otro campo.

Fue además el primer álbum con la formación clásica de los Kraftwerk (Hütter- Schneider- Bartos- Flür). Toda la música fue compuesta por Hütter y Schneider, con la colaboración de Emil Schult en las letras (Schult también diseñó el arte de tapa, una ilustración modificada de la radio alemana de la década del 30 "Deutscher Kleinempfänger").

Yendo a lo musical, "Radio activty" suena como un muestrario de ruidos y ondas en el aire: el disco de Kraftwerk menos apegado al formato pop y al "tema" (algo que empezarían a modelar a partir de "Trans Europe Express") y el más librado a la experimentación. Aquí desaparecieron los instrumentos análogos y todo quedó en mano de teclados, Vocoders y Farfisa.

Los golpeteos del contador Geiger (el mismo que permite detectar y medir la radioactividad en partículas) le da pie a la flotación funeraria de "Radio activity" (el tema). En el uso de silencios y compases de espera radica toda la magia del tema. En su suspensión de casi 7 minutos que parecen detener el tiempo.

El goteo radioactivo persiste, extenuado, para marcar el ritmo de "Radioland" con sus Vocoders lánguidos, casi a punto de desfallecer. El clima que respiramos aquí (por si hace falta decirlo) es verdaderamente de fin del mundo. De post- radiación. ¿El fin de la era de "Distensión" de la Guerra Fría? ¿La obsesión paranoica con la amenaza nuclear? El ritmo sólo levantará para la vertiginosa "Airwaves", antes de caer en los palotes autistas de experimentación con ondas de "Intermissión", "News" y "The voice of energy".

Con sus ruiditos de Moog Micromoog sobre un ritmo dub, "Antenna" contiene, tal vez, el ADN del Joy Division más máquinal (y su conexión con el primer New Order, por ende) a la vez que funciona como piedra de toque para el futuro Synth Pop oscuro de exponentes como OMD, Ultravox o Gary Numan. Entre ese momento y la fantasmal "Uranium", puede palparse también la gélida escenificación de los discos del período Berlín de Eno-Bowie, apenas dos años más tarde, en 1977.

En resumen, en esa altarnacia entre sonido, ondas atmosféricas y silencio, transcurre "Radio activity". Apenas 37 minutos de una música que a la distancia podríamos definir anticipadamente como Ambient. Con telón de fondo de amenaza nuclear.

Para irnos a dormir relativamente tranquilos, sin embargo, los Krafwerk nos despiden con esa (¿canción de cuna para robots? ¿marcha fúnebre de la civilización?) que es "Ohm sweet ohm". 

Krafwerk- discografía cercana

Autobahn (1974)- Radio activity (1975)- Trans Europe Express (1977).

Discos: Melloy yellow (Donovan, 1966)

Las generaciones posteriores se encargaron (algo injustamente, por cierto) de caricaturizar a Donovan como el prototipo del trovador "floripondio" de los psicodélicos 60´s.

Sin embargo, este escocés que emergió con la escena folk británica se las arregló para ser reconocido por sus pares y grabar buenos discos y canciones. Sobre todo hasta comienzos de los 70´s. 

"Mellow yellow" fue uno de sus álbumes clásicos de los mid 60´s, aunque por problemas legales no pudo aparecer en Inglaterra sino hasta un año después de su grabación, junto al lp anterior (el también clásico "Sunshine superman").

La producción de Mickie Most (The Animals, Herman´s Hermits, Jeff Beck Group, entre otros) se las tuvo que arreglar para ensamblar en un mismo set las dos tendencias que mostraban las canciones de Donovan  por aquel 66-67. Por un lado, esas divertidas viñetas que describen el Swingin´ London: livianas, llevaderas musicalmente, como "Mellow yellow" (la leyenda cuenta que fue el amigo Macca el que grabó esos susurrados "quiet rightly..." del estribillo), la jazeada "The observation" o el blues cansino "Bleak city woman".

También en esta veta, el optimista tema final, "Sunny South Kensignton", nos invita a darnos un paseo algo alucinado por el barrio londinense y encontrarnos con la fauna de sus calles ("Jean-Paul Belmondo and-a Mary Quant got/ Stoned to say the least/ Ginsberg, he ended up-a dry and so/ He a-took a trip out East").

Pero en el otro extremo están esas canciones teñidas por las sombrías reflexiones de un artista que estaba sufriendo los problemas contactuales que dificultaban su difusión en Inglaterra. O con visiones su-rrealistas de lo que sucedía más allá del jolgorio hippie.

"Writer in the sun" es una metáfora bastante precisa de lo primero, musicalizada con flautas y tonos menores. Y "Sand and Foam" y "House of Jansch" (dedicada a su amigo e inspiración Bert Jansch) pertenecen a esos tesoros de armonías y melodías que Donovan siempre sacaba de su galera psicodélica y folkie.

Donovan- discografía cercana

Sunshine superman (1966)- Mellow yellow (1967)- A Gift from a Flower to a Garden (1967).

Discos: Songs from Northern Britain (Teenage Fanclub, 1997)

Es cierto, los Teenage Fanclub pueden empalagar al tercer o cuarto bocado. Pero hay días en los que necesitamos esas dosis de edulcorante en armonías y melodías. 

Al menos un ratito. 

Editado en 1997, "Songs of Northern Britain" es uno de los álbumes clásicos de los escoceses, que nombraron a otro de sus discos "Thirteen", en honor a sus maestros power pop Big Star. 

Allá arriba, sostenidos en las habituales armonías cristalinas y a pura construcción vocal, desfilan "Start again", "Ain´t that enough" y "Can´t feel my soul", en un primer tramo imparable. Las aguas se aquietan a la altura de la balada "Planets" y vuelven a cobrar bríos con las oleadas guitarreras de "Take the long way round" y la grandiosa "I don´t care". Canciones para aprender y cantar.

Como siempre, la composición dentro del cuarteto se reparte entre tres: Norman Blake, Gerard Love y Raymond Mc Gingley, que entrega la agridulce "Your Love Is the Place Where I Come From". Como dato, una de las "31 songs" que eligió en su libro Nick Hornby.

"I disappear when you're not here in my life/ When i'm on my own I'm lost in space/ My freedoms a delusion/ Your love is the place where I come from".

Teenage Fanclub- discografía cercana

Grand Prix (1995)- Songs of Northern Britain (1997)- Howdy! (2000).

Discos: Pretty in black (The Raveonettes, 2005)

Género: canciones para tu fin de semana en Los Angeles.

Luego de un primer lp de cita directa al noise de Jesus and Mary Chain, el dúo danés The Raveonettes (un mix entre el "Rave on" de Buddy Holly y The Ronettes) le dieron formato pop a su sonido con "Pretty in black". Uno de los mejores discos de los 00´s.

Y si hay una meca para estas canciones, ese lugar es Los Angeles. Sol, olas y latigazos de guitarras en busca del eslabón perdido entre el pop coral de Phil Spector y los climas cinematográficos de David Lynch.

En el medio, una fórmula sonora que combina una buena dosis de guitarras Surf Rock, espíritu de Jukebox de los 50´s y films Clase B. Velvet Underground y Blue Velvet. Todo en la batidora para armar un cocktail irresistible, aunque con un pequeño (gran) detalle: sus buenas canciones. Sin ellas, el pastiche de citas sería uno más entre tantos ejercicios retro de los 00´s.

Podríamos despejar primero una crítica a la producción diciendo que el disco tarda un poco en arrancar. ¿Por qué esas dos canciones lentas ("The Heavens" y "Seductress of bums" ahí al comienzo?

La cosa se empieza a armar -para ya no detenerse hasta un buen rato después- a partir de la imbatible "Love in trash can". Y toma vuelo con el vértigo guitarrero de "Sleepwalking" ¡Surf Rock adrenalítico y noctámbulo!

"Here comes Mary" es psicodelia de bola de espejos para bailar con poca ropa en alguna playa secreta. La flotación, los coros finales, todo es una delicia. Otro punto fuerte del set va de "Twilight" a la climática "You say you lie" (grandes guitarras, batería machacante y teclados fantasmales) pasando por la polvorienta "Somewhere in Texas". Muchos temas buenos de verdad. Con lo que hay acá, otro grupo hubiera armado dos buenos discos.

"Pretty in black" se despide con la que tal vez sea -conceptualmente- su pieza central: "Ode to L.A", con Ronnie Spector en coros y Maureeen Tucker batiendo parches. 100% "Spector sound" con campaniles, percusiones, coros y el radiante sol de Los Angeles cegándonos antes de volver a casa.

Take a minute listen to this town/ Don't you ever feel you have to come/ Take a minute she won't let you down/ See you excited in her arms/ L.A. and all her crazy charms.

The Raveonettes

Sune Rose Wagner, Sharin Foo.

Discografía

Chain gang of love (2003)- Pretty in black (2005)- Lust lust lust (2007)- In and out of control (2009).

Discos: Coney Island Baby (Lou Reed, 1975)

Género: otra resurrección de Lou en los 70

Después del chasco que significó artística y comercialmente "Metal machine music", en 1975 Lou Reed estaba otra vez a la deriva. "Sin dinero y sin guitarras" -como el propio Lou cuenta en las liner notes- la RCA lo puso en un hotel, y que el futuro decida.

Hasta que Ken Glancy, el presidente de la compañía, lo encaró y le hizo prometer que no volvería a grabar una segunda parte de "Metal machine...".  Reed, por supuesto, le aseguró que así sería y Glancy le rentó estudio y músicos para que grabase simplemente un "disco de rock".

Ese álbum fue "Coney Island Baby", uno de los más sólidos del ex Velvet en aquellos desparejos 70´s. Acompañado de Bruce Jaw en bajo, Bob Kullick en guitarras, Michael Suchorsky en batería y el agregado de algunos amigos en coros, "Coney..." significó una especie de "regreso" de Lou a la canción urbana, a la poesía simple de las calles. Y por qué no, a una introspección que no volvería a aflorar, tal vez, hasta "The blue mask".

En lo musical, nada de extravagancias ni experimentos Avant Garde. El mid tempo remolón "Charley´s girl", con sus cencerros al frente, está entre lo más encantador y simple que alguna vez grabó Reed y el  slide de "Crazy feeling" (junto a esos campaniles y coros) logran un efecto íntimo, embriagador. La canción habla de esos "flash" que te unen a un desconocido en medio de una noche de locura y juerga.

La meditabunda "A gift" dice "soy un regalo para las mujeres de este mundo/ la responsabilidad descansa dura sobre mis hombros/ como los buenos vinos/ soy mejor a medida que crezco". Cantadas por Reed, estas líneas, lejos de sonar pedantes o machistas, indican fragilidad, un atisbo de confianza, apenas.

Las mujeres (en este caso sin ángel, sin suerte) también son las protagonistas en "Nobody´s business", "She´s my best friend" (grabada con los Velvet en 1969) y la agitada "Oooohhh baby", uno de esos rocks vulgares que sólo le perdonamos a Lou.

Para el final, la larga "Coney Island Baby" cierra el álbum con una amarga reflexión sobre el coraje y el precio que un outsider como el narrador tiene que pagar en una sociedad que te juzga todo el tiempo (aquí la metáfora que usa Reed hace mención al deseo de jugar, cuando sos chico, "para el entrenador del equipo de fútbol" y que todos tus compañeros se rían de vos). Sólo algunas líneas parecen ofrecer algún consuelo: "but remember that the city is a funny place/ Something like a circus or a sewer/ And just remember different people have peculiar tastes..".

Bonus

Como dato para melómanos, la reedición en cd de RCA (2006) agrega jugosos bonus tracks con tomas inéditas de algunos de los temas de "Coney Island..."  y versiones grabadas en 1975 de "Nowhere at all", "Downtown dirt" y "Leave me alone" (que aparecería más tarde en "Street hassle"). En 4 de estos tracks el bajo estuvo a cargo de Doug Yule, ex Velvet.

Lou Reed- discografía cercana

Metal machine music (1975)- Coney Island Baby (1976)- Rock and roll heart (1976).

Discos: Pocket symphony (AIR, 2007)

Género: flotación Hi Fi para tardes de otoño

En nuestra memoria musical está el insuperable debut de AIR en 1998, "Moon safari", seguido de ese subestimado soundtrack especialmente compuesto para "The virgin suicides", la película de Sofía Coppola.

Luego, el paso en falso que dieron con el fallido "10.000 hz legend" y el repunte con otro gran disco, "Talkie walkie", en 2004. Como quinto disco llegó este silencioso "Pocket symphony". En apariencia un mero "ejercicio de estilo" de los franceses, pero que esconde varios buenos momentos eliminando rispideces y apuntando a un trance, por momentos, envolvente. 

El instrumental "Spacemeker" abre el disco como suele gustarle al dúo de Nicolas Godin y Jean- Benôit Dunckel: lentamente, como subiendo el telón con cada compás. Logran calidez con esas guitarras, vibrafones y teclados, sobre un ritmo sinuoso.

"Once upon a time" continúa con este clima que bien podríamos describir como ensoñado y tibio, de medios tonos. El ensamblado del tema es perfecto, trepando sobre el magistral artilugio de batería tejido por Tony Allen, aquel célebre baterista de Fela Kuti reclutado por Damon Albarn para el proyecto The Good the Bad and The Queen. También aporta su color el shamisen: una especie de banjo de tres cuerdas que Godin aprendió a tocar, entre otros instrumentos, con un maestro de música de Okinawa.

El set tiene algunos momentos donde la languidez habitual del grupo roza el aburrimiento, como en "One hell of a party", con Jarvis Cocker como invitado, o el monótono "Photograph", en piloto automático. Pero cierto matiz psicodélico, circular, reencauza el disco a la altura de "Napalm love". Otro instrumental, "Mayfair song", le da pie al siguiente gran momento con "Left banke", de nuevo alternando climas, la calidez de las guitarras y la madera.

Flotación y psicodelia Hi Fi.

"Mer du Japon" mantiene el clima general reposado, levantando un poco el tempo y "Lost message" es- por decirlo de una manera elegante- una cita directa a los momentos más calmos del "Before and after science" de Brian Eno 1977.

Como dato para melómanos, Neil Hannon aporta su voz en "Somewhere between waking and sleeping".

AIR- discografìa cercana

Talkie walkie (2004)- Pocket symphony (2007)- Love 2 (2009)

10 años sin Joey 
(19 de mayo de 1951- 15 de abril de 2001)

Soundtrack para el fin de semana: The Free Design

Ahora que empiezan a caer hojas amarillas y da para caminar por ahí con música en los auriculares, Ultravivido les propone un fin de semana bien sixties con  The Free Design.

Formados en New York a fines de los sesenta, este combo familiar comandado compositivamente por Chris Dedrick desarrolló un estilo vocal liviano, con presencia de chicas (las hermanitas Sandy, Ellen y Stephanie) entre el Sunshine Pop, el Easy Listening y los ambientes estilizados de la Bossa.

"Kites are fun" (no confundir con el "Best Of" del mismo nombre e igualmente recomendado) fue su primer disco, editado por el sello Project 3, propiedad de Enoch Light, en 1967. Un funcional y estilizado set que incluye algunos clásicos tempranos como "Never tell a word", "My brother Woody", "Kites are fun"  y la versión familiar de "Michelle".

El grupo continuó editando álbumes hasta 1972, para luego separarse y celebrar una reunión fugaz en 2000.

Bonus

* Célebres fans del grupo, los Stereolab (quienes le deben gran parte de su sonido) les dedicaron el tema "The Free Design" (1999).

* En 1994 Cornelius reeditó todo el catálogo de los americanos en su sello Trattoria.

Jazz nights: Bud plays Bird (Bud Powell, 1958)

Hoy en la mansión Ultravivido cerramos la noche con el bueno y borrachín de Bud Powell swingeando a más no poder.

La invitación incluye versiones de Charlie "Bird" Parker en un intimista formato trío. Ahí van los clásicos "Ko Ko", "Ornithology", "Relaxin´at Camarillo" y "Salt peanuts", entre otros.

Grabado en 1957-58 en New York con Powell en piano, George Duvivier en bass y Arthur Taylor en drums.

Para poner y dejar correr.

Quote:

Earl Rudolph Powell nació en New York en 1924. Fue -junto con Thelonious Monk- uno de los grandes pianistas del Bop.

Tocó, entre otros, con Charles Mingus, Dizzy Gillespie y Charlie Parker.
Murió en New York el 31 de julio de 1966.

Psicodelia in La Pampa: Pachuco Cadáver

Para los que nunca oyeron hablar de ellos, Pachuco Cadáver -además de ser un tema de Captain Beefheart- fue el grupo que formaron Roberto Pettinato y Guillermo Piccolini (ex Toreros Muertos) en Madrid, en 1989.

Permanecieron activos hasta 1993 y editaron dos discos que pasaron prácticamente desapercibidos en su momento. Y después también. En líneas generales, una especie de saludable anomalía del rock "argentino" (que por lo general suele tomarse tan en serio) craneada por dos semi exiliados en España, con citas del rock más Arty y la psicodelia.

Sonaban como unos Suicide pop. Como unos Syd Barrett con cajas de ritmo o unos Residents bajados a tierra. Y muchas cosas más, en una era -no está demás recordarlo- todavía pre-internet, Wikipedia o You Tube. Su universo de influencias sonaba oscuro, inaccesible por entonces. Pero más allá de esas citas "para entendidos", los Pachuco tenía buenas canciones y habían  alcanzado ya de entrada un estilo propio. 

En Ultravivido repasamos sus dos discos, editados a comienzos de los 90´s.  

3 huevos bajo tierra (Triquinoise- Trípoli Discos, 1991)

Con un esquema instrumental mínimo, casi hogareño (máquinas de ritmo, guitarras y Pettinato haciéndose cargo de la voz principal) el grupo sumó la colaboración de Willy Crook en saxos para grabar el más sólido de sus dos álbumes. 

Hay muy buenos temas. "Rock n´roll vermellion" es un rock clásico, redondo y efectivo con citas al piano disonante y machacante  del John Cale era Velvet. "Corazón de lata calzoncillo pandereta" parece un soundtrack de serie clase B con extraños sonidos dando vueltas y su frase célebre, aquella de "el dinero es como la droga/ la dosis que basta para el lunes no bastará para el viernes".

En otra de sus facetas, los Cadaver también podían ser dulces y acercarse a la canción. Ahí están "Deadly town"(una de esas para ir cantando y caminando por ahí) y la encantadora "Happy fly": completita, llena de detalles de teclados voladores y saxos. Petti se da el gusto de releer "Estallando desde el océano", de Sumo, y otro gran momento llega con "Rats": teclados interespaciales como colchón para esas melodías cristalinas, abiertas y luminosas y una letra demencial: "Rats, rats, rats everywhere/ Where doy ya think they all belong?/ They belong TO ME!". Pequeña gran genialidad.

Los covers se lucen. El dúo hace su propia deconstrucción demente del clásico de Cream "Sunshine of your love" (por otra parte, mucho más divertida que el bodrio original) y respetan en agresividad y clima gélido el "I am the fly", de los primeros Wire. 

Life in La Pampa (Triquinoise, 1992)

Para el segundo disco el grupo explotó en estilos, como si grabara su propio Album Blanco antes de decir adiós. El talento para la canción se luce en "Is your mother still dressing you" y la dulzura de "Don´t see you". Verdadero psych- pop Lo Fi, antes que ese concepto se inventara.

"Un trozo de tarta" es una jam de jazz funk climático con Pettinato improvisando encima. Y "Trippers" es un gran tema: clima amenazante, arpegios siniestros, percusiones y un Petti absolutamente sacado sobre el final, aullando casi al límite del registro.

En mitad del set aparece la genial "Insectos" -de melodías Barrettianas, como casi todas las construcciones vocales que armaba el grupo- y una letra en primera persona, a la manera de un "manifiesto Pachuco": "somos los insectos/ venimos volando desde lejos/ somos los insectos/ miré usted que ojitos que tengo yo/ venimos cargando con este peso", cantaban, entre teclados al borde de la afinación. 

En la segunda mitad el disco se desinflaba un poco con sus ejercicios entrecortados ("Try this", "Not love song", "Mummy´s birthday") pero no se despide sin homenajear a los inspiradores Residents en "The booker tease".

Pachuco Cadaver

Roberto Pettinato (voz, guitarra, saxo) Guillermo Piccolini (voz, teclados, guitarra).
Músicos invitados: Willy Crook (saxos) Marcelo Rodríguez (trompeta) entre otros.

Discos: In the land of grey and pink (Caravan, 1971)

Género: clásico de los folk-progresivos Caravan

Entre los melómanos que bucean en los recodos menos iluminados de las disquerías suele haber, cada tanto, cierto consenso sobre esos discos que raramente pueblan las listas -por así llamarlas- "oficiales". 

"In the land of grey and pink", tercer álbum de los británicos Caravan, es uno de esos "clásicos" para entendidos. En Ultravivido lo conocimos gracias a una lista de discos recomendados por Will Sergeant, guitarrista de Echo and the Bunnymen fanático de la psicodelia. 

Originalmente parte de la escena de Canterbury junto a Soft Machine, Caravan fue un cuarteto formado en 1968 por los primos David y Richard Sinclair junto a Pye Hastings y Richard Coughlan. Aún con sus infinitos cambios de formación, el grupo permanece activo hasta hoy. Fichados inicialmente por Verve (fueron el primer grupo británico en hacerlo) el cuarteto grabó en 1968 su muy buen primer álbum, el homónimo "Caravan". Dos años más tarde -ya trasladados a Decca Records- editaron "If I could do it all over again, i'd do it all over you" y en 1971, bajo la tutela de Deram, su mejor y clásico disco.

La magia de "In the land of grey and pink" radica en esa mezcla tan natural entre folk, rock  y sutiles toques progresivos. Dicho así uno podría imaginarse un pastiche de dudoso gusto, pero en el caso de los Caravan el resultado es algo orgánico y bien ensamblado. Como si siempre hubiera estado allí.

En resumen, una gema de ese interesantísimo período del rock que fueron los primeros 70's.

Podríamos empezar resaltando algunos pasajes de "Nine feet underground", el  largo tema que cierra el lp. Luego de una sutil carga inicial, con la banda trepando magistralmente a caballito del solo de guitarra de Hastings, nos encontramos -allá por los 6 minutos- con ese groove de teclados pseudoprogresivos entre Deep Purple y Yes, que van a sostener el tema durante un rato más. 

"Aristocracy" es un gran momento musical. De melodías cristalinas, pronto empieza a cabalgar en un ritmo atrapante sumando coros, Hammonds y, nuevamente, arreglos "Prog" repartidos en su justa medida.

"Golf girl" comienza como una viñeta pastoral, pero su insistencia rímtica y sus arreglos neoclásicos la convierten en otra cosa, bastante inclasificable por cierto. Se trata de un ritmo firme pero suave, como todo lo que toca el cuarteto en el plano instrumental. Delicados, armónicos, impresionistas: hasta ese riff de rock clásico de "Love to love you (And tonight pigs will fly)" se transforma en una irresistible canción de bosque encantado en manos de los Caravan, que le meten flautas, coros y giros sutiles.

Y qué decir de la flotación que logra el grupo a la altura del solo de piano de Dave Sinclair en "In the land of grey and pink", el tema que nos invita a pasear por esos paisajes lejos de la ciudad que frecuentan las letras de Caravan ("so we'll sail away for just one day to the land/ where the punk weed grows/ Won't need any money/ just fingers and your toes/ And when it's dark our boat will park on a land of warm and green").  

Trucos y libertades musicales en un disco que flota sin complejos. Natural.  

Caravan- discografía cercana

"If I could do it all over again, i'd do it all over you" (1970)- "In the land of grey and pink" (1971)- "Waterloo lily" (1972).

Videos: Wire "The 15th"

Colin Newman, Graham Lewis, Bruce Gilbert y Robert Gotobed.
Wire en vivo en la TV alemana. 1979.

Soundtrack para el fin de semana: 3 discos Brit

En Ultravivido seleccionamos 3 discos UK para agitar el pub este fin de semana. ¡Cheers boys!

Mark Ronson, Version (2007)

A este sí que se lo puede dejar correr entero. Buenos momentos con Lilly Allen poniendo divertidos a los Kaiser Chiefs de "Oh my God" y el tempo alto de Amy "excesos varios" Winehouse cubriendo "Valerie", de The Zutons. También con las fanfarrias à la Señor Coconut de "Apply some pleasure" (Maximo Park).

Otros momentos favoritos: la funkeada versión de "The only one I Loved", de los Charlatans, y por supeusto el highlight del disco con "Stop me", de los Smiths.

The Streets, Original pirate material (2002)

El mejor de los buenos discos que sacó Mike Skinner en los 00´s (ya anunció que no va más The Streets) junto a los primeros Audio Bullys. ¡Qué soplo de aire fresco que trajo a comienzo de década! Inspirado, callejero, 100% UK Garage. 

Al frente con "Let's Push Things Forward", "Same old thing", "Too much brandy" y las favoritas de la casa "It´s too late", "Weak become heroes" y "Has It Come to This?". Para ir al pub en jogging a tirar dardos y tomarse unas pintas en la vereda. 

Black Grape, It´s great when you´re straight...yeah (1995)

Volvemos unos años para atrás, porque si hay un disco fiestero y de pub, ése el primero de los Black Grape. 

Uno de esos discos que no paran nunca. Si no, prueben la seguidilla de "Reverend Black Grape", "In the name of the father" y "Tramazi parti", antes de retomar esos ondulantes (y humeantes!) mid tempos  onda Happy Mondays con lo mejor del disco, "Yeah yeah brother". No puede fallar.

Discos: A saucerful of secrets (Pink Floyd, 1968)

La mitología del rock suele encumbrar demasiado el "período Barrett" de Pink Floyd, y puntualmente el lp debut del grupo, "The piper at the gates of dawn". 

Influidos desde el comienzo por el colectivo "free" AMM, los Floyd rápidamente supieron que querían crear espacios "estelares" a través de largas improvisaciones (sobre todo en sus shows en vivo) alternándolas con esas cancioncillas de inspiración infantil -vía Lewis Carroll- que traía Barrett en su pluma cargada de LSD.

Esa mezcla entre espacialidad y regresión infantil es la que define "The piper...", aunque musicalmente todavía con algunas deudas: a pesar de lo excitante de la propuesta, el sonido aún no lograba fluir del todo en pasajes extendidos como "Astronomy domine" o "Intellestar overdrive". En ese sentido, en varios tramos el disco se queda en el mero señalamiento de caminos a seguir, pero sin profundizarlos.

Grabado entre agosto del 67 y abril de 1968 en los EMI studios de Abbey Road, "A saucerful of secrets" logró anclar mejor las ideas del grupo. El viaje ya era otro, es cierto. Básicamente porque el mando estaba a cargo de otro capitán, Roger Waters.

¿Qué ganó Floyd en su segundo álbum? Mayor peso específico. Más precisión para plasmar ideas (el Talón de Aquiles de gran parte de la Psicodelia y experimentos "free-form" de fines de los 60´s). Mejores temas (o con más "foco", si se quiere) y una mayor fluidez y naturalidad en los distintos vuelos que emprendieron. Y sin resignar el espíritu de búsqueda sonora que siempre guió al grupo.

Syd Barrett participó de las primeras sesiones, un período del que surgieron "Vegetable man", "Scream Thy Last Scream", "In The Beechwoods" y el que finalmente fue el único aporte suyo que quedó en el corte final: "Jugband blues". Pero en enero del 68 su salud mental era tan inestable que su puesto tuvo que reforzarse con la entrada de David Gilmour. 

Con un pie todavía en el Space/ Acid Rock de "The piper...", "Let there be more light" enfoca mejor ese cúmulo de ideas que estaban dando vueltas, mezclando una intro arremolinada con puentes y melodías circulares y repetitivas. A diferencia de las urgencias del lp debut, el tema se toma todo el tiempo para atender cada implicancia y cada resonancia sonora (atención a la coda final).

El grupo también ganó en matices, y la prueba está en "Remember a day", compuesta por Rick Wright. Hermanita gemela de esa joya de la canción psicodélica que es "Paintbox", aquí el grupo se mece en la voz entrañable de Wright y toca suave para escuchar los compases de silencio entre las palabras.

Sin embargo, el punto alto llega con "Set the controls for the heart of the sun", una oda climática de colores terrosos a cargo de Roger Waters.

En esos 5 minutos los Pink Floyd ya están en plena conexión con el sonido y el ambiente. Le dejan espacio al sonido puro sin tanta intervención de los músicos (futuro ADN del Ambient) encontrando esa economía instrumental que sería su sello en los años siguientes. Aquella donde siempre "menos es más".

El grupo todavía se permitía (podemos decir que hasta "Atom heart mother") algunas bromas musicales, tal vez para restarle solemnidad a su costado vanguardista.  Aquí tenemos esa canción 100% Barrettiana (a pesar de pertenecer a Waters) que es "Corporal clegg". Siniestra y cómica al mismo tiempo, se trata de la primera canción de Roger inspirada por la Guerra, en este caso, hablando de un soldado que perdió su pierna en la Segunda Guera Mundial.

La larga pieza de 12 minutos "A saucerful of secrets" (tempranamente trabajada como "The Massed Gadgets of Hercules") anticipa lo que explorarían en discos como "Ummagumma": largos pasajes instrumentales con percusiones en loop, reversas y efectos varios (cuenta la leyenda que el productor del álbum, Norman Smith, ya no soportaba los interminables ratos en los que el grupo se entretenía "haciendo ruiditos" en el estudio). A partir de los 7 minutos la música entra en terrenos prácticamente Ambient (año 1968, recordemos) antes de desembocar en su mejor tramo con "Celestial voices": un claro anticipo de la suite de "Atom heart mother".

Y a esta altura ya vamos comprendiendo que allí donde "The piper.." apuntaba a las estrellas, "Saucerful..." se mete con la densidad de espacios subterráneos, húmedos y oscuros.

"See saw" es el otro aporte de Rick Wright. Ya desde los primeros tiempos el toque de Rick se caracterizó por la tibieza ensoñada de su voz y el manejo de tempos preferentemente lentos, valseados. Una voz que ya parecía de vuelta de todo en aquel primer y joven Pink Floyd. Como en otras canciones suyas, hay deliciosos detalles de piano dando vueltas por ahí.

Ahora sí, el final del álbum (nadie puede pensarlo sino como una verdadera "despedida") le pertenece a las lunáticas líneas que Barrett escribió para "Jugband blues". Entre música de carrousell, castañuelas y clima circense Syd canta su propio manifiesto esquizo: "es muy considerado de tu parte pensar que estoy aquí/ pero estoy obligado a dejarte en claro que no estoy aquí/ y me pregunto quién estará escribiendo esta canción". 

Al año siguiente, ya como cuarteto, los Pink Floyd comenzarían a definir su sonido de los próximos años con el subestimado soundtrack del film "More".

Pink Floyd- discografía cercana
The piper at the gates of dawn (1967)- A saucerful of secrets (1968)- More (soundtrack, 1969).

Discos: Love over and over (Kate & Anna Mc Garrigle, 1982)

Género: folk para los primeros días de otoño

Brevemente, en Ultravivido vamos a contar que las hermanas Kate y Anna Mc Garrigle nacieron y se criaron en Québec, Canada, a mediados de los años 40. 

Ya en los 60´s comenzaron a presentarse en público con el grupo Mountain City Four y en 1974, ya como dúo, firmaron su primer contrato discográfico. Fieles a sus orígenes, a lo largo de su carrera grabaron varias canciones en inglés y francés, repartidas en diez álbumes que editaron hasta 2008. 

"Love over and over" es un hermoso disco de estas hermanas de inspiración folkie editado por Polydor en 1982 y reeditado por Ryko (bonus tracks mediante) en 1997. Un disco ideal para estos primeros días de otoño, cuando los sonidos y los perfumes empiezan a cambiar junto al color de las hojas.

La primera gema llega con la bellísima "Sun, son (shining on the water)", compuesta por Anna. Tras un comienzo clásico y bluseado se larga esta balada de hermosas melodías sobre la infancia, la ciudad natal y la imagen paterna ("That´s the sun, son, shinig on the water/ It´s not Cairo, New York or Rome/ and just a matter of hours before you see your mama/ waiting for you back at home").

"I cried for us" es una conmovedora canción de despedida con Kate sola al piano y "Love over and over" es otro de esos rocks suaves que solían frecuentar las hermanas, en este caso con la presencia de un todavía ignoto Mark Knopfler en guitarras.  

Otro momento entrañable viene de la mano de los acordeones que acompañan la balada de pub "Star cab company", mientras que unos violines le dan el clima pastoral a "Tu vas m´accompagner". Atención, por último, a los hermosos coros que flotan sobre "St. Valentines day 1978".

Célebres y al mismo tiempo conocidas por pocos, las canciones de las Mc Garrigle fueron versionadas por artistas como Nana Mouskouri, Linda Ronstadt, Emmylou Harris, Billy Bragg y Judy Collins, entre otros.

Ambas tocaron y grabaron con The Chieftains y participaron con sus coros en "No more shall we part", el disco de Nick Cave de 2001. 

Kate Mc Garrigle (que murió en 2010) era la madre del canadiense- americano Rufus Wainwright. 

Vinilos del fin de semana: Al Green x 2

Fin de semana soulero en los lps que encontramos revolviendo por ahí..

Paseando por Parque Los Andes (barrio de Chacarita, Buenos Aires) compramos dos vinilos de Al Green por 25 pesos. La felicidad, a veces, cuesta muy poco.

Según nuestro columnista estrella de la sección Soul Basics, Isley Juan, se trata de dos álbumes del mejor período de Al, cuando coproducía sus discos junto a Willie Mitchell.

"Livin´for you" (1973)

Este es el lp que viene después de "Call me", ya reseñado por Isley en UVVD. Arranca un poco en piloto automático, como desganado, con "Livin´for you" y "Home again".

Recién acelera un poco a la altura de "Let´s get married" y su encantador groove de mid tempo. El lado 2 abre con los bronces Phily de "Sweet sixteen", sin abadonar ese tono apagado, casi íntimo, de la voz de Al.

Esa que debe haber derretido a varias chicas a la altura de su lubricadísima versión de "Unchained melody".

"Express your mind" (1974)

También grabado en los Royal Recording Studios de Memphis, "Express your mind" abre fuerte con dos hits al hilo: "Sha la la (make me happy)" y "Take me to the river" (versionada años más tarde por los Talking Heads y con especial lucimiento de la base rítimica a cargo de Howard Grimes y Leroy Hodges).

La cosa se pone gospel- lujuriosa a la altura de "God blessed our love" y vuelve a levantar el tempo con la irresistible "The city". "I'm Hooked on You" insiste en las dinámicas del célebre "Let´s stay together" (´72) y "Stay with me forever" es pura delicadeza vocal e instrumental.

Gainsbourg discographie: Mauvaises nouvelles des etolies (1981)

Siempre intentando cosas nuevas, a fines de los ´70 Serge Gainsbourg escuchó a Peter Tosh y a Marley y supo que quería ir por ese lado.

Se tomó un avión a Jamaica, reclutó un dream team local  (con Sly & Robbie y las I Threes a la cabeza) y se metió al estudio para sacar "Aux Armes et cætera"en 1979.

Y mal no le fue, si hablamos de ventas. Además, con ese gesto de avanzada le alcanzó para ser uno de los primeros músicos blancos en grabar en la isla (si descontamos el dúo de Jagger con Tosh).

Pero se ve que Serge se quedó con las ganas y en 1981 insistió. Una idea de la que más tarde renegaría, dados los resultados y las malas críticas (que lo destrozaron). Menos inspirado que su antecesor,  es cierto, "Mauvaises nouvelles des etoiles" (algo así como "malas noticias de las estrellas") sin embargo tiene sus momentos. Y en Ultravivido le levantamos el pulgar.

Grabado en apenas seis días (entre el 21 y el 27 de septiembre) en los Compass Point Studios de Bahamas, el clima general aquí es -obviamente- relajado. Mucho humo y una flotación pareja, siempre al borde de la monotonía pero sin llegar a aburrir.

Los aciertos llegan con "Overseas telegram", el clásico "Ecce homo", la colgada "Mickey Maousse" y "Juif et dieu", todas al comienzo del disco. Más adelante, es imposible no sonreír con los coritos de "Bana basadi balalo" y los pedos escatológicos de "Eugene Sokolov".

La Bestia se permite arrullar a su pequeña Bella en "Shush shush Charlotte" antes de recordar su célebre show de 1980 en Estrasburgo con "La nostalgie camarade". Un poco de eco, cámaras...¡Gainsbourg goes dub!

Para 1984, sin embargo, Gainsbarre se mudó a New York y ya estaba en otra, con "Love on the beat".

Discografía cercana

Enregistrement public au Théâtre Le Palace (1980, live)- Mauvaises nouvelles des etolies (1981)- Love on the beat (1984).