Soundtracks: David Lynch x 2

Twin Peaks: fire walk with me (Angelo Badalamenti, 1992)

 

Primero estuvo la serie de TV (que en Buenos Aires veíamos por Canal 9). Y luego la película de "Twin peaks". En ambos casos, la música original estuvo a cargo de Angelo Badalamenti. Algo así como el Nino Rota de David Lynch.

 

Lo que sucede en este soundtrack es sencillamente superlativo. La noche tiene que ser completa, profunda, para dejar correr los primeros compases de "Theme from Twin Peaks: fire walk with me". Tonos menores, trompeta asordinada, clima siniestro. Cada compás tiene implicancias musicales profundas y evocativas. Todo el disco podría valer por estos primeros 7 minutos de música.

 

Pero hay bastante más. "The pine flat" va y vuelve entre vibrafones y clima Lounge. Y "Sycamore tree" cuenta con la escalofriante voz de Jimmy Scott, al que descubrimos precisamente con este disco (y por su participación en "Magic and loss", de Lou Reed). Badalamenti tuvo dos socios compositivos para este soundtrack: por un lado Thought Gang ("A real indication") y por el otro el propio David Lynch, que compuso música y letras.

 

La cantante- fetiche de Lynch por entonces, Julee Cruise, le pone voz etérea a "Questions in a world of blue". Y "Montage from Twin Peaks" junta retazos del clásico lyncheano "Falling", para evocar el espectro de Laura Palmer.

 

Lost Highway (Original soundtrack, 1996)

 

Producido por Trent Reznor, este disco es el soundtrack de una de las últimas grandes películas de Lynch, junto a "Mullholland drive". Aquí hay temas originales alternados con algunos pasajes de música incidental, nuevamente, a cargo de Angelo Badalamenti. Todo para ambientar esa transmutación de almas en plena autopista nocturna.

 

Bowie abre con los títulos y esa línea serpenteante de la ruta a toda velocidad con "I´m deranged" (del olvidable "Outside"). A Reznor lo pasamos por alto y vamos a esa zapada de Funk/ Free Jazz compuesta por Badalamenti ("Red bats with teeth"). Angelo también aporta el climático "Dub driving".

 

Sin embargo, las joyitas acá llegan de la mano de Barry Adamson: "Mr. Eddy´s theme" (1 y 2) "Something wicked this way comes" y "Hollywood sunset". También aparecen temas de Marylin Manson, Lou Reed, Tom Jobim y Rammstein.

Discos: This is hardcore (Pulp, 1998)

Tres años después de "Different class" (el disco que los encumbró en el trono del Brit Pop) los Pulp grabaron un disco con mucho de desencanto y amargura. De resaca post- fiesta.

"This is hardcore" -de él hablamos- también puede verse como un epitafio propio y el de toda una fugaz época de resurgimiento del pop británico. "Hasta acá llegamos" parece decir cada tema del álbum.

Ese tono amargo y reflexivo le queda muy bien a la pluma inspirada y corrosiva de Jarvis Cocker. Es Jarvis quien aprovecha el bajón para reflexionar acerca de sus 33 años y la "middle age crisis" en la bella "Dishes". "No soy Jesus" escribe "aunque tengo las mismas iniciales". En el booklet podemos leer algo así como "está ok crecer, pero otra cosa es envejecer. Sos joven. Hacete cargo". Toda la gráfica del disco (dirigida por el gran Peter Saville) apunta contra esos yuppies prematuramente envejecidos, vestidos con ropas caras y con la cabeza de tipos de 60.

"Here comes the fear" marca el tono melodramático y teatral de todo el disco. Un hilo que seguirá su curso en la barroca "This is hardcore" y sólo levantará un poco el tempo a la altura de "Party hard". Otras gemas cortitas y al pie llegan con "TV Movie" y "A little soul", en medio de los climas siniestros de "Seductive Barry".

Las cualidades musicales de esa gran banda que fueron los Pulp aún estaban intactas: elegancia a la Bowie, sobriedad, inteligencia en arreglos e inspiración por la grandilocuencia de Scott Walker y Jacques Brel para la canción.

"This is hardcore" es el relato algo desencantado (aunque con muchos momentos de lucidez y belleza) que alguien te cuenta cuando la fiesta terminó, en pleno corazón de la madrugada.

Pulp- discografía cercana

Different class (1995) This is hardcore (1998) We love life (2001).

Videos del fin de semana: The Raveonettes x 3

¿Cómo no caer rendidos a los pies de The Raveonettes? Si tienen todo (o casi todo) para encandilarnos: las citas correctas, el estilo, canciones excelentes, un gran sonido y hasta una chica linda y con actitud al frente.

Para pasar el fin de semana en compañía de los daneses, los dejo con tres videazos: 

Rápido y directo, en la escuela Jesus & Mary Chain.

Clásico de clásicos. Del imbatible "Pretty in black"

Temazo de "In & out of control". En vivo 2010 con Sharin Foo en batería.

Clásicos: Red (King Crimson, 1974)

El camino se hace al andar, dice el refrán. Y todos los pasos que fue dando el Monstruo Carmesí de Robert Fripp fueron, a su modo, fascinantes.

Pero de todos ellos, "Red", de 1974, cierra como un mazazo en la frente. Allí donde otros excelentes discos como "Starless and bible black" o "Lark´s tongues in aspic" generaban desbordes e incertidumbre, "Red" cerraba certero y afilado.

Tras la partida de David Cross en 1974, el grupo quedó reducido al trío Fripp- Wetton- Bruford. Sin embargo, los amigos (entre ellos Ian McDonald y el mismo Cross) colaboraron en esta grabación, que tuvo lugar en los Olympic Sound Studios de Londres, entre julio y agosto de aquel año.

"Red" (el tema) termina ganando por K.O en base a la insistencia de su riff macabro. Y los constantes "ida y vuelta" que comanda Bill Bruford. En la parte media entran unos cellos de ultratumba, en contrapunto con las guitarras zumbadoras de Fripp. "Fallen angel" es un falso remanso de quietud y bonanza, que en sus momentos más calmos recuerda pasajes de los primeros lps del grupo. Pero a no engañarse, que en "Red" nada es  tierno. El tema crece, se desborda, florece en el estribillo que se repite entre saxos y guitarras chirriantes. Una cacofonía magistral.

La de noches alucinadas que pasamos con estos temas. Eso es lo que me recuerda "One more red nightmare": auriculares, noche profunda, vúmetros del equipo en rojo. El riff...bueno, esto sí que es pesado y siniestro. Violento y sofisticado a la vez .

La banda va y vuelve (acá se luce, como en ningun otro tema, Bruford) y en la mitad todo queda colgado de un arpegio hipnótico, envolvente: el mejor momento de todo el disco. Saxos voladores, tempo de blues/ vals, una demencia absoluta. Como si nada, la banda corta y vuelve al motivo principal. Como si estuvieran tocando Hard Bop cruzado con Hard Rock. O algo así. Extasis del sonido pleno.  

¿Y de qué hablan las letras de Crimson? Bueno, pedimos disculpas, pero bastante trabajo y fascinación nos causó siempre su música como para, encima, tener que entender esas enigmáticas letras. "Providence" propone algo así como un collage de sonidos concretos (el "Revolution 9" de Robert Fripp). O apenas un intermezzo para llegar con ganas a "Starless", entre cuerdas, Mellotrones y un clima tenso y bellísimo, antes del aguijonazo punzante del final y la coda freejazzera.

"Red" fue el Canto de Cisne de un gran período de King Crimson. Poco después, Fripp mandaría a hibernar al Monstruo, hasta nuevo aviso.

King Crimson- discografía cercana

Starless and bible black (1973) Red (1974) USA (1975).

Rock and roll roots: Orange blossom special (Johnny Cash, 1965)

Johnny Cash conoció a Dylan en el ya célebremente histórico Newport Folk Festival del verano de 1964. Hay fotos -igualmente célebres- que testimonian aquel choque de planetas.

Según Billy Altman, autor de las liner notes de esta reedición de "Orange blossom special", el encuentro tuvo algo de inusual, ya que los artistas Country (más asociados a la derecha política) poco querían mezclarse con los músicos Folk. Cash, como en tantos otros aspectos, fue la excepción a la regla. 

Pocos días después de Newport ya estaba en los estudios Columbia de Nashville grabando un tema inédito de Dylan, "Mama you´ve been on my mind". Meses más tarde la sesión se completó con "Don´t think twice it´s alright" (que ya había sido un hit por Peter, Paul and Mary) y "It ain´t me babe". Un hito en sí mismo, ya que fue uno de los primeros duetos entre Cash y June Carter.

Para la grabación de sumaron trompetas que reflotaron los aires mexico-fronterizos de "Ring of fire", la bomba que el Hombre de Negro había tirado en el ´63. El tema trepó en los rankings de música Country y demostró que ambos géneros podían cruzarse. El consagrado le abría la puerta, además, al jovencito algo petulante que hacía sus primeros pasos como trovador Fok. 

Hasta ahí la "conexión Dylan". El tema que da título al álbum tiene otra historia. Según contó el propio Cash alguna vez, durante el entreacto de un show en Miami se le presentó un señor de aspecto humilde, sombrero en mano, que le contó que años atrás había compuesto "algunas canciones". Ese buen hombre se llamaba Ervin Rouse, y entre sus temas estaba este "Blossom orange special": una clásica melodía Hillbilly que aquí abre el set entre pitidos de tren, a puro galope.

Los rellenos del álbum (mayormente covers de clásicos Folk & Country) no desentonan: los coros quietos de "The wall", el clásico "Long black veil", la rendición Gospel de "Amen" y la canción de protesta "All of God´s children ain´t free" mantienen el disco en un buen nivel. 

Johnny Cash- discografía cercana

Bitter Tears: Ballads of the American Indian (1964)- Orange blossom special (1965)- Sings the Ballads of the True West (1965).

Soul Basics: Everybody loves the sunshine (Roy Ayers, 1976)

Imperdonable que en nuestros Soul Basics todavía no hayamos hablado del maestro Roy Ayers.

Personalmente, creo que lo recomendable es bucear en todos sus discos de los 70´s y armarse un compilado a gusto & piaccere. Hay gemas en cada disco. Y también baches y momentos menos gloriosos. Hay que seleccionar finamente.

Pero puestos a elegir alguno de sus lps, hoy hacemos girar el clásico de 1976 firmado por Ayers-Ubiquity, "Everybody loves the sunshine". Buen momento garantizado.

El disco empieza a encaminarse con "The golden rod" (track 2) entre los clásicos vibes de Roy y un clima netamente Blaxploitation. Pasamos a otro gran momento entre "It ain´t your sign" (¡esos coros de chicas!) "Tongue power" y "You and me my love", levantando el pulso funkero del set.

¿Vamos al relax?  "Keep on walking" (compuesta por Gino Vanelli) es apenas un buen momento, pero "The third eye" ya es otra cosa, con su toque "lush" flotando entre el humo y las luces de la noche.

Pero claro, la gema total de la música aquí es el clásico "Everybody loves the sunshine". Uno podría hacerse Disc Jockey sólo para poder pinchar este tema en una fiesta. Qué teclados. Qué coros. Una música inoxidable.

Roy Ayers- discografía cercana

A tear to a smile (1975) Everybody loves the sunshine (1976) Vibrations (1976).

Discos: Hot shots II (The Beta Band, 2001)

Domingo de invierno, perezoso, bajo el sol. Un buen momento para dejar correr el cuelgue del segundo disco de los Beta Band, "Hot shots II", editado en 2001.

Mezcla de Beck con Pink Floyd y los Crosby, Stills & Nash, estos oriundos de Edimburgo parecieron siempre a contrapelo de su época. El éxito se les hizo esquivo y después de tres álbumes, se separaron en 2004.

Luego de la decepción que implicó el ecléctico lp debut, el grupo de Steve Mason se concentró en lograr un álbum que mantenga el trip casi a nivel hipnótico. Por todo ello, "Hot shots II" es su disco más logrado como tal (si bien el último que editaron, "Heroes to zeroes" tiene más momentos notables).

El single "Squares" abre el set a pura flotación; un clima que se va a mantener de allí en más, casi sin sobresaltos. Hay que subir el volumen para escuchar la espaciosidad de esta música. "All sharp" maneja un clima de spiritual espacial, multiplicando el juego de voces y logrando un efecto embriagador. Y "Gone" se queda suspendida en su propio sopor de hora de la siesta.

Recién en la segunda mitad el grupo levanta en combustión con la percusiva "Quiet" y el coqueteo Folk Rock de "Alleged". ¿Aburridos? Sólo es cuestión de encontrarles su momento, como toda la música.

Como bonus, el video de "Squares".

Soundtrack de sábado a la noche: RZA & A Tribe Called Quest

Hip Hop Old School para la transnoche del sábado

Videos: John Coltrane

Coltrane y su cuarteto clásico (con Elvin Jones, Jimmy Garrison y McCoy Tyner) haciendo el tema de Mongo Santamaría "Afro blue".

Discos: Up (R.E.M, 1998)

En 1997 los R.E.M perdieron a su baterista original, Bill Berry. Y un año después editaban “Up”, un disco algo triste e impresionista, que reflejaba el estado de ánimo del grupo tras la pérdida.

Con los años, “Up” quedó un tanto infravalorado en la discografía del grupo, pero una escucha atenta muestra que está lleno de experimentación y buenos momentos. Sólo hay que darle su tiempo.

Producidos ahora por Pat McCarthy (mano derecha de Scott Litt) los R.E.M contaron además con la ingeniería de Nigel Godrich. ¿Posibles links con lo que estaba haciendo Radiohead por entonces? Es una hipótesis.

“Airportman” tiene aires Ambient –entre vibrafones y colchones lounge- que nos llevan como en una panorámica por salas de espera de aeropuertos. “Lotus” (uno de los pocos momentos de instrumentación clásica) fue uno de los cortes del álbum, aunque no agrega demasiado al canon de la banda. “¿No te das cuenta que no necesito nada demasiado profundo? Pedí otro trago” suplica el narrador de “Suspicion”, en medio de esa magnífica flotación noctámbula.

Lejos de los tics y fórmulas probadas que amenazaban con ahogar partes de “New adventures in hi-fi”, pareciera que los R.E.M encontraron aire en esa electrónica lo-fi y hogareña (“Hope”, “The apologist”). A su vez, ese minimalismo le da terreno a la pluma de Michael Stipe para auscultar sentimientos como la culpa, los encuentros fallidos y el arrepentimiento.

Pero hay más música. “You´re in the air” respira una melancolía agria entre colchones de cuerdas y “Diminished” es otro momento circular, envolvente (chequear con auriculares esos vibrafones, slides y cámaras). Para balancear la aventura, “Up” tiene sus momentos más clásicos: “Daysleeper” y “At my most beautiful” (con sus coros en subida Beach Boys) bien podrían haber sido parte de “Automatic for the people” o  el mismo “New adventures in hi-fi”. 

"Up” es una buena foto de los R.E.M, forzosamente reducidos a trío. Y con el estudio como espacio para la introspección y la búsqueda de un sonido íntimo. Lejos de estadios e himnos para multitudes. Era hora de bucear un poco en la tristeza.

R.E.M
Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills.

Discos: Ghosts of dead aeroplanes (Prolapse, 1999)

Los Prolapse fueron un grupo formado en Leicester, Inglaterra. Estuvieron activos entre 1992 y 2000 y editaron cuatro álbumes y varios singles, aunque pasaron prácticamente desapercibidos para el gran público. ¿Su sonido? Una mezcla bien balanceada de Dream Pop, Psicodelia, Shoegaze y ligeros toques Noise. 

Envolventes, una de estas tardes heladas de Buenos Aires pueden ser una buena oportunidad para volver a escucharlos con su cuarto y último disco de estudio, "Ghosts of dead aeroplanes", editado en 1999 por el sello Cooking Vinyl.

La cosa arranca climática sobre bajos Dub y un ritmo nervioso y parejo con "Essence of Cessna". El clima se mantiene -tenemos diálogos, retazos de sueños, voces que se superponen- pero "Fob. Com" pisa distorsión y teje un lazo secreto con unos Throwing Muses pasados por Shoegaze.

Que nadie espere estribillos ni formato canción. A los Prolapse parecía importarles más el cuelgue, el trip sostenido y el diseño de climas. En el camino echaban mano de sonidos, samples y ruidos industriales para subir a la ola de su música. 

Ya a la altura de "Adiabatic" sentimos que la tarde de invierno puede correr ahí afuera, que nosotros nos vamos a quedar un rato más con esta música, mecidos por la voz de Linda Steelyard. La fantástica "One illness" nos rescata de la tenebrosidad de (anoten este título) "Cylinders V12 beats Cylinders 8" y "Government of spain" saca un filo Post Punk inesperado. 

Si siempre te gustaron los grupos en la categoría de Ride, Adorable y afines, los Prolapse pueden ser tu próxima parada.

Prolapse

"Scottish" Mick Derrick (voces) Linda Steelyard (voces) David Jeffreys (guitarra) Patrick Marsden (guitarra) "Geordie" Mick Harrison (bajo) Tim Pattison (batería) Donald Ross Skinner (teclados).