Discos: Here come the warm jets (Brian Eno, 1974)

Depende el día que lo agarres, "Here come the warm jets" puede ser un disco sublime o una broma de mal gusto. Y es que en algún punto, el primer lp solista de Eno se las tuvo que ver con la carga de histrionismo, experimentación e irritabilidad que Brian le inoculaba al primer Roxy Music (y que ya no tenía lugar en la lucha de egos con Bryan Ferry).

 

El disco es como un carroussel de atrocidades (o de bellezas) difíciles de encasillar. Todo depende, nuevamente, del día, del humor en que te agarre. En sus momentos más experimentales, "Here come..." anticipa la New Wave. En otros es Glam Rock deforme. Por instantes se adelanta inclusive al Punk y lo pasa por arriba a puro desparpajo. A no olvidar: es 1974.

 

Yendo a las canciones, cada tema es un universo en sí mismo: empieza y termina y lo que sigue es otra cosa. "Needle in the camel´s eye"- el track inicial- es un ensayo de Noise Rock veinte años años de que se hablara de ese término. Y "Baby´s on fire" es el primer momento tremebundo del setlist. Lo que empieza como un mantra hipnótico e inocente pronto se abandona a las guitarras chirriantes de Robert Fripp (uno de los dos guitarristas "ilustres" invitados; el otro es Phil Manzanera). La música: una bola de lava que no sabemos adónde irá a parar.

 

Eno siempre tuvo un corazoncito pop oculto, y "Cindy tells me" va en ese sentido. El tema tiene unas melodías luminosas, suspendidas bien arriba junto a unos coros celestiales. Pero como acá nada es lo que parece, le sigue la tenebrosa "Driving me backwards", con un clima de cabaret sumergido en barbitúricos. Con la voladura de mente necesaria, "Here come the warm jets" sigue sonando asombroso a casi 40 años de grabado. Difícil encontrar -en cualquier época- otros discos que se le igualen en descaro y aventura.

 

Hay muchos mitos alrededor de la grabación (Eno bailando alrededor de los músicos, la composición de las letras a partir del sinsentido, etc.). Varios amigos de Matching Mole, Hawkwind y Pink Fairies (además de los mencionados Fripp y Manzanera) se acercaron a los Majestic Studios de Londres para sumarse a la grabación. Pero eso es parte del anecdotario y de Wikipedia.

 

¿Más emociones? Hay una especie de nostalgia irredimible en los acordes de "On some faraway beach" y los aires de funeral entre amigos entrañables que irradia "Some of them are old". ¿Esto es una cargada o la canción más sentida que te puedas imaginar?

Si hay algo que tiene "Here come the warm jets" es que no sabés que pensar de lo que estás escuchando. Depende qué clase de oyente seas, bien puede ser un horror o lo mejor que te pueda pasar.

 

Brian Eno- los tres primeros lps

Here come the warm jets (1974) Taking tiger mountain (by strategy) (1974) Another green world (1975).

DVD de la semana: Festival 2005 (The Cure, 2006)

La espera va a ser larga, pero después de más de 25 años nada parece demasiado. Mientras llega la fecha (el 12 de abril en River Plate, Buenos Aires) matizamos la espera de los The Cure con algo de ellos en DVD. 

"Festival 2005" tiene un par de atractivos, sobre todo para los fans. En primer lugar captura al grupo a puras guitarras (¡sin teclados!) con la formación de cuarteto que por entonces incluía a Robert Smith, Simon Gallup, Jason Cooper y el regreso del hijo díscolo Porl Thompson.

La alineación suena densa y filosa. Magmática y rockera, moviéndose dentro de ese lienzo psicodélico que el grupo siempre usó para desparramar sus colores (y del que poco se suele hablar). En todas sus variantes y estilos, hay que decirlo, The Cure fue siempre una banda de corazón psicodélico.

El otro condimento son las imágenes, muchas de ellas captadas por los propios fans en distintos shows en España, Bélgica, Francia, Hungría, Turquía y Alemania, entre otros países.

El set (155 minutos) bucea mayormente en los momentos más densos y eléctricos. Cada fan tendrá sus favoritos. Yo me quedo con "The blood" (a dos guitarras españolas) "Shake dog shake", "A strange day" (esa gema de "Pornography") "A forest" y una demoledora versión de "One hundred years", montada sobre el sampler de la máquina de ritmos original. 

Sweet George

 

Todas las cosas pasan, George se queda

(25 de febrero de 1943- 29 de noviembre de 2001).

Discos: The dangermen sessions vol. 1 (Madness, 2005)

Clásico para bar y para fiestas

La historia fue más o menos así. A mediados de la década pasada los Madness venían tocando una serie de shows de bajo perfil con el alias The Dangermen, donde hacían covers de algunos temas favoritos de la banda. En 2005 eso fue a parar a un disco, "The dangermen sessions, volume 1".

El lp fue el mayor éxito de la banda en Inglaterra desde 1984 y hasta se editó en Argentina, donde pasó bastante desapercibido.

Bien visto, es un clásico de bar y de fiesta. Para poner y dejar sonar. Es clásico y moderno. Canchero y livianito. Navega entre sinuosos ska, aunque el corazón que late por debajo es claramente reggae y Dub (chequear el marcial "I chase the devil a.k.a ironshit", de Max Romeo, alguna vez versionada por Lee Perry).

En las liner notes, cada integrante tiene un alias ficticio (con historia y todo) y habla de la elección de los temas. Algunos de ellos, viejos 45 rpm del sello Blue Beat Records, como el irresistible "Girl why don´t you" (original de Prince Buster) que abre el disco. Hasta se dan el gusto de darse una vuelta por el Motown de los años dorados versionando "You keep me hanging on" (uno de los hits de The Supremes) y el clásico de los Kinks "Lola".

Unos Madness coqueteando con la vieja escuela que les enseñó todo sobre los ritmos Afrocaribeños. Salen bien parados, y con estilo.

Madness- discografía cercana
Wonderful (2002) The dangermen sessions vol. 1 (2005) The liberty of Norton Folgate (2009).

 

 

Cerrado por vacaciones

 

¡Hasta la vuelta!

Reggae classics: Red (Black Uhuru, 1981)

Discazo. Uno de esos discos de reggae que les gusta hasta a los rockeros más acérrimos y cerrados. Cuando la música es buena, se acaban las discusiones más obtusas. Esto siempre va a ser así.

Los Black Uhuru (originalmente llamados simplemente "Uhuru") se formaron en Kingston, Jamaica, en 1972. Pasaron por innumerables cambios de formación y hasta el día de hoy siguen girando, incansables. 

Grabaron discos de gran nivel, entre ellos los clásicos "Sinsemilla" (1980) y "Red" (1981). Ambos, con el aporte de los magos del Dub y el sonido Sly & Robbie. Aquí, la dupla tocó y produjo el álbum. No vamos a destacar temas en un flow tan parejo. Simplemente contar que nuestros favoritos andan entre "Youth of Eglington", la pegadiza "Sponji reggae" y la flotadora "Journey".

Si pasás música en un bar, o en la playa, o en fiestas, o simplemente sos un melómano que adora el sonido y el ritmo, "Red" es uno de esos discos que tenés que tener. 

Black Uhuru 1981

Derek "Duckie" Simpson, Michael Rose, Sandra "Puma" Jones (Sly Dunbar, drums; Robbie Shakespeare, bass).

Discografía cercana

Sinsemilla (1980) Red (1981) Chill out (1982).

Videos: Fever Ray

Terrible video de uno de los mejores discos de los últimos diez años, "Fever ray" (2009).

Discos: Placebo years 1971-1974 (Marc Moulin, 2006)

Jazz Fusion para tardes de verano

Alguna vez en Ultravivido reseñamos "Sam Suffy", el disco clásico de Marc Moulin de 1975. Y revolviendo las bateas de las disquerías céntricas de Buenos Aires, encontramos este "Placebo years: 1971-1974". Un disco que recopila los mejores momentos de Moulin al mando del combo Placebo, a comienzos de los 70. 

Pianista de jazz y sideman de popes como Dexter Gordon y Clark Terry en los 60´s, este belga se metió de lleno en territorios de la Fusión a partir de los primeros 70. Esa década que él mismo definió como "años sin límites" en materia creativa. Porque para Moulin, hay que decirlo, el teclado fue siempre un punto de partida para emprender viajes musicales sin destino fijo. 

Con Placebo grabó tres discos a comienzos de los 70: "Ball of eyes" (1971) "1973" (1973) y "Placebo" (1974). De ellos sobresalen aquí los delicados bronces y melodías de "Humpty dumpty" (grabado en los estudios de Bélgica donde Marvin Gaye armó "Midnight love") y la derivativa y bella "Aria". El toque funky (link directo al Herbie Hancock de "Headhunters") llega de la mano de "Stomp" y "Polk", mientras que "N.W" parece sacada del más puro Blaxploitation (pero el costado relajado del género, el del Isaac Hayes de "Shaft"). 

La jazzeada y elegante "Showbizz suite" (inspirada por partes iguales en Soft Machine y el Eddie Harris del Montreux Jazz Festival) se pasea por Hammonds, ritmos sinuosos (¡y sedosos!) pero jamás cae en la intrascendencia Chill Out. Acá hay fibra. Y estilo.

"Placebo Years": uno de esos discos que dejamos correr y cuando menos lo esperamos, ya nos atraparon.

Liviano como el aire, y a la vez con sustancia. Flotador. Ideal para auriculares y caminatas urbanas, uno de estos eternos atardeceres de verano en Buenos Aires. 

Discos: Version 2.0 (Garbage, 1998)

Mirando para atrás, ahora venimos a valorar a una gran banda como Garbage. Tenían canciones, tenían un sonido potente. Y una gran front-woman como Shirley Manson.

Además, eran dueños de una fórmula irresistible y precisa, donde cada componente del sonido Garbage se puede descomponer y analizar casi bajo un microscopio. El pico de rendimiento de esa amalgama el grupo la alcanzó a la altura de su segundo disco, "Version 2.0".

Es cierto, el sonido del álbum -en algunos pasajes- está muy anclado en un momento de los 90, donde los grupos parecían sonar apocalípticos y oscuros en su trenza con la electrónica. Pero escuchado hoy, todavía muestra potencia y dinamismo.  Y el talento compositivo del grupo estaba aquí en su cenit.

Todo el tándem inicial es de alto nivel, te impacta de lleno. "Temptation waits" y "I think Ì´m paranoid" tienen todo lo que siempre tuvieron los grandes temas de Garbage: agresividad, buenas líneas melódicas, refinamiento armónico y arreglos osados. "When I grow up" y "Special" son puro vértigo de melodías en las alturas. El grupo sonaba robótico, hiper preciso y denso a la vez.

Algunas cosas de "Version 2.0" ("Hammering in my head", "Dumb") no envejecieron tan bien. Y tal vez sobren un par de temas ("Dumb", "Wicked ways"). Pero cuando la fórmula funciona ("Push it", la bellísima "The trick is to keep breathing") la música vuela y los Garbage se transformaban en un vampiro irresistible de ver en pleno ataque.

Por cierto, el grupo volvió en 2012 con el flojo "Not your kind of people". Y en octubre, calentaron la noche del Pepsi Music a pura adrenalina, aquí en Buenos Aires.

Garbage

Shirley Manson, Duke Erikson, Steve Marker, Daniel Shulman, Butch Vig.

Discografía cercana

Garbage (1995) Version 2.0 (1997) Beautiful garbage (2001).

Discos: The good son (Nick Cave and The Bad Seeds (1990)

En 1990 Nick Cave estaba viviendo un romance con la periodista brasilera Viviane Carneiro. Allí podría haber una clave para entender el aire atemporal, bello y relajado que respiran las canciones de "The good son", el sexto disco de estudio de los Bad Seeds. ¿El mejor disco de Cave? Es muy probable.

El lp (que siguió al tormentoso "Tender prey") arranca con una plegaria brasilera protestante, que Nick traspoló a "Foi na cruz". El tema tiene algo de mántrico, de rezo hipnotizante. Acto seguido las Malas Semillas cantan el coro de "The good son" (el tema) que pasa de una estrofa de dientes apretados -bien con el sello del grupo- a un estribillo angelical. Ese clima se extiende a "Sorrow´s child", uno de los momentos más hermosos de todo el set, inseparable de esa visión de la tapa del disco, con esas niñitas sentadas alrededor del piano de Nick.

Sin embargo, el punto fuerte llega entre "The ship song" y "The weeping song". Esta última, subida a un ritmo trepidante de vibrafones y percusión, con una melodía inolvidable. Una de esas canciones que van directo al cánon del australiano.

Nocturno, teatral. Todas las características de la música de los Bad Seeds están presentes aquí, aunque la cuota de agresividad habitual está tamizada, redondeando un clima general con algo de espiritualidad, de epifanía religiosa. "Lament" y la noctámbula "Lucy" completan lo mejor de este "buen hijo" pródigo de Nick Cave y sus Bad Seeds. 

The Bad Seeds 1990

Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Kid Congo Powers, Thomas Wydler.

Discografía cercana
Tender prey (1988) The good son (1990) Henry´s dream (1992).

Videos: Año Nuevo con Brian Setzer Orchestra

Un gran 2013 para todos los amigos Ultravividos

¡Salud & keep swingin´!

Discos: Rattle and hum (U2, 1988)

En 1987 los U2 emprendieron la gira de presentación de "The Joshua tree". Mientras se convertían en la banda más grande del planeta, visitaron Norteamérica. Y allí sintieron el flechazo inmediato con el gran país del Norte. Todo eso quedó reflejado en la película y el disco doble "Rattle and hum", editado un año después, en 1988.

Es cierto que de todas las etapas de U2 ésta es la más fácil de vilipendiar, con Bono convertido en un insoportable predicador (además de exhibir un look espantoso) y la banda coqueteando con los íconos del rock y la cultura norteamericanas.

Pero buceando en "Rattle and hum" hay buenas canciones. Y bastante fuego. Ambas cosas, cada vez más difíciles de encontrar en la música insustancial de estos días.

Reescuchando el disco tantos años después, ahora entiendo que hay un fantasma que recorre gran parte de este viaje: Bob Dylan. El arisco y poco sociable Bob aparece tocando órgano de iglesia en "Hawkmoon 269", un tema oscuro y apocalíptico. La canción se prende fuego en el tramo final, con una percusión tribal y un coro negro impactante. Entre los temas en vivo (el disco está armado con tomas "live" de la gira y otras canciones nuevas, inéditas) los irlandeses hacen una muy buena versión de "All along the watchtower". Y Maestro y Discípulo (hay muchos links en las letras de Bono con Dylan) escribieron juntos la letra del blues de trasnoche "Love rescue me". Otro buen tema.

Después tenemos el tramo "Sun Records" del álbum. Si "Angel of Harlem" hubiera sido compuesta por algun pope intocable, se seguiría hablando loas de esta canción, que en el disco está dedicada a Billie "Lady Day" Holiday. La letra describe -en tono autobiográfico- la llegada de la banda al JFK en una fría mañana de diciembre, con New York transformada en un gran árbol de Navidad y el espíritu de John Coltrane, Miles Davis y la propia Holiday protegiéndolos. La música tiene Soul, tiene fuego. Y la fluidez natural de una buena canción.

Como si hubiera sido compuesta en el ómnibus de gira en plena ruta al atardecer, "Heartland" es el momento climático del trip, con Eno en teclados y una letra que habla del Mississippi, el Delta, y un sol "brillante y violento". "When loves come to town" tuvo destino de clásico desde que nació, con B.B. King en guitarra y voz. Otro que está compuesto en la vieja escuela, simple, directo, sin vueltas.

Los U2 siempre fueron transparentes como artistas, y "Ratlle and hum" es la foto que los captura embobados con Estados Unidos, su Blues y su Elvis. Más allá del resquemor que pueda provocar ese coqueteo foráneo, la aventura dejó grandes canciones, algunas de ellas algo olvidadas por la historia que vino después.

U2

The Edge, Adam Clayton, Bono, Larry Müllen Jr.

Discografìa cercana

The Joshua Tree (1987) Rattle and hum (1988) Achtung baby! (1991).

Especial Ultravivido de Nochebuena: rock 50´s

En esta Nochebuena los próceres del rock nos dejan sus saludos Navideños. ¡Alcemos las copas con Johnny, Roy, Ricky, Carl y Elvis! 

¡Salud, amigos Ultravividos!

Gainsbourg discographie: Love on the beat (1984)

Para 1984 Serge Gainsbourg ya estaba en otra, nuevamente.

Como alguna vez había hecho con el reggae o más temprano en su carrera con el jazz, ahora lo movía el sonido New Wave, al que quería agregarle un toque Disco/ pop bailable.  Para eso se fue a grabar a New Jersey y se rodeó de algunos expertos como Billy Rush y Larry Fast, especialista en sintetizadores.

La aventura podría haber resultado desastrosa, pero el charme de Gainsbourg para todo lo que tocaba (esa desidia estética tan elegante que siempre nos deja margen para que le levantemos el pulgar, cómplices) sumado a un par de buenos temas, redondearon un disco pasable. Casi encantador. Al cóctel le agregó un poco de escándalo (la grabación de "Lemon incest" con su hijita de 12 años, Charlotte) y a otra cosa. 

"Love on the beat" flota sobre unas guitarras levemente funkys, sintetizadores a diestra y siniestra y un viejo truco: coros que se alternan con la voz de crooner y Gitanes de Serge. La cosa funciona. A lo largo de todo el disco, los temas parecen construidos con lo mínimo: un motivo o dos que se repiten (una parte A y otra B) sobre un ritmo monótono. Es Gainsbourg, todo lo hacía fácil.  

Ahí está la bonita "Sorry angel", que con tan poco nos envuelve, yendo y viniendo entre la estrofa y un estribillo mínimo. Hay cositas muy menores, claro ("Hmm hmm hmm", "Harley David son of a bitch") pero que -no sabemos muy bien cómo- nos mantienen enganchados, con un encanto inexplicable. Tal vez sea la bizarra foto de tapa, con nuestro héroe lookeado a lo Drag, fumando y mirándonos desafiante.

Un Gainsbourg que apuntaba a las discotecas newyorkinas de los 80 ("No comments"). Paraísos de la cocaína y el make up en medio de la "Lost decade". Seguro que sonó allí, también.

Serge Gainsbourg- discografía cercana

Mauvaises Nouvelles des Étoiles (1981) Love on the beat (1984) You´re under arrest (1987). 

Otros discos de S.G en UVVD (links)

Mauvaises Nouvelles des Étoiles (1981) Couleur cafe (1986) Du jazz dans le ravin (1997).

Discos: Vanishing point (Primal Scream, 1997)

A la distancia quizás ya lo olvidamos, pero cuando apareció en 1997, "Vanishing point" fue un verdadero "disco regenerador". Su aleación de rock valvular con máquinas, sonidos industriales y Psicodelia abría una puerta grande para seguir experimentando. Era la segunda vez que los escoceses Primal Scream le tiraban un tubo de oxígeno al pop, si contamos lo que habían logrado con "Screamadellica".

¿Cuánto de "Vanishing point" sigue sondando, quince años después? Parecería que varios pasajes quedaron muy fechados en ese momento, aunque hay otros que todavía funcionan. Por empezar, los instrumentales están muy bien. "Get Duffy" es fumona y está llena de música en sus espacios y silencios. "If they move, kill´em" es un auténtico soundtrack para autopistas, persecuciones y drogas. Y "Trainspotting" se toma todo el tiempo del mundo para colgarse de una palmera.

Según contaron los propios Primal, el disco fue armado precisamente como una banda de sonido alternativa del clásico del cine Clase B "Vanishing point", la película de Richard Safarian de los 70´s (el tema central y single del disco, "Kowalski", toma su nombre del personaje principal del film). "La película es una de nuestras favoritas -contó en su momento Bobby Gillespie- pero siempre pensamos que el soundtrack era demasiado hippie. Quisimos ponerle nuestra propia banda de sonido".

De ahí que el feeling general del disco sea colgado, con mucho ambiente, casi cinematográfico. En el medio, canciones mejores y peores, rodeadas de un ruido industrial constante que le da cohesión, sentido. "Vanishing point" es filoso, ruidoso. Y rockea.   

Otros buenos momentos: "Star" es una balada Soul-Gospel con melódica que bien podría haber estado en "Screamadellica" y "Medication" rockea bien suelta, sobre una base con muchísimo groove. El detalle para melómanos, desde ya, es el cover de "Motörhead" en clave industrial.

Bonus

* "Vanishing point" fue el primer disco de los Primal con Gary Mounfileld (bajista de Stone Roses) en sus filas.

* También en 1997, el grupo editó un ep experimental ("Echo deck") con remixes del disco en clave Dub.

Primal Scream discografía cercana

Give out but don´t give up (1994) Vanishing point (1997) XTRMNTR (2000).